Savann Thav
06 13 25 23 55 Cette adresse e-mail est protégée contre les robots spammeurs. Vous devez activer le JavaScript pour la visualiser. www.savann-art.com
2015
Savann Thav a grandi au Cambodge dans une famille d'artistes. Enfant il passait son temps dans les studios de création d'affiches publicitaires et cinématographiques. Il aimait créer avec toutes sortes de racines de plantes séchées et terres de différentes couleurs, des compositions picturales. La Guerre lui a fait quitter son pays et la peinture lui permet de retrouver cette part d'enfance qui est toujours très présente en lui.
"Sans titre" - Acrylique - 1,30 / 0,97
2014
Savann Thav a grandi au Cambodge dans une famille d'artistes. Enfant il passait son temps dans les studios de création d'affiches publicitaires et cinématographiques. Il aimait créer avec toutes sortes de racines de plantes séchées et terres de différentes couleurs, des compositions picturales. La Guerre lui a fait quitter son pays et la peinture lui permet de retrouver cette part d'enfance qui est toujours très présente en lui.
Marc Till s'inspire la plupart du temps de formes humaines ou animales, plus ou moins stylisées, dans la lignée des sculpteurs "organiques" ou "vitalistes", exprimant ses émotions tout à la fois par la forme et la matière, cherchant à retrouver le souvenir d’un geste, d’un mouvement ou d’une musique peut-être oubliés. Ses oeuvres s’adressent autant à l'oeil qu’à la main du spectateur, mêlant intimement courbes et arêtes jusqu'aux confins de l'abstraction ; la recherche d’une ligne épurée est indissociable du choix du matériau utilisé : bois, pierre, terre, plâtre, bronze ou résine. Sociétaire de la Nationale des Beaux Arts.
Les linogravures " Mémoire d'un lieu" sont l'ombre portée de son enfance.
Véronique Trimming, diplômée en lettres et arts plastiques de l'Université de Paris I (DEA), participe aux principales manifestations dédiées à l'estampe en France et à l'étranger. Elle a reçu en 2016 le 1er Prix de gravure des artistes de la ville de Paris. A travers des images fantômes qui ne cessent d'interroger notre mémoire, ses gravures et monotypes nous donnent à voir les traces fragiles de notre humanité.
Affleurement de l'invisible du fond de la noirceur, visions fugaces fixées dans leur étrangeté, les aquatintes de la série "Lumière d'ombre" sont autant d'apparitions au bord de la dissolution. Qu'elle soit abstraite ou figurative importe peu, l'image qui surgit, fantomatique, n'est que le vestige d'une représentation où la figure humaine n'est plus que trace, mémoire de ce qui s'éloigne. Véronique Trimming participe aux principales manifestations dédiées à l'estampe en France et à l'étranger.
Les plaques grattées, aux images effacées qui donneront naissance à la série de gravures Léthé font surgir du fond de l'oubli une mémoire enfouie, à la manière d'un palimpseste. "L'oubli est la vigilance même de la mémoire" nous dit Blanchot. Le mythe grec incarné par Léthé, fleuve de l'oubli, donne une forme sensible et immémoriale à l'interrogation sur "l'oublieuse mémoire". Véronique Trimming participe aux principales manifestations dédiées à l'estampe en France et à l'étranger. Elle a reçu en 2010 le prix "Estampe et gravure européennes" au salon de Garches.
Sensible depuis toujours aux harmonies colorées, à la matière, à la lumière, la peinture à l’huile représente pour moi le meilleur moyen d’exprimer ma sensibilité artistique.
Il aborde ses recherches picturales par un travail instinctif de mémoire sur la nature environnante, et un dialogue entamé avec le support et les médiums utilisés. Entre conscient et inconscient, il tente de créer durant cette discussion, l’instantané d’un nouvel espace, où textures, vibrations graphiques et vibrations colorées résonneront entre paysage intérieur et paysage extérieur et pourront être recréées à l’infini par chaque observateur.
Désormais portée vers l'abstraction, j’ allie plans structurés et formes géométriques dans une recherche de rigueur, de force et d’harmonie
Ses doigts, ses ongles, toute sa main, la guident pour trouver la trace juste du corps enfoui. Tenter de trouver le geste de cette écriture de l’instant. Ce doit être un geste vif traduisant, a contrario, la lenteur du temps qui a créé́ toutes ces strates, en mémoire, et recouvert ces corps en elle. Pris dans leur puits de nuit et déterrés là sur la feuille.
