A travers les différents strates de papier d'origines multiples, j'essaie de rendre la création d'une personnalité, bien que j'élude celle-ci afin que chacun puisse se retrouver dans ce travail.
Au-delà de la belle surface des choses, des couleurs luxuriantes des couleurs comme des brillances des verts végétaux, dans un va et vient, elle nous entrouvre les voies à emprunter vers un monde noué, caché, là où les respirations sont différentes des nôtres, là où ça tournicote, ça disparaît dans un brouillard, un fouillis, dans des imprécisions voulues qui ne sont en rien de l’inachevé. Solange Carvalho aime montrer ce qui lui échappe. Quand le motif disparaît, elle le poursuit, le reprend, le laisse encore partir. C’est là que la peinture nous emmène quelque part, dans les territoires des sensations. Natalie Mei, Area revues, novembre 2012
Le groupe humain, le tragique de la condition humaine, sa fragilité est un thème de travail exploré au travers de différentes matières : bronze, bois, plâtre, métal, pâte de verre.
Ce travail a donné lieu à plusieurs séries dont la série "Humanité". Marie-France Casellas a été élève de Léopold Kretz à l'Ecole nationale supérieure des Beaux Arts de Paris et travaille actuellement à l'atelier de Paul Flury à Montreuil.
Le groupe humain, le tragique de la nature humaine, la fragilité de l'humanité est un thème de travail exploré au travers de différentes matières : cire, bronze, plâtre, bois mais avec une prédilection pour le lent processus et l'aléatoire de la pâte de verre.
Pour explorer l'impalpable, la fragilité, le doute, les limites des certitudes de l'être humain, et sa résistance aussi : le verre. Ici, c'est de la pâte de verre moulée à la cire perdue, choisie pour son opacité et sa transparence, sa prédisposition à jouer avec la lumière et à l'accueillir. Rencontre-surprise récente, née d'un "pourquoi pas ?", rencontre-révélation, la pâte de verre est devenue matériau de prédilection avec son lent processus de fabrication.
CHRISTIN, fascinée depuis toujours par ce qui éclaire : soleil, lumières, facettes, miroirs, reflets, vitraux, mandalas, magie, théâtre…, voyage dans un autre monde, comme Alice de Lewis Caroll traverse le miroir.
C’est un mouvement hallucinatoire qui traverse son œuvre, propre à évoquer le spectacle des lieux utopiques et labyrinthes perpétuels dans une confusion de reflets. Les effets d’optique déplacent notre attention dans un temps onirique fait de mirages colorés. L’interaction harmonique des couleurs affecte l’espace qui semble tantôt surgir tantôt être absorbé dans l’infini de la matière. Raison et déraison, sens et non-sens sont évacués d’un univers qui semble en constante formation. Elle réalise ses photographies manuellement à partir de ses peintures manipulées avec miroirs et objets. Tout s’imbrique et se complète pour attraper et emporter au loin.
La fragilité de l'humain que Catherine Cayla recueille lui crée une émotion telle, qu'elle a besoin de ressortir, de se matérialiser. En triturant la matière, la faisant exister dans toutes ses nuances et ses limites, elle sent qu'elle s' approche de cette émotion. Des corps et des fragments de corps se font, se défont et finissent par affronter le vide.
Pour tenter de comprendre la méthode de travail de Claude Cerf il faut réaliser qu'il ne fait qu’un avec la matière durant toute la période de gestation jusqu’à ce que l’œuvre lui échappe, et que la matière prenne le relais de sa parole et de son subconscient. Alors surgissent des formes douces ou arrachées, des volumes pleins ou vides, nous rendant visible un monde nouveau, une pensée très personnelle, le tout empreint d’un grand symbolisme.
Il fait preuve dans son travail, d’une grande liberté, refusant de se soumettre à des lois extérieures. Il trace son chemin avec la simple volonté de transcendance.
