Ximena de Leon Lucero
06 63 30 40 21 Cette adresse e-mail est protégée contre les robots spammeurs. Vous devez activer le JavaScript pour la visualiser. www.ximena-art.com
2017
« Les œuvres de Ximena nous emmènent au cœur de l’expression minimale d’états d’âme.
Un dialogue silencieux révélé par des figures symboliques aux qualités rythmiques. Entre surréalisme et illustration, elle nous ouvre la porte d’un monde fantastique. Un voyage qui finit par se rapprocher de notre réalité, le sentiment d’un instant.
De ce chemin parcouru, entre rêve et réalité, de cette sensation mêlée de mélancolie, de cette image à plusieurs niveaux de lecture, naît un sentiment ambigu. Un lourd sentiment de légèreté… »
Le fil conducteur de mon travail est l’énergie. L’énergie de la nature qui se manifeste par des formes souples, des courbes qui s’inspirent du mouvement de l’eau et de l’air. Ou l’énergie invisible mais omniprésente et puissante qui fait éclater une forme rectiligne à angles droits construite par l’homme.
Mes estampes jouent avec la matière, des volumes qui flottent ou se promènent dans l'espace, des pierres et des formes géométriques qui dialoguent. Il ne s'agit pas de dessins ou de gravures classiques, mais de volumes réels que je sculpte et encre, ce qui rejoint mon travail de sculpteur. Les lignes et traces qui racontent la vie des pierres sont lisible et transposent en 2D ce que je crée habituellement en 3 D avec des pierres réelles.
Le fil conducteur dans mon travail de sculpteur est l'énergie, l'énergie de la nature, cette force vitale qui est traduite par des formes rondes, des courbes, la souplesse tel que l'on peut les observer partout dans la nature, l'angle droit, les lignes rectilignes n'y existent quasiment pas, ils sont l'invention de l'homme.
Dans le travail de Tatjana Labossière, le vide a autant d’importance que le plein, il n’est pas gratuit mais parle à sa manière, il exprime la légèreté qui permet de se libérer de la pesanteur au sens propre comme au sens figuré. Puis il y a un autre élément essentiel, l’énergie, qui se traduit par les lignes directrices, lignes de force qui donnent vie à ses sculptures.
Pour moi, l'instant de création est un instant magique et je sais qu'il ne reviendra pas une deuxième fois et que je ne pourrai jamais repeindre le même tableau. Quelque chose en moi me pousse à expérimenter et à redécouvrir quelque chose de nouveau. La magie des pigments, d'encres, de poudres pulvérisées et d'autres multiples matériaux flottant sur la toile dans l'eau ou dans l'huile peuvent laisser apparaître un paysage, un visage ou bien quelque image issue de notre imagination.
En m'éloignant de la représentation figurative je cherche l'invisible à travers les vibrations des couleurs et la simplification des formes pour faire place à l'imaginaire et au rêve. Les traces sous-jacentes et celles qui ne sont pas encore révélées ouvrent pour moi un chemin plein de suspens sur lequel je m'aventure avec enthousiasme.
L’œuf est source d’inspiration, origine de la vie, dépositaire de métamorphoses et de transformations révélées.
Par le jeu des transparences, l'intensité vitale des couleurs, la liberté du geste, Claire Le Chatelier nous transmet un amour de la vie qui jamais ne s'arrête, une sensualité joyeuse ... MC Paponot
En écho avec la série gravée Germination Claire Le Chatelier, peintre graveur, poursuit son exploration en peinture. Par le jeu des couleurs et des transparences, par le geste libre et incisif, ses graines arrivées à maturité dégagent vitalité et émotion poétique comme une invitation à un voyage méditatif. Elle expose régulièrement en France et à l'étranger (Japon) et enseigne au Chesnay et à Vélizy.
La peinture de Lee Eunhwa se concentre sur la matérialité du médium. Les formes dessinées sont souvent des éléments extraits des carnets de l'artiste, mais qui n'ont pas de sens précis. Elles jouent alors un rôle de récipient. Au fil du temps, le dessin a débordé du cadre pour ne garder que sa texture.
