La Terre, rouge, qu’elle modèle de ses mains, est née de la Lumière, cette vibration, essence de tout comme le disait Albert Einstein. Les pigments de la Puisaye et du Roussillon la font danser sur la toile.
Terre, céramique et raku au "grès" des émotions pour tenter d'exprimer leur forme, leur présence et leur trace
Un voyage singulier autour des abstractions calligraphiques, du signe et du geste écrit : peintures, dessins, gravures, livres d’artiste, éditions, happening, etc. Il place l’écriture comme l’élément fondateur de ses compositions.Exit le sens du texte, l’intérêt de la chose est à chercher ailleurs pour emporter le spectateur vers des horizons insoupçonnés. Il s’attache à la poétique du tracé calligraphique et à la musique d’une écriture empreinte de liberté lyrique et abstraite.
« J’utilise l’écriture comme élément originel et fondateur de mes compositions. C’est une écriture dénuée de contenu sémantique — sans texte lisible — il ne reste plus que son aspect abstrait. Il ne cesse d’imaginer et d’affiner une palette éclectique très personnelle : accumulations, superpositions, recherches de motifs et de rythmes, formes et contre formes, contraste. Ce qui importe c’est l’équilibre de la composition, la gestuelle, la force, le dynamisme et l’énergie du trait pour peindre des abstractions lyriques calligraphiques. »
La pratique d’Amélie Barthélemy donne à voir la tension qui habite le vivant, au cœur des apparences de la fragilité et des réalités de force. Souvent l’artiste se place au seuil. Ses productions explorent ensemble douceur et rugosité, persistance et éphémère dans un va et vient entre le papier, le linoléum et la terre. Ses œuvres semblent guetter une vie enfouie, et intense.
Son travail combine des recherches sur le papier, le linoléum, la terre. Elle compose un va et vient entre ces matériaux. Elle interroge des lieux précieux et fragiles, lieux de transformation, proches de l'éclosion, au seuil. Dans les estampes de la série Vivante qu’elle vient de réaliser (20 impressions à l’huile sur papier Wenzhou, épreuves uniques, 1mx1m) ce sont les mouvements associés à la poussée de la sève, déployés à la base du végétal, qui sont au cœur de sa recherche.
La liberté d’un travail sensitif, de se laisser inspirer et porter par la matière et les émotions est fondamentale dans sa pratique. Sa sculpture est terminée lorsqu’il y a une évidence, une résonance.
Ses mains sont le sismographe de ses émotions. L’aiguille est son pinceau, le fil et le textile son encre. Elle aime l’idée de créer un microcosme dans lequel on peut se perdre, se balader ; une promenade au cœur de la matière qui reflète ses paysages intérieurs comme un autoportrait.
La peinture s'impose à moi comme le seul moyen d'expression me permettant de transcrire et de faire partager les émotions liées à la composition des couleurs et à la traduction d'un puissant émerveillement devant la nature, la mer, la terre mais aussi à la magie de la musique.
L'abstraction dans la peinture s'impose comme le seul moyen d'expression me permettant de transcrire et de faire partager les émotions liées à la composition des couleurs et à la traduction d'un puissant émerveillement devant la nature, la mer, la terre, à la magie de la musique mais aussi dans tout l'héritage laissé par les cultures ethniques.
L’abstraction dans la peinture s’impose comme le seul moyen d’expression me permettant de transcrire et de faire partager les émotions liées à la composition des couleurs et à la traduction d’un puissant émerveillement devant la nature, la mer, la terre à la magie de la musique, mais aussi dans tout l’héritage laissé par les cultures ethniques.
La peinture s'impose comme le seul moyen d'expression me permettant de transcrire et de faire partager les émotions liées à la composition des couleurs et à la traduction d'un puissant émerveillement devant la nature, la mer, la terre, à la magie de la musique mais aussi devant l'héritage laissé par les cultures anciennes de pays comme la Chine, la Mongolie et les pays d'Orient.
L'abstraction dans la peinture s'impose comme le seul moyen d'expression me permettant de transcrire et de faire partager les émotions liées à la composition des couleurs et à la traduction d'un puissant émerveillement devant la nature, la mer, la terre, à la magie de la musique, mais aussi celles des moments forts de la feria ou de la corrida, à tout l'héritage laissé par les cultures ethniques.