Il nous fait partager son univers de rêve, de beauté, d’émotion; avec lui nous nous évadons du quotidien, il nous permet de sortir de nous-mêmes, ses œuvres nous interrogent, c’est à nous de répondre.
Il a participé depuis de nombreuses années à des expositions, le plus souvent personnelles, ou en partageant avec des amis peintres, sculpteurs ou photographes lorsqu’il estimait que leur travail était en résonance avec le sien.
On peut trouver des œuvres de Claude Cerf dans plus de 250 collections particulières
De la pierre, des blocs, hasards de l’extraction ou conséquences de l’érosion qu’il va chercher dans les carrières.
Utiliser, détourner, explorer, transformer le volume brut.
Son travail est un mélange de confrontation et d’échange voire de connivence avec la matière qu’elle soit réelle avec le marbre ou depuis peu virtuelle avec la 3D.
De la pierre, des blocs, hasards de l’extraction ou conséquences de l’érosion que je vais chercher dans les carrières. Utiliser, détourner, explorer, transformer le volume brut. Mon travail est un mélange de confrontation et d’échange voire de connivence avec la matière qu’elle soit réelle avec le marbre ou depuis peu virtuelle avec la 3D.
De la pierre, des blocs, hasards de l'extraction ou conséquences de l'érosion que je vais chercher dans les carrières. Utiliser, détourner, explorer, transformer le volume brut. Mon travail est un mélange de confrontation et d'échange voire de connivence avec la matière qu'elle soit réelle avec le marbre ou depuis peu virtuelle avec la 3D.
De la pierre, des blocs, conséquences de l’érosion ou hasard de l’extraction dans les carrières. Utiliser, détourner, transformer ces volumes naturels. Le travail de Ch'ron est un mélange de confrontation et d’échange voire de connivence avec la matière brute naturelle.
De la pierre, des blocs, conséquences de l’érosion ou hasard de l’extraction dans les carrières. Utiliser, détourner, transformer ces volumes naturels. Le travail de Ch'ron est un mélange de confrontation et d’échange voire de connivence avec la matière brute naturelle.
Il crée des sculptures à taille humaine e élabore ses pièces à partir de récupération : ustensiles de cuisine, de jardinage, pièces mécaniques, conserves, plastique, verre, bois… Il essaye de préserver leur identité en leur donnant une nouvelle vie. Il est inspiré par les animaux, l’humain et les matériaux utilisés ainsi que par la bande dessinée, les années 80 et sa période punk. Il se sent proche de l’art brut, du mouvement dada et surréaliste et par la poésie de leurs univers oniriques et fantasmatiques
Il crée des sculptures à taille humaine et élabore ses pièces à partir de récupération comme des ustensiles de cuisine, de jardinage, des pièces mécaniques, des conserves, du plastique, du verre, du bois, etc…Il essaye de préserver leur identité en leur donnant une nouvelle vie, une nouvelle réalité.
Inspiré par les animaux, l’humain et les matériaux, ainsi que par la bande dessinée, les années 80 et sa période punk, il se sent proche de l’art brut, du mouvement dada et surréaliste.
Il crée des sculptures à taille humaine et élabore ses pièces à partir de récupération : ustensiles de cuisine, de jardinage, des pièces mécaniques, du plastique, du verre, du bois. Il est inspiré par les animaux, l’humain et les matériaux qu’il utilise ainsi que par la bande dessinée, les années 80 et la période punk de ces années.
Je crée des sculptures à taille humaine. J'élabore mes pièces à partir de récupération comme des ustentiles de cuisine, de jardinage, des pièces mécaniques, des conserves, du plastique, du verre, du bois etc. J'essaye de préserver leur identité en leur donnant une nouvelle vie, une nouvelle réalité.
Né en 1962. Ateliers de la ville de Paris et Ecole nationale supérieure des Beaux Arts. Quelques expositions personnelles et participation régulière à des expositions collectives, notamment les salons d'Automne, de Garches et Art Saint Cloud.
