Mon travail à la croisée entre le pressionisme et la bande dessinée. Travail à la bombe aérosol donnant des intérieurs colorés, contrastant avec la vue de Paris travaillée à l'huile.
Une peinture atmosphérique, organique avec des craquements apparents, des traces ... Eléments qui jouent, circulent, caractères primordiaux qui impulsent le mouvement, propositions parfois complémentaires, parfois contradictoires. La toile parle d'émotions, d'histoires vécues avec leurs ralentissements et accélérations, de leur calme, leur emportement, leur fluidité, leurs blocages ... Ce qui est vécu à l'intérieur se matérialise à l'extérieur.
Ma démarche artistique est la suivante : je rapporte de mes voyages des séries de photos que je tire sur un papier mat contrecollé sur une plaque d'aluminium pour ensuite réhausser à l'acrylique.
Mon travail est l’évocation d’un entre-deux mondes, entre présent et passé. Il traduit une résurgence dans la mémoire d’une chose oubliée que Verlaine dans Birds in the night qualifie de « Ressouvenances »
On ne lui demande rien
Le mur agit de son propre chef
On ne lui doiit rien
Le mur fait ses aveux (il n'a nul envie de retourner en prison)
Le mur est le témoin (certes bancal)
Des bruits des mots des images
Au-devant on y va
Je m’inspire de la littérature, de la poésie, de la nature mais aussi de la musique et ses rythmes qui donnent naissance à ma propre écriture.
L’impulsion créatrice inspirée par la musique est instantanée, rapide et brève – une transmission d’énergie.
L’exécution par la gravure sur bois est longue, lente et réfléchie – une autre recherche d’harmonie. Il y a une oscillation entre positif et négatif, entre clair et obscur. Un temps de méditation et de silence qui guide les traits, qui laisse des creux et des reliefs.
Le bois joue son rôle dans l’œuvre avec ses rainures, ses petites traces que la vie d’un arbre a laissé inscrites pour ne pas dire gravées. Les gouges laissent leurs traces fines ou grossières, profondes ou simples éraflures, quelquefois juste pour accentuer les veines déjà existantes. Il y a une symbiose entre inspiration, main, gouge et bois.
Ce dernier une fois imprimé par les caresses des mains et d’un baren, sort sur papier tout fin, presque transparent, son mystère, - des « fleurs » cachées dans sa profondeur – un paisible témoignage d’une rencontre main, gouge, bois, encre, papier, inspiration, énergie – un tourbillon vers la tranquillité
Je m'inspire de la littérature, de la poésie, de la nature mais aussi de la musique et ses rythmes qui donnent naissance à ma propre écriture. L'impulsion créatrice inspirée par la musique est instantanée, rapide et brève - une transmission d'énergie. L'exécution par la gravure sur bois est longue, lente et réfléchie - une autre recherche d'harmonie. C'est une oscillation entre positif et négatif, entre clair et obscur ou entre différentes couleurs qui s'interpellent. Un temps de méditation et de silence qui guide les traits, qui laisse des creux et des reliefs. Le bois joue son rôle dans l'œuvre avec ses rainures, ses petites traces que la vie d'un arbre a laissé inscrites pour ne pas dire gravées.
Un artiste seul n’est rien, il a besoin d’échanges et de regards pour avancer. La peinture de Sylvie Asselin navigue entre le figuratif et l’abstraction onirique, née de sensations, d’atmosphères, de lieux et d’émotions. Dans sa façon de peindre, elle se retrouve dans les propos d’Henry Miller : "Ma définition de la peinture, c’est qu’elle est une recherche, comme n’importe quel travail créateur. En musique, on frappe une note qui en entraine une autre. Une chose détermine la suivante. D’un point de vue philosophique, l’idée est que l’on vit d’instant en instant. Ce faisant, chaque instant décide du suivant. On ne doit pas être cinq pas en avant, rien qu’un seul, le suivant. Et si l’on s’en tient à cela, on est toujours dans la bonne voie".
J'achète à 10 ans mon premier bloc d'argile, et plutôt que d'étudier les Beaux Arts, j'ai choisi les sciences humaines et un parcours professionnel en organisation. Mais depuis toujours, je modèle, sculpte et apprends des autres, grâce à des stages (ENSBA) et dans plusieurs ateliers … Ainsi je découvre le métal en 2012 et l'état plasma de l'acier me fascine particulièrement. L'idée de l'objet préexiste, bien sûr à l'état d'esquisse, mais avec la torche, il faut reconnaître et saisir cet instant de tous les possibles et décider par le geste, d'orienter la destination, le sens. J'aime ainsi ressentir la simplicité, la force d'une sculpture qui dit quelque chose une fois le calme retrouvé, après les torsions et autres transformations subies.
