Heeran Jeon
07 50 35 40 52 Cette adresse e-mail est protégée contre les robots spammeurs. Vous devez activer le JavaScript pour la visualiser. jheeran.wix.com/jheeran
2016
Les arbres et les fleurs sont souvent presents dans mon travail. Les elements végétaux permettent de creer un univers onirique, parfois melancolique, parfois inquietant, toujours en développement. Chaque image est une vision transcendée, comme un souvenir sur le point de s'effacer. Le caractère unique de chaque pièce participe a la fragilité de l'oeuvre exprimant la nature. Le vegetal tient une place importante importante dans mon travail. Il souligne le cycle de la vie et les saisons.
Personnages en territoires conquis ou inconnus, personnages ancrés au sol ou suspendus, ils avancent sur des chemins, se faufilent entre les passages, glissent, explorent, repoussent les limites de l'équilibre ...
Seon utilise une gamme variée de matières pour refléter ses expériences d'enfance. La croissance des germes de soja qu'elle a observé pendant son enfance l'a inspirée. Pour Seon ce processus interactif représente la vie humaine et nos expériences quotidiennes. Il semble qu'une sorte de force magique s’exprime lorsque les germes jaunes éclatent, tel un soleil levant. Par leur représentation Seon essaie de montrer la « lumière de l'existence » qui est présente dans sa philosophie.
Reyhanat Kitabgi, diplômée de l'École nationale supérieure des Arts-Décoratifs de Paris, a exercé la profession de graphiste illustratrice et se consacre exclusivement à la peinture depuis 2001. Elle a exposé récemment à la galerie l'Œil du Huit et à la galerie Martine Moisan, à Paris. Elle vit et travaille à Paris et dans l'Essonne.
Les Veys, grand V, entre ciel, mer et fleuves où ciel, terre, mer et fleuve fusionnent. Lieu perdu du Cotentin où elle aime à flâner, en suivre de l’œil les formes, toutes en rectitude et cependant, perdre de vue l’endroit où elle est. Ces lignes en V comme des flèches vers l’infini, Infini de la mer ou du ciel, on finit par ne plus savoir très bien » Les Veys » s’inscrit dans une série de paysages, sur le même lieu : focus, angles différents, 
Etirer du grillage comme le barbelé qui ferma les champs. 
Peindre est un besoin vital, la peinture est son langage, au-delà des mots. Il peint une vision du monde, détachée de tout sujet figuratif, mais très inspirée par ce qui l’entoure. Chaque peinture est une expérience unique, un oubli de soi, l’acte de peindre est une méditation. Une tentative de conserver une image plus profonde du moment présent et d’adoucir le cours du temps. La couleur est à la base de son travail. Il développe des séries à partir de différents thèmes..
Il développe à partir de 1985 un nouveau langage de la photographie appelée «PHOTIMAGINA»
Ce concept est une invitation à l'imagination, à une libre interprétation de l'image, de sa représentation, de son récit et ses mythes pouvant amener le spectateur à l’interpréter comme une réalité. Un paradoxe du rêve et de l'inconscient..
Dans son travail photographique, Françoise Lever explore les milieux qui nous entourent et leurs habitants, dans des voyages teintés d’imaginaire qui résonnent dans les cavernes de son intériorité. Jouant sur les échelles, les couleurs / l'absence de couleur, les transparences et l’effacement, elle met en exergue ce qui n’est pas immédiatement perceptible et crée des mondes oniriques qui emmènent le spectateur bien loin de la réalité photographiée.
Elle crée des collections d’objets et de dessins en utilisant différents matériaux et médiums pour exprimer sa vision du monde. Elle puise ses inspirations à travers son quotidien et à travers la société. Elle récupère à son profit des codes et des symboles de la société, des éléments du quotidien. Elle utilise ces éléments avec décalage et humour, les détourne, joue avec les échelles. Elle imagine des aventures, des univers colorés, entre absurde et poésie..
Son regard sur le Japon, sa fascination pour les villages traversés à pied lors de ses randonnées là-bas. Elle grave sur le cuivre les réinterprétations de ses rencontres avec les kamis. Voyager à nouveau, malgré les confinements..
