Liliane Safir
06 07 34 71 32 Cette adresse e-mail est protégée contre les robots spammeurs. Vous devez activer le JavaScript pour la visualiser. liliane.safir.free.fr
2016
Peintre et graveur, Liliane Safir est diplômée des Beaux Arts de Dijon puis de l'académie Julian à Paris (atelier Schurr et Guanse). Sélectionnée au prix Fénéon en 1970 elle a, au long de sa carrière, obtenu de nombreuses distinctions en peinture et gravure. Elle expose régulièrement dans les grands salons parisiens et en Ile de France.
La matière pour chercher 
De telles encres représentent ainsi les archétypes , les figures du songe universel qui est propre à tout être ... L'encre ouvre ainsi à une sorte de splendeur innocente superbement moderne même si elle prend racine sur une tradition iconographique des plus ancienne . Elle offre au regard une autre vision tant elle possède en elle une essence subtile propre à être goûtée , pesée , éprouvée et jugée.
De l'ombre à la lumière sur la surface
Une formation initiale en arts céramiques et en design industriel nous a amené au travail du verre via le CERFAV et au travail d'assistant d'artiste. S'ensuivit une série d'expériences en divers ateliers (Lalique, CIRVA à Marseille). Aujourd'hui nous travaillons la pâte de verre dans notre atelier à Lorient, technique permettant d'utiliser le verre comme matériau de sculpteur par procédé de moulage (cire perdue, ...). Nous orientons notre travail sur la création de pièces uniques, petites séries et travaux sur mesure.
Dans ses œuvres nous découvrons comme la mémoire unitaire et fripée d'anciennes blessures. La matière boursouflée et vieillie subit tous les outrages. Elle s'organise dans des escalades impossibles et vertigineuses, dans des déplissages vulnérables, s'engobe farde la noirceur de la volupté des couleurs travaillées. Il s'emploie alors à formuler des rencontres originales depuis les emplâtres farouches. Il développe pour nous une liturgie urbaine nostalgique où les remords violents et tardifs graffitent, arrachent et rainurent un univers en résurrection. Frédéric Cuba-Glaser
Dans ses œuvres nous découvrons comme la mémoire unitaire et fripée d'anciennes blessures. La matière boursouflée et vieillie subit tous les outrages. Elle s'organise dans des escalades impossibles et vertigineuses, dans des déplissages vulnérables, s'engobe farde la noirceur de la volupté des couleurs travaillées. Il s'emploie alors à formuler des rencontres originales depuis les emplâtres farouches. Il développe pour nous une liturgie urbaine nostalgique où les remords violents et tardifs graffitent, arrachent et rainurent un univers en résurrection. 
Les passants sont des anonymes ou des personnes de notre quotidien.
Né en 1946 à HanoÏ (Viêt-Nam ). Artiste autodidacte. Dessine a la plume depuis l'enfance. S'initie à l'aquarelle en 1979. Intègre l'atelier de Marino Barberio en 2004, où il étudie la peinture ancienne, et copie les grands maîtres. Expose depuis 1991. Paysagiste, il s'exprime à l'encre de Chine, à l'aquarelle à l'acrylique et à l'huile. Il tire son inspiration des porcelaines chinoises et des vitraux en utilisant une palette délibérément réduite à l'outremer, au blanc et au noir.
Il utilise l'ardoise des toits.... Il aime leur bleu aux nuances affinées par les ans, il aime leurs lignes de surfaces, leur vibration dans le tranchant, il aime leur dureté de roche, leur fragilité de feuille… Il les place dans un environnement sobre, noir, les incitant à créer des chemins, des creux, des vides, des flux, des souffles internes. En passant de l’état de feuille à l’état de bloc, elles lui racontent leurs origines… En lui dévoilant un peu de leur histoire, elles l’aident à écrire la sienne.
