Frédérique Hervet
06 62 75 79 90 Cette adresse e-mail est protégée contre les robots spammeurs. Vous devez activer le JavaScript pour la visualiser. www.frederiquehervet.com
2016
J'ai toujours aimé marcher et flâner pour découvrir des lieux. C'est devenu depuis quelques années mon sujet d'investigation. Il me faut savoir les accepter sans a priori afin d'en restituer le génie qui s'en dégage. C'est mon moyen de ré-enchanter le monde. La question du temps qui passe et de la fragilité de toute chose y est centrale, je m'appuie sur différentes techniques autour de l'empreinte pour la restitution. Architecte de formation, j'enseigne également en écoles d'art et d'architecture et mène des ateliers avec des enfants toujours en écho à mon travail comme lors de résidences artistiques en France et à l'étranger (Sénégal, Chine).
L'actualité s'invite sur mes plaques de cuivre en autant d'histoires singulières qui s'entrecoupent, s'interpellent...Ces gravures sont pour moi un questionnement sur le monde: j'y associe la représentation que les enfants se font du monde, faite d'autres émois...
Je vis et travaille à Saint Cloud. Je suis diplômée des Beaux Arts de Nantes et de l'ENSAD (option gravure), mention félicitations du jury. Depuis, j'ai participé à de nombreuses expositions à Paris, en région parisienne, en province et à l' étranger ...
Qui n'a pas rêvé de réécrire l'histoire familiale ? En scrutant les albums de famille, Sophie de Hillerin-Rufz s'est laissée conduire par ce que chaque photo lui chuchotait, de ces enfants "trop sages" face à l'objectif. Que véhiculent ces photos ? Qu'est-ce qu'elle voit, pressent derrière ces visages d'anges?
Elle a tenté de voyager à travers le temps et l’espace à partir de la mémoire. Cela signifie qu’elle a voyagé entre le passé et le présent.
Dans les souvenirs d’enfance de Jung Hee-Jung, il y a toujours des montagnes et le ciel, des arbres et la forêt. Elle ne peut pas oublier l’ombre du gris, le ciel bleu et l’air, le vert de la forêt et des champs. Elle a tenté de voyager à travers le temps et l'espace à partir de la mémoire. Une mémoire profonde qui a été sollicitée par ce qu'elle a pu observer et ressentir. Celle-ci a fini par véritablement expulser un autre paysage d'elle-même qui a son tour ouvrira sur d'autres cheminements.
L'origine : un dessin au trait noir à l'encre de Chine, donnant naissance à une série de 7 variations de peintures à l'huile. Il s'agit d'un dessin graphique et simple qui va s'enrichir quasiment à l'infini, car il a été conçu pour se décaler de ses origines. Composition gestuelle à la fois libre et précise, constituée de lignes structurées, de pleins et de vides. Ces 7 compositions expérimentent différentes tensions entre les couleurs et les croisements de lignes blanches qui viennent ciseler toutes ces teintes. C'est l'harmonie générale qui dicte spontanément tous les va-et-vient entre les émotions et l'inconscient, ce qui permet de prendre de la distance face à l'esthétisme et de faire en sorte de puiser son inspiration dans l'inconnu.
Longtemps les oeuvres d'Isthme ont eu un rapport étroit avec l'eau, l'estuaire, la mer et les traversées de l'océan que l'artiste a effectué plusieurs fois. Ses toiles où les vagues nous attirent, ses dessins où les roseaux se penchent, où les vagues, encore, deviennent graphisme, en sont les témoins. Isthme a repris cette idée de paysage dans ses oeuvres récentes. Le paysage est plus que quelques éléments identifiables, un horizon, des collines à perte de vue, quelques arbres. Le paysage devient couleur, lumière, formes qui s'ouvrent composées à nos yeux. Ici, Isthme nous transporte dans un paysage urbain nocturne.
Les arbres et les fleurs sont souvent presents dans mon travail. Les elements végétaux permettent de creer un univers onirique, parfois melancolique, parfois inquietant, toujours en développement. Chaque image est une vision transcendée, comme un souvenir sur le point de s'effacer. Le caractère unique de chaque pièce participe a la fragilité de l'oeuvre exprimant la nature. Le vegetal tient une place importante importante dans mon travail. Il souligne le cycle de la vie et les saisons.
Personnages en territoires conquis ou inconnus, personnages ancrés au sol ou suspendus, ils avancent sur des chemins, se faufilent entre les passages, glissent, explorent, repoussent les limites de l'équilibre ...
Reyhanat Kitabgi, diplômée de l'École nationale supérieure des Arts-Décoratifs de Paris, a exercé la profession de graphiste illustratrice et se consacre exclusivement à la peinture depuis 2001. Elle a exposé récemment à la galerie l'Œil du Huit et à la galerie Martine Moisan, à Paris. Elle vit et travaille à Paris et dans l'Essonne.