Telles des étoffes tissées de multiples fils, nos vies tricotées d'émotions et d'événements dessinent notre histoire. Sur ce qui est donné, solide brin de chaîne, l'immense champ des possibles prend appui. Au gré de l'aventure de la vie, nous déroulons, emmêlons, croisons les fils de nos projets et de l'imprévu. Rencontres, amours, épreuves se trament en ouvrage.
Dans ce travail, elle poursuit sa recherche sur le corps et sa relation au monde qui l’entoure.
Des fils à nouer et dénouer traversent ces corps dansants et laissent la colonne vertébrale se déployer. Ainsi sorti du cocon, ayant déposé le corset qui l’entrave le corps respire librement; le temps est venu de l’échange avec le monde. Les plis, comme des vagues, évoquent un va-et-vient entre l’intime du corps et le monde. Ces corps dansants explorent l'espace.
« Dans un mouvement cyclique, j'avance, je recule, les plis libèrent et accompagnent le mouvement. Plusieurs chemins s'ouvrent, chacun a sa part de mystère.
Une double lecture est possible selon l'angle choisi pour poser son regard. »
" Double sens " évoque les éléments du passé et du présent et invite à prolonger l’histoire dans un mouvement perpétuel.
Le vêtement intimement lié à la personne témoigne de son existence. Il exprime la personne et la prolonge même.
Ces suspensions suggèrent le vêtement comme «seconde peau».
Ce vêtement «peau» évoque la robe portée, devenue signe de vie et qui devient un passage vers l’intimité et les émotions.
Habité, il épouse le mouvement d’une personne jusqu’à l’usure. Élimé, effiloché, il est imprégné d’une histoire. Le papier devient une surface-peau, poreuse. Mon travail sur le papier évoque la peau comme espace sensible, sensuel.
Ces robes sont présentées dans des caisses américaines afin de faciliter l'accrochage, elles peuvent aussi être suspendues. Un éclairage est nécessaire.
Mon travail part d’une réflexion sur la peau. Elle est vivante. Elle est mémoire, puisqu’elle garde par ses plis, par sa couleur, la marque du temps qui passe, d’une histoire. Elle est lieu de manifestation des émotions. Les mues de certaines peaux sont le signe d’un renouvellement.
La couleur est son premier élan, vers une composition en aplats de peinture entremêlant traits, formes et volumes évoquant des territoires, des architectures vues du ciel ou en façades, entre abstraction et figuration. Tout s'enchaîne rapidement, dans un rythme ou l'harmonie s'impose à elle. Puis, comme cette exploration lui rappelle un monde intérieur, des signes et symboles, des collages viennent ponctuer çà et là la toile. Afin que l'œuvre vive de façon autonome dans le regard de chacun.
La peinture est un langage qui échappe aux mots. L'observation du monde qui l'entoure, les façades de béton, les terrains vagues nourrissent son imaginaire.
Des formes et des forces s'ordonnent par un processus de construction et de déconstruction du tableau, en superposant les couches de peinture, en grattant, en effaçant et en recommençant pour aboutir à une émotion. Il faut laisser l'art nous surprendre.
Voyages, réflexion et simple observation du quotidien aiguisent ma perception de l'imaginaire pour composer, suggérer sans imposer, éviter l'anecdote, pour permettre ainsi le vagabondage...et le lâcher-prise. "La nouveauté est dans l'esprit qui crée, et non dans la nature qui est peinte" (Delacroix). Mon travail se situe entre abstraction et figuration, techniques mixtes et acrylique sur toile ou papier marouflé, et collages.