J'utilise principalement l'ardoise des toits que je mets en forme dans des supports bois ou médium, qui offrent un écrin à la pierre. Je compose des paysages, inspirés des terres bretonnes, dans lesquels chacun peut inventer son histoire, grâce à un matériau cassant, ligneux, à la fois fragile et résistant, propice à tracer des chemins, à trouver des voies.
J'utilise principalement l'ardoise des toits que je mets en forme dans des supports bois ou médium, qui offrent un écrin à la pierre. Je compose des paysages, inspirés des terres Bretonnes, dans lesquels chacun peut inventer son histoire, grâce à un matériau cassant, ligneux, à la fois fragile et résistant, propice à tracer des chemins, à trouver des voies.
Sezny Peron utilise principalement l'ardoise des toits qu'il met en forme, dans des supports bois ou médium, qui offrent un écrin à la pierre.
Toujours dans une expression d'abstraction narrative l'artiste choisit de nous raconter les mouvements des réalités humaines (Ordre et Chaos, Les Histoires). Elle prend comme point de départ de ses créations un estampage. Ces impressions, métaphores des émotions et des histoires transmises, sont comme l'écho d'une sensation laissée dans nos mémoires et dans lesquelles chacun peut retrouver ses propres réalités. Pascale Simonet participe à de nombreuses expositions tant en France qu'à l'étranger.
Toujours dans une expression d'abstraction narrative l'artiste choisit de nous raconter les mouvements des réalités humaines (Ordre et Chaos, Les Histoires). Elle prend comme point de départ de ses créations un estampage. Ces impressions, métaphores des émotions et des histoires transmises, sont comme l'écho d'une sensation laissée dans nos mémoires et dans lesquelles chacun peut retrouver ses propres réalités. Pascale Simonet participe à de nombreuses expositions tant en France qu'à l'étranger.
Après avoir travaillé sur bois durant de longues années, Pascale Simonet a installé ses nouvelles réalisations sur différents papiers marouflés ou non. Toujours dans une expression d’abstraction narrative l’artiste choisit de nous raconter les mouvements des réalités humaines (Ordre du chaos, Ordre des signes, l’Histoire du loup). Elle prend comme point de départ de ses créations un estampage. Ces impressions, métaphores des émotions et des histoires transmises, sont comme l’écho d’une sensation laissée dans nos mémoires et dans lesquelles chacun peut retrouver ses propres réalités. Pascale Simonet participe à de nombreuses expositions tant en France qu’à l’étranger.
Ma sculpture se fonde essentiellement sur les métamotphoses du corps humain. J'interprète l'anatomie en accentuant et en stylisant les formes jusqu'à l'abstraction, dans une construction que je veux équilibrée, calibrée comme une architecture. Je m'éloigne de l'anecdotique pour concevoir des volumes qui s'inscrivent dans l'espace, dont je développe les tensions et les enchaînements accentués par l'énergie incluse et leur confère autonomie. Les matières nobles, le bronze, le marbre, le bois me laissent décider de l'aspect que prendront mes formes, en évoluant dans l'échange entre concave et convexe, arrondi et aplati, courbes carressantes et cambrures brutales. L'enveloppe de mes formes doit jouir de la lumière ; que ce soit le poli sensuel du marbre ou du bois, la patine subtile des bronzes, je m'adresse autant au regard qu'au toucher.
Slavu rêve avec ses doigts et sculpte avec ses tripes. Ses oeuvres procèdent de la nature, mais leur structure relève de la réflexion abstraite.
De fait, la nature que représente Solberg est souvent "à l'envers de l'image" immédiatement visible, les traits d'une extrême précision donnant forme au foisonnement végétal, animal ou aquatique. L'impression de surréalité vient alors de la multiplication des repères. Dans l'eau-forte intitulée "Lorsque les temps seront accomplis", des strates d'essences diverses dessinent un paysage géologique, mémoire de l'Eden qui serait enfoui dans la tourbe. Il n'est pas indifférent que certaines oeuvres aient trait à l'origine et au passage. Clarisse Nicoïdski, Une histoire de femme-peintre
Voici donc un monde magique et enchanté, une sorte de paradis terrestre où le végétal, livré à sa seule loi de croissance, prolifère dans la plus grande liberté ...
