Katherine Azoulay Villier
06 16 78 41 20 - Cette adresse e-mail est protégée contre les robots spammeurs. Vous devez activer le JavaScript pour la visualiser. - www.katazvil78.blogspot.fr
2018
Agrégation de manière intuitive d’éléments picturaux et graphiques qui peuvent paraître incompatibles mais qui associés, produisent des accords consonants ou dissonants. Ils sont cependant l’expression d’une émotion dans l’instant. L’image produite est unique et non reproductible. Association de travaux sur papier gravures, encres, dessins, monotypes.
Elle utilise comme matériau toutes sortes de papiers imprimés et découpe des fragments d'images choisis pour leur couleur, leur forme, leur texture... 
Une peinture atmosphérique, organique avec des craquements apparents, des traces ... Eléments qui jouent, circulent, caractères primordiaux qui impulsent le mouvement, propositions parfois complémentaires, parfois contradictoires. La toile parle d'émotions, d'histoires vécues avec leurs ralentissements et accélérations, de leur calme, leur emportement, leur fluidité, leurs blocages ... Ce qui est vécu à l'intérieur se matérialise à l'extérieur.
Ma démarche artistique est la suivante : je rapporte de mes voyages des séries de photos que je tire sur un papier mat contrecollé sur une plaque d'aluminium pour ensuite réhausser à l'acrylique.
Mon travail est l’évocation d’un entre-deux mondes, entre présent et passé. Il traduit une résurgence dans la mémoire d’une chose oubliée que Verlaine dans Birds in the night qualifie de « Ressouvenances »
On ne lui demande rien
Je m’inspire de la littérature, de la poésie, de la nature mais aussi de la musique et ses rythmes qui donnent naissance à ma propre écriture.
Je m'inspire de la littérature, de la poésie, de la nature mais aussi de la musique et ses rythmes qui donnent naissance à ma propre écriture. L'impulsion créatrice inspirée par la musique est instantanée, rapide et brève - une transmission d'énergie. L'exécution par la gravure sur bois est longue, lente et réfléchie - une autre recherche d'harmonie. C'est une oscillation entre positif et négatif, entre clair et obscur ou entre différentes couleurs qui s'interpellent. Un temps de méditation et de silence qui guide les traits, qui laisse des creux et des reliefs. Le bois joue son rôle dans l'œuvre avec ses rainures, ses petites traces que la vie d'un arbre a laissé inscrites pour ne pas dire gravées.
Un artiste seul n’est rien, il a besoin d’échanges et de regards pour avancer. La peinture de Sylvie Asselin navigue entre le figuratif et l’abstraction onirique, née de sensations, d’atmosphères, de lieux et d’émotions. Dans sa façon de peindre, elle se retrouve dans les propos d’Henry Miller : "Ma définition de la peinture, c’est qu’elle est une recherche, comme n’importe quel travail créateur. En musique, on frappe une note qui en entraine une autre. Une chose détermine la suivante. D’un point de vue philosophique, l’idée est que l’on vit d’instant en instant. Ce faisant, chaque instant décide du suivant. On ne doit pas être cinq pas en avant, rien qu’un seul, le suivant. Et si l’on s’en tient à cela, on est toujours dans la bonne voie".
Sa démarche s'inscrit dans l'imaginaire et trouve son expression sur la ligne de partage entre abstraction et figuration. Son travail actuel s'attache à traduire l'expression de son ressenti face au végétal mais plus particulièrement en présence des arbres (isolés ou en groupe), de leur langage qu'il lui semble comprendre, des frémissements de lumière, des respirations qui les animent... Cette façon d'être de l'arbre, ce tutoiement qu'il lui impose." Moments de Forêt de Douce " est une série en référence au texte d' Erri De Luca : " Visite à un Arbre " dans Le Poids du Papillon Ed. Gallimard
Sa démarche consiste à éviter la représentation de quoi que ce soit.
A travers ses séries photographiques, il cherche des réponses de plus en plus intimes. Sa démarche reste instinctive bien qu’il se décide à structurer son œuvre, tout en versant vers une certaine forme esthétique très épurée. Seule l'émotion le conduit, et c’est ainsi qu’il navigue de l’abstraction où il explore l’intimité, à la représentation très graphique afin de relier cet imaginaire à la réalité. Il laisse toujours planer une certaine incertitude invitant le public à une réinterprétation personnelle.
Son travail est mixte : photos, dessins, impression sur aludibond puis gravure à la pointe sèche. Elle incise le support imprimé de lignes délicates et fines qui s'entremêlent par soustraction de la matière, une réappropriation du support, un geste contestataire qui donne à voir une nouvelle interprétation. Une libération par le geste.
Son inspiration trace son chemin, en perpétuelle recherche de l’essence de l’être. Essence cachée sous l'écorce, métaphore du carcan qui nous protège et nous enferme à la fois.
Son inspiration première a été le corps humain. Travailler avec un modèle vivant. Partir du corps et zoomer de plus en plus. La peinture vient se mêler au charbon du fusain. Son émotion guide Son expression qui peut devenir plus ou moins abstraite. La peinture est liée à une certaine façon d'exister, les douleurs, les bonheurs, les absences, les silences. Aller vers l'essentiel dans l'urgence.