L'observation de la nature et ses éléments m'apporte de multiples sources d'inspiration, minérales, végétales ou même climatiques, mais aussi les voyages, les villes et les horizons que j'ai parcourus depuis mon enfance. Des images s'impriment naturellement dans ma mémoire, et je commence chaque toile au gré des harmonies colorées qui m'habitent et qui nourrissent mon univers de peintre. "Regardez la nature et tournez-lui le dos" a dit Raoul Dufy. La toile est alors achevée lorsque l'œuvre rencontre ma sensibilité. Et comme une autre aventure, l'œuvre suivante se profile inévitablement. L'art est une recherche perpétuelle …
Il oscille entre une expression dite lyrique ou gestuelle, une construction plus radicale dite »géométrique ». C’est toujours pour lui cette question posée ; où s’arrêter, comment lier le geste courbe à la ligne droite? La découverte ou la fabrication de nouveaux outils ou médium (encre, fusain, craie …) est importante pour lui. Cela fait repartir cette recherche et l’enrichit à chaque fois.
Bruno Chenal n’a pas cessé de chercher à composer sur ses toiles un univers de formes, de couleurs et de matières qui l’ont conduit à une sorte de figuration abstraite qui interroge le réel. Son œuvre se joue à l’intérieur d’un immense champ d’expérimentation dans lequel agissent des phénomènes de rajouts, superpositions, déclinaisons, retraits, puisque souvent chez lui peindre rime avec dépeindre. L’acte de création est alors conçu comme un processus de transformation jusqu’à l’irruption d’une forme dont l’artiste considère qu’elle est juste. Yves Adler
Je ne me pose plus de questions. Je fais.
Les contraintes longtemps travaillées et acceptées de ma longue pratique des arts appliqués, combinées aujourd’hui à la liberté de la création de l’artiste, m’ont conduit sans crier gare aux formes de mon actuelle expression. Il me plait d’entrer à l’aveugle dans une première surface colorée ou pas, qui en appelle une autre, puis une autre. Il n’est pas de but à atteindre sinon celui de la satisfaction. Il n’est pas de représentation à figurer. L’instinct est mon seul guide. Plonger dans l’incertitude afin de dévoiler mon univers, aboutir à une œuvre puis, la laisser vivre jusqu’au regard de l’autre. Alors que d’autres univers émergent de nouveau de mon atelier. Telle est mon envie. Tel est mon plaisir.
Le vivant est au cœur de son œuvre et par ces formes hybrides elle cherche à comprendre, ou du moins à rendre sensible des tensions qu'il génère: le rapport entre les perceptions de notre esprit et notre corps, la fragilité et la force de la vie, les formes multiples et arbitraires du vivant... Elle veut saisir un moment de vie, l'arrêter pour le rendre visible, pour percer son mystère.
Elle s’interroge sur la difficulté de concilier matière et invisible.
María Chillón essaie de rencontrer au cours du procédé, dans l'union des traits, dans la combinaison des lignes du burin, les réponses aux tensions entre les perceptions de son corps et celles de son esprit. En créant des formes qui, sans être figuratives, pourraient faire partie de mondes possibles par leur aspect organique, animal ou végétal, Maria Chillon veut chercher le sens des ombres qui se dessinent à la seconde où ses yeux se ferment et les matérialiser. Un clin d'oeil pour capturer un instant du vivant avant qu'il se volatilise, pour attraper le mystère au-delà de la peau.
La création, c'est une autre vie à côté de la vie... où le doute est toujours présent.
Créer : "c'est la liberté d'inventer ce qui n'existe pas."
Une formation très classique aux Beaux Arts de Paris. Depuis c'est une évolution pour aller toujours plus loin et trouver de plus en plus de liberté devant la toile, sans concession ; à la recherche de l'essentiel avec une palette de couleurs restreintes où les gris, les blancs, les noirs ont toujours une grande attirance dans mon travail. La gravure sur plexi apprise en Italie est une vrai passion.
Devant sa toile on ne sait rien ;
C'est l'inconnu, puis la toile se construit avec rapidité
Peut-être va-t-elle s'effacer ... renaître, trouver son cheminement
Sa propre identité, fait de hasard contrôlé, parfois de colère
Toutes les possibilités sont là
C'est magique !