Passages, traces, métamorphoses… La fusion du regard et du ressenti sur l'évanouissement d’un monde suspendu.
Née en 1958 à Paris. Josiane Ulrich vit et travaille à Chatou. Sa formation artistique a débuté en 1991 aux ateliers des Beaux Arts de la ville de Paris. Elle laisse l'expression vivre et évoluer au gré des séances de travail, en toute liberté, sans cahier des charges, sans savoir-faire. Des nouveautés apparaissent, le désordre s'installe. Il reste alors à chercher l'équilibre et la part d'humanité. Sur ses toiles ont lieu des choses sans nom. Libre émotion à chacun. Elle expose principalement en Région parisienne dans des salons, des galeries et des marchés. Salons des Réalités nouvelles, d'Automne et Comparaisons.
Les créations artistiques de Christine Uny prennent leurs racines dans une cosmogonie poétique intemporelle, faite d’imaginaire et de réminiscences merveilleuses, création d’univers étranges, paysages oniriques, improbables, insondables où le végétal, l’organique et le minéral, s’entremêlent et deviennent source d’apparences vivantes et de sensations cosmiques.
Je peins par nécessité,parce que c'est une façon de dire. Je pars toujoursde l'observation minutieuse d'un objet, d'un paysage. Nait alors l'émotion qui crée le désir de faire,tant en peinture qu'en gravure.
A participé à de nombreuses expositions à Paris (Salons
Peintre et graveur, Michèle Urbany a participé à de nombreux salons à Paris et dans la région parisienne.
Actuellement, Valérie Vahey poursuit un travail expérimental sur papier oriental et parfois, sur toile. Ses images monochromes et polychromes forment un univers non figuratif, influencées par l’art japonais et l’expressionisme américain. Elles sont aussi inspirées par le travail de pliage de Simon Hantai. 
Actuellement, je poursuis un travail expérimental sur papier oriental et parfois, sur toile. Les images monochromes et polychromes forment un univers non figuratif, influencées par l’art japonais et l’expressionnisme américain. Elles sont aussi inspirées par le travail de pliage de Simon Hantai.
Mes peintures sont abstraites, monochromes et polychromes formant un univers non figuratif, influencé par l'art de l'orient et de l'expressionisme américain. Elles sont aussi inspirées par le travail de pliage de Simon Hantai. Actuellement, je fais un travail expérimental sur papier oriental - japonais, coréen, thaïlandais, nepalais. Je choisis ces supports pour leurs qualités de résistance et parce que je peux les travailler recto verso. Je les choisis aussi pour les effets que je peux obtenir sur la surface du papier. Parfois, je travaille aussi sur toile. Je travaille avec de la peinture à l'huile, avec des teintures à l'eau, des aquarelles, des encres et aussi avec de la cire.
Peinture et couture.
Peut il exister un lien entre la peinture et la couture?
"A la lisière", une expression qui pourrait définir les créations de Françoise Vallée tant elle interroge l’espace par la limite, la bordure, la frontière, le passage … Une plasticienne au carrefour, en tension entre médium et support. Elle définit sa démarche singulière ainsi : "ne peinture en trois temps", préparation de la toile, démontage de celle-ci et couture des lisières, pièces de tissus. Intégration de la couture apparente et de la couture rentrée. Une œuvre qui laisse voir ses coutures, les fils, la trame, la texture, la matérialité du support. Une œuvre qui pourrait s’inscrire en filiation avec les productions des artistes de "support-surface".
Mon intérêt se porte sur des expressions géométriques et abstraites, que j'ai d'abord développées à partir du travail de la terre, pour donner naissance à des bronzes ou des résines d’aluminium et de cuivre. 
Mon travail sur le paysage s'imprègne des endroits où je réside, que je traverse, et de l'ambiance que la lumière donne au ciel et à l'eau. Je cherche à piéger ces éléments immatériels dans des séries gravées ou imprimées, à immortaliser les feuillages mouvants et caducs, les eaux aux reflets changeants dans les métamorphoses d'un voyage en eau forte. Aussi immuable et inattendue que la nature, la gravure me permet de capturer nuages et brins d'herbe, chuchotement confidentiel de l'eau et souffle de l'espace enfin, de garder précieusement les feuilles éphémères et sauvages moments de beauté en mémoire.