De la représentation réelle de l’univers urbain et végétal, elle cherche à en privilégier l’émotion, la poésie. Son regard se porte là où se côtoient des plans architecturés et là où s’entremêlent des motifs végétaux. La densité visuelle de ces « tissages » crée des atmosphères qu’elle cherche à s’approprier de façon plastique.
A la représentation réelle de l’univers végétal je cherche à privilégier l’émotion, la poésie qui s’en dégage. Je capture et retiens des rythmes, des pleins , des vides où s’entremêlent des motifs végétaux . La densité de ce « tissage naturel » accroche mon regard et crée selon la lumière ou l’obscurité une atmosphère que je cherche à exprimer. Les éléments viennent ponctuer ma composition afin de traduire une énergie et je veux , par une traduction plastique, représenter une végétalité éclatée.
Amélie Le Grelle est née au début des années 70 en Bourgogne. Après des études commerciales elle se tourne vers des études artistiques en fréquentant l’Atelier de Sèvres à Paris puis en intégrant l’IDEA (Institut de design et d’architecture intérieure). C’est à partir des années 2000 qu’elle se consacre surtout à la peinture et qu’elle y découvre un réel potentiel pour y exprimer ses émotions et son énergie. Après un passage aux cours du soir des Beaux Arts de Rueil Malmaison, c’est au sein de son atelier et de celui du Carré des arts à la Celle Saint Cloud qu’elle développe ses recherches en peinture à l’huile et y poursuit sa volonté de s’affirmer dans une direction toute personnelle.
Mon regard se porte sur l’intrusion et la présence plus ou moins contrôlée de la végétation dans l’univers minéral. Je m’attache à observer les formes rythmiques qui vont se bousculer, se superposer ou se fondre. Ma palette s’enrichit alors de différentes nuances et j’y expérimente des gestes, des touches plus ou moins spontanées, plus ou moins nerveuses ... Les éléments végétaux viennent ponctuer ainsi de part et d’autre mes compositions en privilégiant l’émotion contemplative à la représentation du réel.
Amélie Le Grelle est née en 1970. Après des études commerciales, elle se tourne vers des études artistiques en fréquentant l’Atelier de sèvres puis en intégrant une école d’architecture d’intérieure et design. Elle se consacre à la peinture à l’huile depuis les années 2000. Elle puise son inspiration essentiellement dans le paysage urbain et en retient une grande richesse picturale. Elle est séduite par les images plus ou moins abstraites qui s’en dégagent et y trouve une poésie graphique. Son regard l’amène alors à composer un tableau qui ne va retenir que des rythmes, des jeux de lignes plus ou moins denses, des pleins, des vides où la lumière se pose ... Le sujet peut en devenir presque secondaire, davantage un prétexte pour exprimer une dynamique visuelle.
Autodidacte ma peinture est de style abstraite ou semi-figurative. Elle évolue selon les émotions que je veux exprimer dans l’instant présent. Elle peut être très colorée avec un gestuel ample et libéré pour traduire une énergie ou au contraire des tons monochromes apaisants avec un travail beaucoup plus horizontal où j’y associe parfois de la matière. Notre cerveau raisonne de façon analytique. Nous devons trouver une explication rationnelle à tout. La peinture est un des moyens d’évasion à cette logique, un voyage dans l’imaginaire, un rappel à l’enfance où tout est prétexte à la rêverie.
Comme un voyage, je vis ma créativité comme une exploration. Tout d'abord attirée par le dessin et la peinture j'expérimente la sculpture en terre. Peintre autodidacte la peinture est pour moi un langage et me sert à transmettre et à exprimer une émotion. Parfois je pars d'un croquis succinct mais le plus souvent je pars vers l'inconnu. Mon expression est intuitive et spontanée, elle s'articule entre couleurs et force du geste pour aboutir à l'équilibre.
Travaux sur papiers divers, privilégiant le geste, la trace, le hasard provoqué par la fluidité des matériaux employés (acrylique, encre). Le motif d'origine s'estompant, laissant place à un "obstacle", une architecture à la trame plus ou moins lache, devant laquelle on peut se situer, face à nos doutes et à nos impossibilités.