Au point de départ, une tâche qui l’emporte dans la recherche d’un équilibre dans la composition d’une œuvre. Elle explore un monde d’apparence organique au plus proche d’elle qui rassure dans un premier temps avec des courbes, mais dérange aussi, trouble, qui nous renvoie violemment à une émotion ineffable, un miroir de l’âme.
Peindre en donnant le meilleur d’elle-même répond à cet appel purement intérieur d’être en phase avec mon moi profond. L’exploration, l’exploitation de la matière et du graphisme, sont au cœur de son projet artistique. Entre glacis et frottis, la matière révèle alors toute son essence. Puisant sa source loin des codes de la représentation, sa créativité prend toute sa dimension dans l’art informel ; pour autant ses réalisations sont bien souvent à la lisière de l’abstraction.
Sandrine Leroux est artiste-sculpteur en région parisienne. Attachée à la sculpture figurative, sa démarche est guidée par la fantaisie, le poétique et le décalé qu’elle extériorise au travers d’animaux en papier mâché, de sculptures végétales en porcelaine, de portraits réalistes ou de personnages inattendus en faïence.
d'un trait d'esprit
Chaque pièce raconte une histoire, un évènement ou une expérience personnelle.
A travers son travail intuitif, onirique, elle cherche à montrer tout ce qui échappe à l'emprise de la raison et de l'observation : une révélation des profondeurs de la psyché. 
Au visiteur bienveillant parvenu jusqu'à cette crypte je dois quelques considérations sur le choix du noir en peinture. Le parti pris de la couleur noire relève d'un choix plastique. Si le noir n'est pas une couleur le peintre doit faire en sorte qu'elle le devienne. Aussi lorsque couleur, lumière et même matière picturale se retranchent, reste la forme seule pour construire l'image : ce sont alors les tensions, le dessin interne, la structure, les nuances qui deviennent contrastes. Établir une peinture, une oeuvre, voire toute une démarche sur des noirs implique un investissement plus grand dans la culture de la forme. Le noir doit avoir une qualité colorée (le noir comme la somme de toutes les couleurs), contenir son espace. Il doit émaner des noirs une lumière picturale. Travailler le noir c'est cultiver le mystère mais aussi garantir une clarté des intentions plastiques.
Ma démarche artistique peut être definie par cette citation d'Eloi Leclerc : "Toute matière valorisée est une matiere qui foisonne sous ll'action de valeurs intimes inconsciente". Toutes les sculptures de bois que j'ai créées sont inspirées par les differentes infliuences qui ont formé ma personnalité.
Des petites maisons, constructions fragiles qui s’accrochent à des branches, deviennent baleine, labyrinthe ou s’envolent. Elles parlent de pérennité et de fragilité et nous entrainent dans un monde imaginaire dépouillé et nostalgique.
Tours improbables et silencieuses tendues vers le ciel, Passerelles fragiles et amicales, Abris de briques ponctués de petites lucarnes mystérieuses, Murs labyrinthes qui se déploient en ronde Pour une résonnance de terre et de vides.
Dans la lumière sous halogènes de la galerie-vitrine, ou brinqueballées dans un garage pour le rituel des portes ouvertes, ou suspendues en pluie dans un jardin buissonnier, les architectures nomades de Katia Lafitte ne se laissent pas enfermer. Elles sont hors échelle et hors temps, vous transformant, vous spectateur, intrus autant qu'invité, en géant aux grands pieds ne pouvant chausser leurs délicates pointures, ou au contraire, en nains de jardin qui n'atteindrez jamais leurs forteresses hautaines.
Son carnet de croquis l'a accompagné partout depuis son enfance. Il y a une quinzaine d’année, elle a découvert la sensualité de la terre et l'attrait du volume. 
Sa pratique s’étend du dessin à l'installation, en passant par la photographie et le livre d’artiste. Elle s’’intéresse aux détails - révélateurs d’un certain état intérieur - elle tente de faire émerger ce que les gens cherchent à cacher, leurs failles. Elles sont pour elle la représentation même de leur être. À travers son travail elle essaie d'exprimer la complexité et l’ambiguïté de l’être humain à Être et devoir paraître …
« C’est l’intérieur et c’est l’extérieur qui constituent l’être humain – c’est très simple – c’est très existentiel – c’est très compliqué. » Rosemarie Trockel.
Comme Rilke a écrit dans « notes sur la mélodie des choses », « nous sommes comme des fruits…nourris par la même sève » Elle a contemplé la croissance de pommes, de plantes, de légumes durant plusieurs années pour dessiner et peindre. Son objectif étant de toucher l’infini de la vie par les choses les plus simples, comme ces gorgones trouvées sur les plages.