Ce qui frappe c'est le côté "visible" évident de la proposition de Brigitte Banet - sérénité et générosité -, et son avers, l'aspect caché, mystérieux, invisible: La présence et l'absence. C'est la définition de l'empreinte, celle du pied dans l'argile, celle de la coque d'un fruit, de la trace de la main. Il y a chez Brigitte Banet une quête de l'au-delà des apparences, une recherche du plus lointain que le secret, de l'enfoui, de l'antique sentiment de la chaleur duveteuse de la terre ... Anne Lajoix, La revue de la céramique et du verre
Peintre et céramiste, élève en prépa aux Arts Déco chez Met de Penninghen et diplômée d’Architecture intérieure à l’académie Charpentier. Expositions depuis 1990 en galeries à Paris, à Saint-Cloud au "Tableau d’Honneur", à Roanne Galerie des 4 Coins, à Banon galerie "Les Bons Moments", à Nice au salon Art Jonction, au Grand Palais au salon Figuration Critique, Quai Branly, à la Grande Arche de la Défense, en Espagne, à Séoul en Corée, prochainement à Tel Aviv Salon d’automne.
Mon travail s'appuie sur le minéral - la grotte nue ou ornée, le désert, les façades rocheuses, l'asphalte urbain, le mur ... À la fois solides mais impermanents et vulnérables à l'érosion du temps, ces repères sont les témoins silencieux de la disparition de ce qui a été et de l'empreinte de ce qui reste. Repères placides, mes travaux sont des signes qui offrent un vocabulaire à ma démarche philosophique vers la paix mondiale.
Je peins, dessine, travaille l'estampe, modèle, assemble. Croiser les supports et les outils nourrit ma création. La nature m'offre sa force et sa protection, elle questionne ma présence au monde.
La sculpture pour dire la Vie, ce qui en elle nous concerne, nous touche, nous émeut.
Le faire avec grâce, humour ou poésie. (Au moins un des 3).
L'artiste est un acteur important de la société, il a un rôle à jouer dans ce qu'il montre.
Ancienne élève de l'Ecole nationale supérieure des Beaux Arts de Paris, Hélène Baumel pratique la taille douce et la taille d'épargne dans l'atelier de gravure de Chaville et dans son atelier personnel à Orsay. Depuis 2014, elle donne des cours de gravure sur bois le samedi matin à l'Estampe de Chaville.
Graveur, Hélène Baumel est inspirée par la nature. Elle travaille essentiellement à l’aquatinte et au sucre. Elle réalise aussi des livres d’artiste en collaboration avec des poètes contemporains. Elle participe régulièrement à différents salons internationaux : le salon d’automne, la biennale de Chaville, Livres en mai, salon Pages, Livres à voir à Arras, triennale de gravures à Lisle sur Tarn.A obtenu plusieurs prix : prix du livre d’artiste au salon d’automne, prix de gravure au salon des artistes de la mairie de Paris, prix Jean Chieze en gravure sur bois.
Toujours plus loin dans ce chemin artistique, ou couleurs et lumieres puisent leurs origines entre ciel et terre, peintures, collages et gravures alternent pour le dire.
Le travail d'Isabelle Beaussant, comme l'évocation d'un chemin aux couleurs du jour, peut être écriture de l'obscurité et de la lumière. Les couleurs se répondent, s’articulent en un chemin résonnant de nuances et de transparences, ou légèretés et opacités se répondent dans un dialogue infini. Passages du dit au non-dit, du visible à l’invisible de l’âme.
Joie des formes, dont nous sommes, jeu des forces qui les font et défont. Croissance, inertie, érosion. Mémoire. Celle du métal, les mêmes matrices retravaillées régulièrement donnant naissance à de nouveaux états derrière lesquels vibre encore l'ombre d'états anciens : fossiles, fantômes. Gardiens. Celle qui affleure en rêve, au confluent de l'espace et du temps, de la chair et du vent, en quête d'un corps à reconnaître.