Avec la torche plasma, il faut reconnaître et saisir cet instant fugace de tous les possibles et décider par le geste d'orienter le sens. Elle aime ainsi ressentir la simplicité et la force d'une sculpture qui dit quelque chose une fois le calme retrouvé, après les découpes, les soudures, et les transformations finales.
J'achète à 10 ans mon premier bloc d'argile, et plutôt que d'étudier les Beaux Arts, j'ai choisi les sciences humaines et un parcours professionnel en organisation. Mais depuis toujours, je modèle, sculpte et apprends des autres, grâce à des stages (ENSBA) et dans plusieurs ateliers … Ainsi je découvre le métal en 2012 et l'état plasma de l'acier me fascine particulièrement. L'idée de l'objet préexiste, bien sûr à l'état d'esquisse, mais avec la torche, il faut reconnaître et saisir cet instant de tous les possibles et décider par le geste, d'orienter la destination, le sens. J'aime ainsi ressentir la simplicité, la force d'une sculpture qui dit quelque chose une fois le calme retrouvé, après les torsions et autres transformations subies.
Ce qui frappe c'est le côté "visible" évident de la proposition de Brigitte Banet - sérénité et générosité -, et son avers, l'aspect caché, mystérieux, invisible: La présence et l'absence. C'est la définition de l'empreinte, celle du pied dans l'argile, celle de la coque d'un fruit, de la trace de la main. Il y a chez Brigitte Banet une quête de l'au-delà des apparences, une recherche du plus lointain que le secret, de l'enfoui, de l'antique sentiment de la chaleur duveteuse de la terre ... Anne Lajoix, La revue de la céramique et du verre
Peintre et céramiste, élève en prépa aux Arts Déco chez Met de Penninghen et diplômée d’Architecture intérieure à l’académie Charpentier. Expositions depuis 1990 en galeries à Paris, à Saint-Cloud au "Tableau d’Honneur", à Roanne Galerie des 4 Coins, à Banon galerie "Les Bons Moments", à Nice au salon Art Jonction, au Grand Palais au salon Figuration Critique, Quai Branly, à la Grande Arche de la Défense, en Espagne, à Séoul en Corée, prochainement à Tel Aviv Salon d’automne.
Mon travail s'appuie sur le minéral - la grotte nue ou ornée, le désert, les façades rocheuses, l'asphalte urbain, le mur ... À la fois solides mais impermanents et vulnérables à l'érosion du temps, ces repères sont les témoins silencieux de la disparition de ce qui a été et de l'empreinte de ce qui reste. Repères placides, mes travaux sont des signes qui offrent un vocabulaire à ma démarche philosophique vers la paix mondiale.
Je peins, dessine, travaille l'estampe, modèle, assemble. Croiser les supports et les outils nourrit ma création. La nature m'offre sa force et sa protection, elle questionne ma présence au monde.
La sculpture pour dire la Vie, ce qui en elle nous concerne, nous touche, nous émeut. 
Par la gravure, Hélène Baumel donne une représentation du monde minéral et végétal qui présuppose une acuité, une observation, un souci du détail à celui de la représentation de l'infinitude du paysage.
Ancienne élève de l'Ecole nationale supérieure des Beaux Arts de Paris, Hélène Baumel pratique la taille douce et la taille d'épargne dans l'atelier de gravure de Chaville et dans son atelier personnel à Orsay. Depuis 2014, elle donne des cours de gravure sur bois le samedi matin à l'Estampe de Chaville.
Graveur, Hélène Baumel est inspirée par la nature. Elle travaille essentiellement à l’aquatinte et au sucre. Elle réalise aussi des livres d’artiste en collaboration avec des poètes contemporains. Elle participe régulièrement à différents salons internationaux : le salon d’automne, la biennale de Chaville, Livres en mai, salon Pages, Livres à voir à Arras, triennale de gravures à Lisle sur Tarn.A obtenu plusieurs prix : prix du livre d’artiste au salon d’automne, prix de gravure au salon des artistes de la mairie de Paris, prix Jean Chieze en gravure sur bois.
Toujours plus loin dans ce chemin artistique, ou couleurs et lumieres puisent leurs origines entre ciel et terre, peintures, collages et gravures alternent pour le dire.
Le travail d'Isabelle Beaussant, comme l'évocation d'un chemin aux couleurs du jour, peut être écriture de l'obscurité et de la lumière. Les couleurs se répondent, s’articulent en un chemin résonnant de nuances et de transparences, ou légèretés et opacités se répondent dans un dialogue infini. Passages du dit au non-dit, du visible à l’invisible de l’âme.
Joie des formes, dont nous sommes, jeu des forces qui les font et défont. Croissance, inertie, érosion. Mémoire. Celle du métal, les mêmes matrices retravaillées régulièrement donnant naissance à de nouveaux états derrière lesquels vibre encore l'ombre d'états anciens : fossiles, fantômes. Gardiens. Celle qui affleure en rêve, au confluent de l'espace et du temps, de la chair et du vent, en quête d'un corps à reconnaître.