Jean-Paul Hebrard
06 83 58 56 31 Cette adresse e-mail est protégée contre les robots spammeurs. Vous devez activer le JavaScript pour la visualiser. hebrardjp.wix.com/hjp91
2014
Jean Paul Hebrard est artiste plasticien enseignant. Il est compositeur d'espaces ordonnés. Des espaces où se mélangent morceaux de paysages et architectures, comme des relevés topographiques de plusieurs lieux qui s'agencent sur la page presque blanche. Son travail consiste à "pictographier" des éléments d'architecture et de végétation, à les ramener au travail de "plans colorés" et à les ordonner. Référence est faite aux estampes japonnaises de par leurs formes graphiques simplifiées. Il élabore des peintures et sculptures, des relevés numérotés comme des "points de vue".
La richesse des techniques de gravure, l'agression que burin, pointe sèche, berceau et brunissoir infligent au métal ou à d'autres matériaux, les entailles, griffures, les morsures de l'acide martyrisant la matrice, s'allient à la sensualité du vocabulaire, des encres étalées, des essuyages caressants, afin que l'encre rendue amoureuse du papier humidifié dévoile enfin l'esthétique de l'estampe rêvée, prévue, mais parfois imprévue et toujours surprenante.
J'ai toujours aimé marcher et flâner pour découvrir des lieux. C'est devenu depuis quelques années mon sujet d'investigation. Il me faut savoir les accepter sans a priori afin d'en restituer le génie qui s'en dégage. C'est mon moyen de ré-enchanter le monde. La question du temps qui passe et de la fragilité de toute chose y est centrale, je m'appuie sur différentes techniques autour de l'empreinte pour la restitution. Architecte de formation, j'enseigne également en écoles d'art et d'architecture et mène des ateliers avec des enfants toujours en écho à mon travail comme lors de résidences artistiques en France et à l'étranger (Sénégal, Chine).
L'actualité s'invite sur mes plaques de cuivre en autant d'histoires singulières qui s'entrecoupent, s'interpellent...Ces gravures sont pour moi un questionnement sur le monde: j'y associe la représentation que les enfants se font du monde, faite d'autres émois...
Je vis et travaille à Saint Cloud. Je suis diplômée des Beaux Arts de Nantes et de l'ENSAD (option gravure), mention félicitations du jury. Depuis, j'ai participé à de nombreuses expositions à Paris, en région parisienne, en province et à l' étranger ...
Qui n'a pas rêvé de réécrire l'histoire familiale ? En scrutant les albums de famille, Sophie de Hillerin-Rufz s'est laissée conduire par ce que chaque photo lui chuchotait, de ces enfants "trop sages" face à l'objectif. Que véhiculent ces photos ? Qu'est-ce qu'elle voit, pressent derrière ces visages d'anges?
Elle a tenté de voyager à travers le temps et l’espace à partir de la mémoire. Cela signifie qu’elle a voyagé entre le passé et le présent.
Dans les souvenirs d’enfance de Jung Hee-Jung, il y a toujours des montagnes et le ciel, des arbres et la forêt. Elle ne peut pas oublier l’ombre du gris, le ciel bleu et l’air, le vert de la forêt et des champs. Elle a tenté de voyager à travers le temps et l'espace à partir de la mémoire. Une mémoire profonde qui a été sollicitée par ce qu'elle a pu observer et ressentir. Celle-ci a fini par véritablement expulser un autre paysage d'elle-même qui a son tour ouvrira sur d'autres cheminements.
L'origine : un dessin au trait noir à l'encre de Chine, donnant naissance à une série de 7 variations de peintures à l'huile. Il s'agit d'un dessin graphique et simple qui va s'enrichir quasiment à l'infini, car il a été conçu pour se décaler de ses origines. Composition gestuelle à la fois libre et précise, constituée de lignes structurées, de pleins et de vides. Ces 7 compositions expérimentent différentes tensions entre les couleurs et les croisements de lignes blanches qui viennent ciseler toutes ces teintes. C'est l'harmonie générale qui dicte spontanément tous les va-et-vient entre les émotions et l'inconscient, ce qui permet de prendre de la distance face à l'esthétisme et de faire en sorte de puiser son inspiration dans l'inconnu.
Le collage n’est jamais pour Isthme un art mineur mais un travail d’exploration de la peinture et de la couleur sous d’autres formats et supports. Peignant sur papier des mêmes pinceaux et des mêmes tons que ses toiles du moment, elle les fragmente ensuite d’un seul geste aléatoire. Là, chaque élément à sa place dans l’ensemble, et le plus minuscule morceau révèle la plénitude du tout. Le résultat est inattendu mais extrêmement précis et l’œil d’Isthme est un étalon secret qui sait la mesure.
Longtemps les oeuvres d'Isthme ont eu un rapport étroit avec l'eau, l'estuaire, la mer et les traversées de l'océan que l'artiste a effectué plusieurs fois. Ses toiles où les vagues nous attirent, ses dessins où les roseaux se penchent, où les vagues, encore, deviennent graphisme, en sont les témoins. Isthme a repris cette idée de paysage dans ses oeuvres récentes. Le paysage est plus que quelques éléments identifiables, un horizon, des collines à perte de vue, quelques arbres. Le paysage devient couleur, lumière, formes qui s'ouvrent composées à nos yeux. Ici, Isthme nous transporte dans un paysage urbain nocturne.