Dans mes œuvres, je souhaite avant tout exprimer et partager mon affection et ma sensibilité pour la couleur et la lumière … Raconter ma vision sur la beauté du monde qui nous entoure, devant laquelle je reste toujours émue et admirative. Suggestives, semi figuratives, semi abstraites, mes peintures proposent un niveau de détail qui laisse une grande place à l'imaginaire et au rêve. Les sujets auxquels je reviens régulièrement et avec beaucoup de plaisir sont les émotions vécues pendant les voyages : en Asie, aux Etats Unis et ailleurs dans le monde … Notre vie est un voyage ; les voyages forment notre vie.
Au milieu du chemin de notre vie je me retrouvai par une forêt obscure car la voie droite était perdue. Dante Alighieri, La Divine Comédie (L'Enfer)
Nathalie Soulet sculpte depuis quelques années. La terre lui permet d’aiguiser son regard, voir les pleins et les vides d’un sujet. Le modèle vivant est souvent sa source d’inspiration et depuis quelques temps elle s’attaque aux animaux. Il s’agit d’exprimer l’émotion, la force et l’énergie du sujet sculpté tout en gardant sa propre façon de travailler le modelé. Transmettre l’indicible, laisser la main faire son chemin sur la terre, y mettre son empreinte.
Faisant écho aux œuvres de Paul Klee, Mark Rothko, Cy Twombly, Nicolas de Staël voire même Lukas Kandl, les tableaux tant abstraits que figuratifs de l'artiste Chantal Spender oscillent entre l'aléatoire et le construit avec une pléthore d'écritures plastiques et de contrastes de couleurs pour traduire "les traces émotionnelles" de sa mémoire. Sarah Noteman, critique d'art
Née à Paris, ingénieur en aménagement urbain, puis consultante en communication institutionnelle, je me consacre totalement à la peinture depuis 2002. Je vis maintenant dans le Nord de la France. Je ne m'impose pas de programme stylistique particulier. D'une toile à l'autre, je passe de la figuration à l'abstraction. Je m'en tiens aux impulsions de mon inspiration et aux exigences de mon œil. Dans l'agencement des couleurs et des espaces, je cherche à atteindre l'équilibre. Une maxime : le rêve comme la peinture, la peinture comme le rêve.
Puisez dans la palette infinie d’émotions que nous offre la nature pour y trouver les éléments constitutifs de la peinture de Christophe Stora. S’offre à nous un possible voyage aux frontières de l’abstraction ou la matière et la couleur se superposent, s’intercalllent se juxtaposent pour laisser place à la lumière. Christophe Stora expose en France et en Belgique, enseigne à Garches et participe chaque année aux Journées portes ouvertes des ateliers d’artiste de la ville.
Puisez dans la palette infinie d’émotions que nous offre la nature pour y trouver les éléments constitutifs de la peinture de Christophe Stora. S’offre à nous un possible voyage aux frontières de l’abstraction ou la matière et la couleur se superposent, s’intercalllent se juxtaposent pour laisser place à la lumière. Christophe Stora expose en France et en Belgique, enseigne à Garches et participe chaque année aux Journées portes ouvertes des ateliers d’artiste de la ville.
Puisez dans la palette infinie d’émotions que nous offre la nature pour y trouver les éléments constitutifs de la peinture de Christophe Stora. S’offre à nous un possible voyage aux frontières de l’abstraction ou la matière et la couleur se superposent, s’intercalllent se juxtaposent pour laisser place à la lumière. Christophe Stora expose en France et en Belgique, enseigne à Garches et participe chaque année aux portes ouvertes des ateliers d’artiste de la ville.