Mais le doute est toujours présent.
Organiser le désordre
Pour créer une autre réalité
Tracer, effacer ... retracer
Les émotions sont là.
Être soi, sans concession.
Aller à l’essentiel ...
Mais le doute est toujours présent.
La lumière du soleil tombe sur le dessus de la surface de l'eau. Utiliser de l'encre argent et couleur.
Thierry Citron : médaille d'or du Salon des Artistes Français, médaille d'argent de la ville de Paris, prix Art-cité au salon d'Automne 2013. Galeries permanentes : Aljancic (Gif sur Yvette-91), Elisart (Châtenay-Malabry-92), L'art ancien (Orléans-45), L'Ecusson (Montpellier-34). Expositions à la galerie Art Culture France à Caen en avril 2014, à Gargilesse (Indre) et Elisart (Chatenay-Malabry) en mai 2014. Stage au Glandier (Loir et Cher) en juillet 2014. Invité d'honneur à Gorron (Mayenne) en mai 2014.
Mes gravures sont des repères dans le temps, les instantanés d'une météo intérieure quasi quotidienne. Chacune d'elles se veut l'empreinte d'une émotion traversée ou d'une pensée qui émerge dans le ciel intérieur.
Je pratique exclusivement la technique de la pointe sèche, parce qu’elle permet un rapport direct au matériau. Il n’y a pas de distanciation entre le geste et le résultat visible, le travail n’étant pas décomposé par les étapes successives des trempages dans l’acide. Ce procédé n’est, selon moi et dans ma manière de l’aborder, pas sans lien avec la sculpture : il s’agit de faire surgir des formes du métal, par un travail graphique d’abord, mais également en fouillant le support, en le retravaillant encore et encore, effaçant, recommençant, tâtonnant, modelant et façonnant ainsi mes sujets en creusant peu à peu la matière.
Après une formation en dessin, Jeanne Clauteaux se consacre exclusivement à la gravure depuis une dizaine d'années. Elle vit au sud du Venezuela, où se trouve son atelier, et rentre en France régulièrement pour participer à divers événements artistiques : Salon d'Automne (Prix Jeune gravure 2012), Salon de Garches (Prix de la gravure et de l'estampe européennes en 2008), Salon de Mai, Salon de Croissy, Salon de l'Estampe de Rueil, Biennale de Saint-Maur, Salon Art Terrible ... Plusieurs expositions personnelles et collectives dans des galeries et ailleurs.
Après la découverte de la terre, Renée Cominassi a travaillé avec curiosité et passion de nombreux matériaux : pierre, plâtre, résine ; en les testant sans cesse, tentant toujours de leurs faires dire sa passion du mouvement et de la couleur. Aujourd’hui dans un corps à corps avec le métal, elle rend hommage aux métallurgistes de son enfance et donne au "fer" un nouvel habit, un nouvelle vie. Que ce soit l’acier, le cuivre ou le plomb, tous ces métaux sont mis en scène pour réinventer l’espace … Un jeu des équilibres, un montage à la limite du déséquilibre, des formes en apesanteur, en mouvement. Un ensemble au pouvoir d’évocation. C’est une Sculpture qui nous parle.
"C'est du fond de l'intime que je puise. Je creuse, je trace, je tisse mes petites histoires ; Je fabrique la forme pour en extraire le poétique de la matière."
A travers son travail de gravure et dessin, Sophie Courtant partage sa perception du réel dans son observation de la nature la plus proche de nous. Son regard est guidé par le sentiment d'appartenance à la grande chaîne du vivant. Intriguée par le mystère de la vie, elle scrute le cœur des choses, exprime sa vision du cosmos, de l'origine de la vie aux liens de l'homme avec l'univers, en proposant des images propices aux voyages intérieurs et à l'expression de la sensibilité individuelle, pour faire surgir chez chacun sa propre vision, et dialoguer avec elle.