L'abstraction dans la peinture s'impose comme le seul moyen d'expression me permettant de transcrire et de faire partager les émotions liées à la composition des couleurs et à la traduction d'un puissant émerveillement devant la nature, la mer, la terre, à la magie de la musique, mais aussi celles des moments forts de la feria ou de la corrida, à tout l'héritage laissé par les cultures ethniques.
La gravure semble augmenter le poids de mes nuits. J'y guette peut-être ces visages incolores de silences, flattés sous les ailes de la solitude.
Des fils pour recoudre la vie. Elle s'exprime en peinture depuis 1984. Le trait, les fils, se sont mêlés aux couleurs dans son travail artistique. Peints tout d’abord, ils ont pris corps. Leur fonction s'affirme, ils sont dans la réalité d'attacher, de réparer, de retenir s'il se peut. Elle coud ses toiles, elle réalise des objets en trois dimensions, juste de fils et de tissus : résultat du tissage entre vie et expression artistique.
Le lien conduit son travail artistique. Elle garde toutes les chutes, elle tisse, tous les fils, elle amalgame. Ne rien jeter participe à l'élaboration de ses œuvres. Aujourd’hui elle coud ses toiles; les fils sont là pour retenir les éléments et les enserrer dans un cocon; Elle réalise des corsages de fils et de tissus, des robes allégoriques. La couture assemble, répare, retient. Les fils présents dans sa peinture depuis le début ont pris corps.
Le titre de cette série "maman.." entendu dans la rue, malgré sa banalité s'est « encré » dans sa mémoire. Sa polysémie lui a ouvert de multiples chemins de pensées et d'émotions. Au cœur de cette polysémie, Le Corps. La robe de l'enfant. Robe- Corps dualité du vivant et de son destin tragique. Le Corps, l'oublié de notre société moderne. Il utilisel'encaustique pour sa richesse d'expression (texture, transparence..). La peau de la peinture.
La série Erratica aborde les thèmes de la force et de la nature: le déplacement et l’ancrage, la dureté et la douceur, le mouvement et le calme intérieur, le familier et le nouveau. Céramiste-plasticienne, Angelika Berrod-Holzner s’inspire du monde organique et minéral. Intuitive, elle essaie de suggérer des émotions à travers ses formes tout en captant la nature à la limite de la représentation. Ses sculptures sont épurées pour capter le souffle de la terre dans la matière, la pensée, et le geste.
Céramiste - plasticienne, elle s’inspire du monde organique et minéral. Intuitive, elle essaie de suggérer des émotions à travers ses formes tout en captant la nature à la limite de la représentation. Ces sculptures sont épurées pour capter le souffle de la terre dans la matière, la pensée et le geste. En installation, chaque pièce se regroupe dans un ensemble tout en gardant son individualité apparente.
Caroline, diplômée de l’école des beaux-arts, est peintre graveur. Elle crée, et expose depuis plus de 25 ans. « Pour emmener les gens en voyage, je dessine des carnets, fais des collages et explore en gravure les paysages visités en utilisant la symbolique de la carte.
Son travail intuitif de recomposition se nourrit de l'observation du monde. Elle crée des petits mondes imbriqués, flottants, comme suspendus où se mêlent son histoire personnelle et une histoire plus collective. Elle dessine sur des papiers peints, découpés ou déchirés pour construire, déconstruire et reconstruire. La maison flèche, qui balise l'espace, indique les directions à suivre et tous les possibles, s’est invitée progressivement dans son travail. La maison devient paysage, le paysage devient maison.
Quand elle dessine, elle part en exploration de manière intuitive pour essayer de retranscrire ses sensations, de saisir la trace d’émotions présentes ou passées, révéler l’invisible et saisir ce qui lui échappe. Elle dessine un maillage qui est l’écho de ce voyage, de ses rêveries. Dans ses collages, elle construit, déconstruit à partir de papiers qu’elle peint, qu’elle déchire, où elle redessine pour recomposer de nouveaux paysages, ouvrir des portes sur de nouveaux territoires, créer de nouvelles constellations.
A l'émotion provoquée par la nature, elle cherche des équivalences plastiques. Et la montagne
Sainte-Victoire est pour elle le motif absolu, source de sa peinture. Il est le choc monumental. Tout ce qu’elle a peint ou qu’elle peindra s'y trouve déjà : sa masse ancrée et aérienne, ses contreforts, son calcaire et son végétal, tout en aplats, coulures, gouttes et traits.