Conçue primitivement à la verticale, dans l'esprit des "obstacles" des travaux précédents, la vue en plan d'un tracé labyrinthique s'est imposée progressivement, à la recherche du trio infernal Thesée-Minotaure-Ariane. Trouverons nous la voie ?
Œuvres privilégiant le geste, la trace, le hasard provoqué par la fluidité des matériaux : acryliques et encre. Le motif d'origine pouvant disparaître pour laisser place à la peinture se faisant. Reste un "obstacle", espace-plan à la trame plus ou moins lâche devant lequel on peut situer, face à nos doutes.
Mon travail repose d’abord sur une approche des formes par la matière, je démarre d’un bloc ou plutôt d’un enrochement et s’installe alors une sorte de dialogue entre lui et moi.
Catherine Léva a son atelier dans la région parisienne, à Cachan. Elle travaille et expose ses œuvres en France et à l'étranger, notamment par le biais de participations à des symposiums. Elle a surtout beaucoup exposé en Egypte, où elle a vécu à plusieurs reprises entre 1999 et 2003. Catherine Léva a réalisé plusieurs sculptures monumentales pour des commandes privées.
Issue d'une triple culture vietnamienne, italienne et française, Kathy Le Vavasseur prône la diversité jusque dans ses œuvres pour lesquelles elle n'hésite pas à utiliser de multiples techniques. Pour servir son expression artistique elle explore de nombreuses disciplines et emploie la terre, le textile ou le verre, avec audace, liberté et sensibilité. Elle expose en France, en Autriche, au Vietnam ou en Croatie.
Je construis le tableau progressivement à partir d'une gamme chromatique initiale. Ces couleurs formeront le fond du tableau, sa base en quelque sorte. Le fond restera par certains endroits de la toile toujours visible. Je n'ai pas d'idée au départ sur ce que sera le tableau et sur ce qu'il représentera, de séance en séance le tableau se réalise et prend forme. Par des essais successifs, je cherche à sentir - ressentir - le sens de la toile et son chemin de construction.
"Le grand livre toujours ouvert et qu'il faut s'efforcer de lire est celui de la nature"
En principe, mon travail est abstrait. Mais en fait, mes toiles évoquent une délicieuse poésie et permettent de rêver tout à loisir, de distinguer ombres et lumières, d'imaginer une histoire, de se laisser bercer par une atmosphère douce et prégnante et de vivre accompagné d'un "paysage" harmonieux.
L'abstraction de Brigitte Liegaux souhaite transmettre une harmonie réfléchie, nuancée et poétique représentant les reflets changeant de la vie.
Peindre, cela a été : révéler par grattages l'élément disparu, mettre en évidence l'enfoui, les reliefs de teintes passées, couvrir avec le blanc rageur du silence et le noir de la violence. Aujourd'hui, ce serait davantage chercher dans l'interpénétration des formes et couleurs une improbable harmonie. Peindre, chercher, découvrir et s'étonner …
Petite, LoR se rêvait clown, physicienne ou mécanicienne. Et elle a atteint ses rêves d’enfant ... Elle est tout à la fois fildefériste avec son matériau de prédilection, physicienne quand elle cherche à atteindre le point d'équilibre entre l'harmonie des lignes et la justesse de l'expression, et même mécanicienne lorsque pour travailler, elle utilise pinces et marteaux …
Mes peintures, acrylique, huile, pastel, sont des paysages mentaux, des ambiances, des souvenirs d’images réelles, passées par le filtre de ma mémoire et de mes émotions, peintes parfois très vite, parfois longtemps après qu’elles m'ont été données à voir. L’essentiel est de faire passer l’émotion que j’ai ressentie à un moment donné. Je ne conceptualise pas, chacune de mes peintures est un instant de ma vie émotionnelle que j’essaye de fixer le plus spontanément possible
Les peintures de Dominique Luquet, acrylique, huile, pastels, sont des paysages mentaux, des ambiances, souvenirs d’images réelles, passées par le filtre de sa mémoire et de ses émotions, peintes parfois très vite, parfois longtemps après qu’elles lui ont été données à voir.