C’est la peinture d’un homme qui marche. Une peinture en mouvement et une peinture arrêtée. Comme dans les paradoxes de Zénon, il est toujours possible de trouver un intervalle de temps si minuscule que la distance parcourue soit nulle, et de l’ajouter indéfiniment à d’autres intervalles déjà accumulés. Il est possible ainsi de marcher sans ne jamais atteindre aucun terme, de bouger sans se déplacer, de ramener l’entièreté du monde à un atome de perception
Tisser des liens, s'émerveiller du monde qui nous entoure. Son travail résulte de l'observation de l'infiniment petit à l'infiniment grand : des cellules aux étoiles en passant par le végétal. Elle travaille le fil de métal et la peinture pour en faire des sculptures tout en dentelle.. 
Elle coupe, tisse, noue, enroule, assemble des morceaux de fil de métal. De ses mains naissent des univers graphiques. La peinture épaissit le trait, fait vibrer les lignes. Notre œil se perd dans ces parcours qui se croisent et se poursuivent. Les lignes légères se déploient dans l'espace et cernent des surfaces. Elles sculptent l'air et l'on passe ainsi du dessin en trois dimensions à l'ombre portée sur le mur. Ces compositions sont des structures arachnéennes sans limites, résultat d'une écriture singulière et sensible.
Elle explore formes et volumes à travers la répétition rythmée d’éléments simples, soudés, imbriqués et assemblés. La terre y est mise en tension, affinée à la limite de la déchirure. Notre regard attiré par une sensualité dissimulée aux confins des alvéoles ciselées, plonge dans l’immensité aquatique. Telles de graciles créatures marines émergées des flots, les corolles d’argile dentelées qu’elle sculpte, révèlent une structure organique : coraux imaginaires.
Elle se laisse envahir par une émotion puis cherche à identifier ce qui a excité ses sens. Elle s’imprègne des ambiances visuelles et sonores et laisse son regard capter l’éphémère jusqu’à percevoir l’invisible, imaginer le processus originel. Les contrastes retiennent son regard ; elle s'arrête sur une ligne, une forme, une surface ou une trace colorée, une étendue ou un rai de lumière… Elle s’attache à de ne garder que l’essentiel, qui est à l’origine de l’émotion.
Ces grands dessins ont été faits dans une sorte de méditation tranquille, à un moment où son atelier n'était pas disponible. Ils sont de facture minimaliste, dans du presque non-dessin, afin de se laisser entraîner par le papier, son grain, et les aléas de sa surface, en y faisant participer tous les éléments immatériels présents à ce moment-là, ses humeurs, l'humeur du lieu, du moment, les choses immatérielles qui nous entourent et nous façonnent en quelque sorte, comme un dialogue avec l'univers, Une image de l'instant....
Entre la méditation et le geste, Nathalie Laemlé décline sa création en géologies poétiques, perceptions posées sur la nature, sur l'écriture, sur l'universalité de l'être humain.
Après avoir transgressé un interdit d'enfance en déchirant des feuilles de papier magazine, elle en efface les promesses d'une société de consommation qui ne tient pas ses promesses, tout en explorant ses/nos fragilités. Elle juxtapose, elle superpose ensuite la peinture, le crayon, le collage parfois et elle étale souvent avec ses mains. Elle invente des instants d'émotions poétiques et colorés en faisant planer des maisons déracinées aux jambes vagabondes.
Elle photographie au cours de ses journées ordinaires, des espaces extraordinaires. Les chantiers sont comme son atelier, où elle saisit des lumières, des matières et des lignes. Elle aime marcher dans le désordre et transformer ces endroits hostiles en photographies esthétiques.
La photographie est son médium de prédilection. Elle parcourt de façon aléatoire des chantiers dans lesquels elle « trouve » de réelles natures mortes. L'objet de son travail consiste à faire entrer en résonance le langage de la photo avec celui du volume et de la peinture : formes, structures, matières, lumières. Elle met en scène cette rencontre et provoque les interactions entre les champs.
Au point de départ, une tâche qui l’emporte dans la recherche d’un équilibre dans la composition d’une œuvre. Elle explore un monde d’apparence organique au plus proche d’elle qui rassure dans un premier temps avec des courbes, mais dérange aussi, trouble, qui nous renvoie violemment à une émotion ineffable, un miroir de l’âme.