Le corps humain est l'élément central de la peinture de Christophe Stora. Il "tourne autour", depuis ses débuts, sous forme d'autoportraits, puis du corps tout entier, inspiré par les photos de Muybridge. C’est à partir de croquis réalisés au cours de ses différents voyages que s’élaborent ses dernières compositions. De grands plages souvent monochromes dans lesquels des êtres en mouvement, se croisent et se déplacent à travers le temps et l’espace. Ce qui fait le lien dans toutes les toiles de Christophe Stora, indépendamment du sujet, c’est la matière : l’huile. Travaillée patiemment dans l’épaisseur des superpositions, matifiée pour en absorber la lumière, en restituer l’éclat et non la brillance, griffée, grattée pour y laisser des traces : une empreinte, la sienne.
L’instantané du photographe, le moment précis où il passe à l’acte, où il franchit la ligne, où on prend une décision…que la marée change.
Je propose un travail sur les terrils et des mines de charbon du nord d'angleterre à côté duquel je suis née. Les terrils sont construisent avec tous les résidus de la mine - le charbon, l'anthracite, le graphite, le goudron et c'est avec ces matériaux que j'ai fait mes dessins. Les terrils sont d'un noir satiné métallique et le damage au bulldozer marque les côtes de dessins au reflets changeante comme un tissus damassé au fils d' argent.
Je travaille beaucoup avec le graphite sur zinc ou comme cette année sur papier. Le sujet est des paysages autour des mines de charbon. La brillance du charbon et ses refets, sa couleur noir avec la lumière blanche, en hiver la neige à côté des murs noirs ou le bonhomme de neige qui n'est jamais blanc ou les herbes qui absorbent la suie. Les gestes essentiels dans le dessin pour sentir l'environnement ; de près, les marques au sol sur les terrils ou de loin les collines des corons.
Cette année, Christine Sutton s'est concentrée sur ses bases de dessin. Elle est revenue sur ses origines au petit village dans le Yorkshire et les paysages des mines de charbon. Les gestes essentiels dans le dessin pour sentir l'environnement - de près les marques au sol sur les terrils ou de loin les collines des corons - de près les changements de brillance du charbon de loin les nuages de suie mate .
Il est difficile d'échapper à la réalité. Mon travail tente de la "trans-figurer", en invitant chacun à parcourir librement des espaces ouverts.
Ne pas arrêter le regard par des frontières de lignes, de formes ou de couleurs. Permettre les vagabondages, offrir des itinéraires différents suivant les jours et les humeurs. Ne pas donner à voir, ne pas imposer mais suggérer. Faire surgir des traces, des formes (humaines peut-être), des réminiscences, des histoires à chacun personnelles et multiples. Eviter l’anecdote, la description, le commentaire. Rechercher l’intemporel. Résister au désordre, au chaos. Installer le silence.
Son inspiration : la nature, les bois et la Bretagne.
Je commence généralement par une eau forte pour sa souplesse, qui correspond le mieux au geste pictural et à laquelle on peut ajouter diverses techniques. Pour cette gravure, eau forte, sucre, aquatinte et gaufrage.
Mon inspiration la nature, les bois, la mer. La gravure c'est le plaisir du travail sur la plaque, avec ses différentes techniques - combien riches - et c'est parfois le hasard les caprices de l'acide ; mais toujours une révélation.
MA Testera est née à Avila en Espagne. De formation litteraire à l'université de Salamanca, elle continue ses études en France et se forme comme peintre et graveur à L'Ecole de Beaux arts de Paris et dans differents ateliers de gravure de la Ville de Paris. Son oeuvre de graveur est très liée à l'espace. La ville et les espaces urbains constituent une constante dans son travail, aussi la nature dans ses séries des arbres ou elle interroge le rapport entre le vide et le plein, entre l'air et la matière et les rythmes existants dans la nature.
Née en 1972, Carole Texier commence la gravure à l'Estampe de Chaville en parallèle de son métier en entreprise, puis décide de s'y consacrer complètement.
Née en 1972 , Carole Texier commence la gravure à l'Estampe de Chaville en parallèle de son métier en entreprise, puis décide de s'y consacrer complètement.