Les peintures de Diane visent à faire voyager, à faire vibrer les couleurs, à les rendre expressives et à proposer une expérience sensorielle à son public. Elle cherche à donner du sens aux réactions humaines et aux actes, à interpréter les perceptions, à apprivoiser les émotions, à révéler les pensées et à rendre sensible la matière ou le geste. Sa peinture est travaillée avec des matériaux divers, en volumes et empâtement créant une histoire avec ses textures.
Elle pratique la céramique depuis 8 ans et le verre depuis 2 ans..
Dans ses sculptures, nourries de contemplation et de la proximité avec la Nature, elle souhaite transmettre la vitalité du mouvement dansé, l’attention à l’autre qu’il implique et le plaisir qu’il génère. Elle capte dans la danse l’élégance et la grâce que chacun peut porter en soi. Elle aime à les transcrire dans la matière pour donner à voir l’intensité de vie qui peut jaillir du fait d’être et de composer ensemble . Elle essaie de leur insuffler ses mouvements et sa force pacifiante.
Lorsque la lumière est filtrée à travers les feuillages des arbres, la forme de la lumière se transforme en d'innombrables ronds sur les personnages, les surfaces, donnant vie et mouvement.
Un jour j’ai été impressionnée sur mes murs les reflets des arbres illuminés par les rayons du soleil. Les multiplex de la lumière scintillent, bougent, se rassemblent, se dispersent et donne ainsi un résultat assez joyeux, onirique comme éclosion de la lumière lors de sa fusion avec la nature.
Elle a toujours été fascinée par l’art de la lumière.
Elle parle évidemment des rayons de soleil, des arbres, de l’éclairage des feuillages par la lumière, toutes ces choses qui montrent la fusion entre ces deux éléments. Cela montre une nouvelle facette, la personnalité de la nature exprimant la joie.
Elle dessine précieusement l’art du mouvement de la lumière par des cercles concentriques pointilleux.
Le fil conducteur de ses créations est la perception des figures dans l’espace et les corps en mouvement. Elle a voulu laisser naître ces personnages et leur laisser la possibilité de sentir ou ressentir ce qu’ils souhaitent nous raconter.
Outre des scènes de vie, ce sont surtout les regards qui s'imposent dans sa peinture. Des regards vrais, saisissants et sans fard, qui l'emplissent d'émotion. Elle commence d'ailleurs, par construire le tableau par cet essentiel.
EL DUENDE. Elle n’a pas tout de suite saisi le caractère particulier de Séville. C'est au travers
de la danse flamenco que la révélation se fit à elle. Son regard sur la belle Andalouse prit une dimension sublimée. Elle était envoûtée par el cante (le chant), puis el baile (la danse) et enfin par el toque (la musique), cet ensemble formant le Duende. Ainsi, c'est avec une émotion troublante qu’elle photographiait Séville, imprégnée par tous ces éléments puissants et bouleversants.
Sa démarche tourne toujours autour du temps. Il y a la définition universelle du temps, mais
aussi la perception personnelle que nous en avons "Un homme pressé" donne à penser que cet homme , qui peut être, rentre chez lui, n'a pas conscience de sa vie chimérique et n'est pas encore à l'âge de la méditation. "l Errance ", beaucoup plus sombre, renvoie à une réalité cruelle, ne laissant de nous que des formes vouées à être absorbées par le temps.
Suivant le fil conducteur de la peinture de genre, Fabienne Colin reprend le thème des fleurs pour légitimer le travail de ces "peintresses" longtemps cantonnées à un art dit mineur, suranné, esthétisant... Reflétant en cela une préoccupation féministe, elle remet en cause cette attitude sévère et conformiste du regardeur... et persiste avec les fleurs (portraits de femmes) et la nature. Après avoir abordé les extraverties, cette nouvelle série de fleur/portrait présente les introverties.
Nous portons tous en nous des paysages selon notre histoire, notre sensibilité. Son travail explore cette notion à travers différents médiums (peinture, estampe, collages, installations), traitant le paysage comme un « autre intérieur », sorte de cartographie intime dans laquelle se mêlent paysages vécus et imaginaires.