A travers mes gravures, je tente de proposer des visuels sans repère contextuel, permettant à chacun de donner libre cours à son imaginaire. Ce sont pourtant des détails du réel naturel qui m'inspirent. Ils me suggèrent d'autres dimensions, d'autres sujets, dépendant de mes propres convictions personnelles. Je vous les propose pour découvrir les vôtres et les confronter. La réalité libérée devient très subjective.
A travers son travail, Sophie Courtant partage sa perception du réel dans son observation de la nature la plus proche de nous. Son regard est guidé par le sentiment d'appartenance à la grande chaîne du vivant. Intriguée par le mystère de la Vie, l'artiste scrute le cœur des choses, exprime sa vision du cosmos, de l'origine de la vie aux liens de l'Homme avec l'Univers, en proposant des images propices aux voyages intérieurs et à l'expression de la sensibilité individuelle pour faire surgir chez chacun sa propre vision, et dialoguer avec elle.
Issue d’une famille d’artistes peintres, j’ai étudié l’art lyrique et diverses explorations de techniques artistiques. J’ai souhaité ensuite exprimer par la matière ce qui vient du plus profond de moi. Chaque pièce, issue de ce travail d’écoute est le reflet d’un ressenti, d’une émotion prise sur le vif, ou antérieure, d’un chemin de vie… Utilisant des matériaux du quotidien j’aime les anoblir par l’ajout de matières, de tissus, de papiers, de couleurs, de résines… Je les déstructure graphiquement, et les confonds, tout en gardant leurs symbolique, pour aller vers un univers décalé et surprenant que j’affectionne.
Son travail est un pont entre recyclage et matière-bois, il renvoie au cycle de vie arbre-papier et aux actuels questionnements environnementaux. Le carton lui offre un large jeu de potentialité plastiques du fait de sa légèreté et de sa rigidité dont la forte polyvalence rend sa manipulation passionnante.
Née en 1963, diplômée des Beaux-Arts de Paris en 1989. Mon travail est basé sur la matière inédite du carton recyclé, il me permet un travail de recherches qui inclut à la fois le volume et la notion de lumière-couleur. Je lui redonne vie par des techniques diverses de pliages, d'assemblages qui me sont propres. Les racines, les écorces sont les bases de mon inspiration.
Formation et diplôme aux Beaux-Arts de Paris en section peinture où déjà prenait place mon goût pour le relief; au fil de mon travail le haut relief s’est imposé. Depuis plusieurs années, je réalise des tableaux-sculptures, proches de la sculpture, je crée des formes qui sortent de la toile.
Accumulation de couches, de strates, je rajoute sur l’ancien des strates successives. Rien ne s’efface, tout s’accumule mais les couches plus anciennes s’atténuent. Ma recherche plastique est fondée sur les matières, les accumulations, les concrétions : tout ce qui nous ramène à la nature, au végétal, au minéral.
Les racines, les écorces, la trace de l’eau sur les éléments naturels, le sable, la pierre, l’usure… sont les bases de mon inspiration.
Je joue avec ces plis, ces lignes, ces répétitions et la lumière qui vient s’accrocher sur ces reliefs me permet de réaliser des oeuvres en mouvement et ainsi créer des tableaux vivants qui nous ramènent à la nature.
Il est fondamental pour moi d’utiliser pour ces recherches un matériau issu du naturel, cette matière première est le carton, produit délaissé.
Le recyclage et mon travail sont intimement liés, il est très important de pouvoir réutiliser et transformer ce que l’on a à portée de main et de transcender ce qui est autour de nous.
Créations originales de fresques murales en haut-relief entièrement réalisées en carton de récupération inspirées par les univers du végétal et du minéral.
Sa recherche plastique est guidée par l'exploration du rythme, de la lumière, de la transparence et du mouvement. C'est l'émotion dégagée qui lui permet de savoir si l'équilibre recherché est atteint et donc la toile achevée.