L’abstraction dans la peinture s’impose comme le seul moyen d’expression me permettant de transcrire et de faire partager les émotions liées à la composition des couleurs et à la traduction d’un puissant émerveillement devant la nature, la mer, la terre à la magie de la musique, mais aussi dans tout l’héritage laissé par les cultures ethniques.
La peinture s'impose comme le seul moyen d'expression me permettant de transcrire et de faire partager les émotions liées à la composition des couleurs et à la traduction d'un puissant émerveillement devant la nature, la mer, la terre, à la magie de la musique mais aussi devant l'héritage laissé par les cultures anciennes de pays comme la Chine, la Mongolie et les pays d'Orient.
L'abstraction dans la peinture s'impose comme le seul moyen d'expression me permettant de transcrire et de faire partager les émotions liées à la composition des couleurs et à la traduction d'un puissant émerveillement devant la nature, la mer, la terre, à la magie de la musique, mais aussi celles des moments forts de la feria ou de la corrida, à tout l'héritage laissé par les cultures ethniques.
L'abstraction dans la peinture s'impose comme le seul moyen d'expression me permettant de transcrire et de faire partager les émotions liées à la composition des couleurs et à la traduction d'un puissant émerveillement devant la nature, la mer, la terre, à la magie de la musique, mais aussi celles des moments forts de la feria ou de la corrida, à tout l'héritage laissé par les cultures ethniques.
Quelque soit l’élément déclencheur, intime ou extérieur, l’acte plastique passe par l’engagement et la sensation du corps au travail. Faire avec la matière et être guidée par elle, à la recherche d’un mouvement, d’une métamorphose, d’un fragile point d’équilibre…. là où les liens se jouent…
Pour Laurence Bessas, la sculpture est cheminement, une perpétuelle recherche d'un devenir en mouvement.
Effleurer de l'outil la surface du support, papier ou toile, racler, retravailler dans l'humide, nourrir avec le tube en direct, étirer jusqu'à occuper l'espace, sans forcément le remplir. Travailler de plus en plus avec une économie de couleurs : sépia, noir, blanc et pourtant essayer de convoquer "le souffle du vent", titre de la série à laquelle appartiennent les toiles ici présentées, espérant donner à voir ainsi un univers personnel.
Considérant le nu comme une discipline à part entière, Sylviane Blondeau travaille sur le corps et son langage. Observant les êtres dans leurs mouvements les plus simples, elle tente de traduire leur jubilation à vivre, leur force de vie. Les lignes et les couleurs s'allient et des formes parfois difficiles à appréhender au premier regard envahissent souvent l'espace de la toile ou de la feuille. Apparaissent des corps, solitaires ou non comme en attente qui parlent aussi de l'autre, celui qui regarde.
Dans un processus continu d'apprentissage, inlassablement, je peins avec toujours l'expression d'un engagement pour inscrire mon travail dans un cadre permanent d'évolution, de recherches, de pratiques et de techniques, pour aboutir, quoiqu'il en soit, au plaisir.
Dans un processus continu d'apprentissage, inlassablement, je peins avec toujours l'expression d'un engagement pour inscrire mon travail dans un cadre permanent d'évolution, de recherches, de pratiques et de techniques, pour aboutir, quoiqu'il en soit, au plaisir.
Paysages, végétaux, eau, villages sont ses thèmes favoris.
La nature est sa compagne de tous les instants.
Dans l'action se construisent les formes par la couleur.
Ce qu'exprime Françoise c'est un monde élargi, un monde universel de la matière, des éléments et de leurs états naturels.
Le "Passage" est une idée toujours présente, construction en ligne et couleur,
Le travail de Srecko Boban est surtout basé sur l’improvisation, j’essaie de capturer l’essentiel de cet instant immédiat. La toile blanche est un espace de liberté immense, tout est possible, l’improvisation peut commencer et ça va très vite. Tout est important, l’environnement, les matériaux qui l’entourent, les pensées qui errent à ce moment précis provoquent le choix des couleurs et des matières. En quelques minutes, parfois quelques secondes, sous forme d'arabesques, c'est l'explosion, il essaie de fixer les éléments qui vont bâtir la composition. Le premier geste est déterminant, c'est le déclencheur de tous les autres, l'essentiel de la création doit se faire là, comme s'il y avait urgence.
Je crée un équilibre autour des formes entre abstraction et figuration, que j'accentue par le travail des matières et de la couleur. Les lignes épurées cherchent à ramener l'idée de l'humain à sa forme la plus essentielle et universelle.