Les arbres et les fleurs sont souvent presents dans mon travail. Les elements végétaux permettent de creer un univers onirique, parfois melancolique, parfois inquietant, toujours en développement. Chaque image est une vision transcendée, comme un souvenir sur le point de s'effacer. Le caractère unique de chaque pièce participe a la fragilité de l'oeuvre exprimant la nature. Le vegetal tient une place importante importante dans mon travail. Il souligne le cycle de la vie et les saisons.
Personnages en territoires conquis ou inconnus, personnages ancrés au sol ou suspendus, ils avancent sur des chemins, se faufilent entre les passages, glissent, explorent, repoussent les limites de l'équilibre ...
Seon utilise une gamme variée de matières pour refléter ses expériences d'enfance. La croissance des germes de soja qu'elle a observé pendant son enfance l'a inspirée. Pour Seon ce processus interactif représente la vie humaine et nos expériences quotidiennes. Il semble qu'une sorte de force magique s’exprime lorsque les germes jaunes éclatent, tel un soleil levant. Par leur représentation Seon essaie de montrer la « lumière de l'existence » qui est présente dans sa philosophie.
Reyhanat Kitabgi, diplômée de l'École nationale supérieure des Arts-Décoratifs de Paris, a exercé la profession de graphiste illustratrice et se consacre exclusivement à la peinture depuis 2001. Elle a exposé récemment à la galerie l'Œil du Huit et à la galerie Martine Moisan, à Paris. Elle vit et travaille à Paris et dans l'Essonne.
Les Veys, grand V, entre ciel, mer et fleuves où ciel, terre, mer et fleuve fusionnent. Lieu perdu du Cotentin où elle aime à flâner, en suivre de l’œil les formes, toutes en rectitude et cependant, perdre de vue l’endroit où elle est. Ces lignes en V comme des flèches vers l’infini, Infini de la mer ou du ciel, on finit par ne plus savoir très bien » Les Veys » s’inscrit dans une série de paysages, sur le même lieu : focus, angles différents, 
Etirer du grillage comme le barbelé qui ferma les champs. 
Après avoir transgressé un interdit d'enfance en déchirant des feuilles de papier magazine, elle en efface les promesses d'une société de consommation qui ne tient pas ses promesses, tout en explorant ses/nos fragilités. Elle juxtapose, elle superpose ensuite la peinture, le crayon, le collage parfois et elle étale souvent avec ses mains. Elle invente des instants d'émotions poétiques et colorés en faisant planer des maisons déracinées aux jambes vagabondes.
La photographie est son médium de prédilection. Elle parcourt de façon aléatoire des chantiers dans lesquels elle « trouve » de réelles natures mortes. L'objet de son travail consiste à faire entrer en résonance le langage de la photo avec celui du volume et de la peinture : formes, structures, matières, lumières. Elle met en scène cette rencontre et provoque les interactions entre les champs.
Au point de départ, une tâche qui l’emporte dans la recherche d’un équilibre dans la composition d’une œuvre. Elle explore un monde d’apparence organique au plus proche d’elle qui rassure dans un premier temps avec des courbes, mais dérange aussi, trouble, qui nous renvoie violemment à une émotion ineffable, un miroir de l’âme.
Peindre en donnant le meilleur d’elle-même répond à cet appel purement intérieur d’être en phase avec mon moi profond. L’exploration, l’exploitation de la matière et du graphisme, sont au cœur de son projet artistique. Entre glacis et frottis, la matière révèle alors toute son essence. Puisant sa source loin des codes de la représentation, sa créativité prend toute sa dimension dans l’art informel ; pour autant ses réalisations sont bien souvent à la lisière de l’abstraction.
Sandrine Leroux est artiste-sculpteur en région parisienne. Attachée à la sculpture figurative, sa démarche est guidée par la fantaisie, le poétique et le décalé qu’elle extériorise au travers d’animaux en papier mâché, de sculptures végétales en porcelaine, de portraits réalistes ou de personnages inattendus en faïence.
Plus elle avance dans ses recherches, plus elle est bouleversée par le spectacle de la nature sous toutes ses formes. Celle-ci lui parle de la pesanteur et de la grâce, de la beauté aussi, de façon métaphorique, à l'heure où la réflexion sur l'écologie et l'avenir de notre terre est plus que jamais présente. C'est son engagement en tant que peintre. Le rapport de ses recherches picturales avec la poésie est de plus en plus essentiel.
Les émotions et les observations, accumulées sont mises à distance dans l'atelier. L'espace-temps ne compte plus, seul l'appel de la toile, affirme ce moment humble de la trace peinture sur le support en un moment donné.
d'un trait d'esprit
Chaque pièce raconte une histoire, un évènement ou une expérience personnelle.
Afin d'appuyer son propos qui est l'exploration des méandres de la psyché, et en l’occurrence la résilience, elle s’est éloignée des supports photographiques classiques pour créer son propre papier. Dès lors ses photographies sont des œuvres uniques puisqu'il lui est impossible d'obtenir le même papier et deux tirages photographiques identiques. Les courts Haïku qui les accompagnent guident le regardant vers son sujet tout en élargissant le domaine de l'imaginaire.
A travers son travail intuitif, onirique, elle cherche à montrer tout ce qui échappe à l'emprise de la raison et de l'observation : une révélation des profondeurs de la psyché.