Des symboles archaïques et religieux. Une résonnance à travers le temps et les cultures. Expressions de l'âme et du corps. Un dialogue entre la partie désincarnée de notre espérance et l'aspect incarnée de l'existence, un équilibre cruciforme ou totémique.
Dans l’esthétique japonaise, l’accent est mis sur l’asymétrie plutôt que sur la symétrie et l’espace n’est pas considéré comme un vide à combler mais comme un élément d’équilibre. On retrouve cette idée dans une œuvre musicale où les silences font aussi partie de la musique. 
Gabrielle Buffet, militante du dadaïsme, avait donné une définition pertinente sur le regard que l'on peut avoir sur une œuvre : "L'œuvre existe, sa seule raison d'être est d'exister. Elle ne représente rien que le désir du cerveau qui l'a conçue. Les inventions de la nature nous charment sans qu'il soit question devant elles, de raisonnement ou de raison d'être. Il faut (les œuvres) les regarder comme l'on regarde un arbre, un ciel, un paysage".
Dans l'esthétique japonaise, l'accent est mis sur l'asymétrie plutôt que sur la symétrie et l'espace n'est pas considéré comme un vide à combler mais comme un élément d'équilibre. On retrouve cette idée dans une œuvre musicale où les silences font aussi partie de la musique. Partant de ces principes, le travail de plasticien de Marc Vernier, inspiré des jardins japonais et du Bauhaus, est une recherche d'harmonie avec des jeux de matières (bois, métal, ardoise, papier) et une juste répartition de différentes intensités de noirs, de bruns, de blancs.
La complexité se construit sur des structures simples. Le travail de plasticien, graveur et créateur de livres objets est basé sur la dualité des formes, des textures et des matériaux : blanc/noir, mat/brillant, abstraction gestuelle/géométrique, surface lisse/surface rugueuse. L'artiste recherche l’équilibre et l’esthétique par l’emploi de moyens simples, associé à l’usage de matériaux accessibles : ardoise, sable, bois, papier, métal ... L’art des jardins japonais et le Bauhaus sont pour lui des sources d’inspiration.
En lien avec la musique : accords et agrégations. Expression plastique d'accords et désaccords d'éléments picturaux, par agrégations de couleurs, de lignes, de formes, de supports... Association d'éléments antagonistes pour aboutir à un équilibre visuel, une harmonie. Privilégie la transparence des éléments et l'utilisation du papier de des encres. Techniques mixtes, gravures, dessins, encres...
Plus elle avance dans le monde de l'estampe, plus le chemin s'élargit. Les rencontres, les lectures, les choses de la vie nourrissent son travail. » Je cherche, je ne sais pas quoi… si ; l'espace et la lumière ».
Graver, vernir, poncer, creuser, encrer, essuyer, caresser, imprimer… tous ces gestes sont un dialogue et ont pour mission de faire naître une estampe la plus proche possible de mes rêves mais jamais semblable et éternellement renaissante.
Après un diplôme de peinture à l'Ecole nationale supérieure des Beaux Arts de Paris c'est en 1986, en Provence, que j'ai découvert la gravure. Durant quatre années, j'ai perfectionné mon apprentissage des différentes techniques de gravure. J'ai compris que je voulais être peintre graveur. Outre mon métier d'artiste je participe au conseil d'administration de la fédération Manifestampe, et depuis 2008, je suis responsable de l'atelier de peinture dans une prison d'Hommes condamnés à de longues peines.
Diplômée de l’Ecole nationale supérieure des Beaux Arts de Paris, Sophie Villoutreix-Brajeux vit et travaille en région parisienne. Elle expose régulièrement en France et à l’étranger. Elle enseigne la gravure dans divers lieux, associations, musées, classes artistiques de la ville de Paris. Elle travaille en collaboration avec les équipes enseignantes et sociales et intervient milieu carcéral.
A la frontière qui sépare le visible et l'invisible, l'artiste tente de nous décrire ses explorations intérieures et sa vision personnelle de la réalité. Les images et les figures de la réalité traversent son esprit, s'y impriment. Elle enregistre ces images qui vont l'habiter parfois longtemps, puis recompose sur la toile le souvenir ou l'impression. Faire le silence en soi sans chercher à voir ou à reconnaître avec ses propres références, est la meilleure manière d'écouter cette peinture.