Elle puise ses sujets dans ce que lui offre la ville au quotidien.
Entremêler des parties floues constituées de différents papiers, froissés, poncés, repeints, avec des parties peintes avec rigueur. Rechercher un équilibre entre le hasard et la volonté.
Peintre abstrait, je lutte avec le vide, le néant, le blanc. J'y jette mes forces, mes noirs, et, du papier surgit ce que je suis, ce que je puis ... Et que révèle le geste instantané, ce "duel" qui me prolonge et me libère.
Dans le sillage d'artistes tels que Marfaing ou Degottex, ce peintre, en quête du moment de vérité, se consacre exclusivement au dialogue Noir/Blanc. Dans un face à face extrême, son geste de "sabreur" résout l'équation vitale de l'instant par un équilibre tenté entre ascèse et action. Peinture matière, peinture image, écume du vivant, son art singulier, physique, s'adresse aussi à l'esprit, et chacun peut s'identifier.
Inconsciemment, et par la trace de ses coups violents, sa peinture abstraite est bel et bien "matière". Mais paradoxalement elle peut aussi suggérer l’image : le minéral, l’écume, le vivant ... Et si, par là même, cette peinture ne finissait par n’exposer qu’elle-même : matière en forme de peinture ... C’est de la peinture pure.
« Je n’ai aucune certitude. Je ne prévois rien : je n’ai aucun plan, aucune intention, aucun projet, aucun à priori Je ne m'interdis rien. .Il s’agit cependant de faire un choix, d’éliminer, d’extraire, de traquer tout signe qui interpelle, d’exploiter tout incident, de mettre en exergue toute incongruité, car comme les lapsus, ils sont, j’en suis persuadée, les révélateurs de notre intériorité. »
Un monde réécrit et solitaire. Cette création affirme la beauté du geste dans sa pureté et une liberté absolue de l'acte créateur, sous-tendu d'un élan poétique. Fine coloriste, Marimo compose des toiles abstraites et cependant chargées de sens dans une peinture inventive. Nicole Lamothe, Univers des arts
Passionnée d'art, d'arts plastiques et d'art contemporain en particulier, Marimo a accumulé peu à peu au cours du temps des strates de langages, de signes, d'exigences et d'interdits. Elle n'a aucune certitude. Spontanément, elle libère ses émotions et sa créativité. Elle sollicite le hasard, il est l'antichambre de notre intériorité humaine immuable et intermporelle. Elle essaie d'avancer entre poésie, force et fragilité. Elle aime l'idée de donner à voir sa vision du monde, faite de pressentiments, de souvenirs perdus et de questions sans réponses.
Après avoir travaillé la peinture (tempera et le collage), Florence Martel expérimente maintenant une voie particulière utilisant la pâte à papier. Du même au différent : du papier journal, du papier à écrire, à emballer ou à protéger, repassant par son état premier, devenant une œuvre dont la matière enveloppe, contient, entoure, cache ou dévoile ... Le sec succède à l'humide, des matériaux y restent inclus, saisis par le retrait de la pâte à papier quand elle sèche.
Après avoir travaillé la peinture (tempera et le collage), Florence Martel expérimente maintenant une voie particulière utilisant la pâte à papier. Du même au différent : du papier journal, du papier à écrire à emballer ou à protéger, repassant par son état premier, devenant une oeuvre dont la matière enveloppe, contient, entoure, cache ou dévoile ... Le sec succède à l'humide, des matériaux y restent inclus, saisis par le retrait de la pâte à papier quand elle sèche.
Jour après jour, on écrit, peint des tableaux, réalise des livres d'artiste et des plasticités. Dans ce cheminement, centré sur la recherche de l’essentiel, on capte des éléments d’une vie animale, végétale ou minérale. Pas d’ego, mais rendre la saveur du monde, et la dire. Parfois, on trouve la voie de ce qu’est aussi la peinture : une réserve d’énergie, un mieux vivre.