A la frontière qui sépare le visible et l’invisible, Christine Walhain tente de nous décrire ses explorations intérieures et sa vision personnelle de la réalité.
Sculpture exposée : Cerceaux - 7 arcs identiques s’assemblent en un seul anneau - Démarche artistique : Les formes simples ne le restent pas longtemps.
Les formes simples ne le restent pas longtemps
Les formes simples ne le restent pas longtemps : trois plaques de bronze légèrement cintrées se chevauchent ...
Trois plaques légèrement cintrées s'emboitent Elles restent libres et peuvent ressembler à une table basse : le poids de la sculpture s'allège dans leur balancement.
C’est d'abord l'observation constante de la nature, sa place, sa fragilité, sa force, sa beauté. C'est une observation continuelle afin de trouver une interprétation visuelle, une émotion à transcrire.
Les artistes nous invitent à vivre une deuxième réalité,une réalité parallèle au quotidien.Cette seconde réalité des choses que nous propose,M Winckler s'appelle poésie.Devenu sculpture,ce qui serait passé inaperçu devient objet de fascination,leurs verticales nous hissent,leurs spirales nous entrainent,..
Observer l'équilibre des creux, des pleins, des vides. Ecouter, dialoguer avec la matière, laisser ma sensibilité d'artiste réagir à son contact. Peu à peu la forme apparait. Les lignes, les angles, les rondeurs se superposent, s'unissent dans un espace précis qui les unit. Les formes suffisent à émouvoir, elles sont chargées des résonnances du geste sur la matière, et porteuses du contenu émotionnel. Il n'y a pas de message à transmettre, simplement des sensations glanées ici et là et transcrites en partage.
Insatiable de découvertes, Michelle Winckler aime aller à la rencontre de nouvelles techniques et matériaux (le bois, le verre, la terre, le bronze). Elle aime aussi emprunter les sillons d’une expérience sans cesse renouvelée. Au fil du temps, cette inexplicable soif de création nourrit son œuvre d’une énergie inépuisable.
Insatiable de découvertes, Michelle Winckler aime aller à la rencontre de nouvelles techniques et matériaux (le bois, le verre, la terre, le bronze). Elle aime aussi emprunter les sillons d’une expérience sans cesse renouvelée. Au fil du temps, cette inexplicable soif de création nourrit son œuvre d’une énergie inépuisable.
C'est autour des matières telles que le métal oxydé, le verre, l'ardoise, le bois et le papier que s'articule son travail. 
C'est autour des matières telles que le métal oxydé, le verre, l'ardoise, le bois et le papier que s'articule mon travail. La lumière, la transparence, les failles sont des éléments essentiels qui soulignent l'importance de l'espace et du vide et évoquent la présence et l'absence. La recherche de simplicité dans mes réalisations tend à mettre en valeur les matières que j'utilise.
Ardoise, marbre, verre, bois, métal sont les matériaux qu'elle privilégie pour la réalisation de ses mosaïques et de ses tableaux reliefs. Elle aime jouer et confronter les différences des textures, leurs poids, leurs couleurs, leurs masses, leurs réactions à l'ombre et la lumière. La légèreté et la souplesse d'utilisation du bois contrastent avec la dureté du marbre, la transparence du verre. Son aspect lisse et froid s'oppose avec le caractère brut de l'ardoise et du métal oxydé. Griffé, percé, fissuré pour laisser passer la lumière, son travail sur papier s'inscrit dans le prolongement de ses dentelles d'ardoise. Elle poursuit sa recherche entre présence et absence.
Ardoise, marbre, verre, bois, métal sont les matériaux que Catherine Wintzenrieth-Vernier privilégie pour la réalisation de ses mosaïques et de ses tableaux reliefs. Elle aime jouer et confronter les différences des textures, leurs poids, leurs couleurs, leurs masses, leurs réactions à l’ombre et la lumière. La légèreté et la souplesse d’utilisation du bois contrastent avec la dureté du marbre, la transparence du verre. Son aspect lisse et froid s’oppose avec le caractère brut de l’ardoise et du métal oxydé.