Danielle Burgart
06 99 56 48 70 - Cette adresse e-mail est protégée contre les robots spammeurs. Vous devez activer le JavaScript pour la visualiser. - www.danielle-burgart.com
2019
Repousser les frontières entre l'humain et l'animal, raconter les sentiments qui nous font appartenir à une même création, voilà sa démarche. Dans la série en monotype des "nids d'hiver", on ne sait pas de qui est le nid, de qui est l'œuf... protection ou cruauté, le choix appartient au regard de chacun d'entre nous.
Corinne Burgorgue vit et travaille à Saint Nom la Bretèche. Elle travaillait principalement la terre, mais depuis que son four a rendu l'âme, elle s'est lancée dans le "paperclay", la ferraille, le plâtre et "récup" ; enfin tout ce qui lui tombe sous la main. Plutôt animalier et très concernée par le regard de ses bêtes elle donne à chacune de ses créations un nom en jouant avec les mots.
Elle aime beaucoup le monotype. Il y a un processus aléatoire, toujours un effet de surprise. Elle utilise un rouleau pour peindre qui nécessite un engagement corporel. Elle découvre autrement ce qu’elle a expérimenté en danse tant par la relation à l'espace, le rythme, la perception du corps et la sensation du mouvement. Si cela lui semble nécessaire, elle poursuit l'œuvre par des techniques diverses.
Suivant le fil conducteur de la peinture de genre, Fabienne Colin reprend le thème des fleurs pour légitimer le travail de ces "peintresses" longtemps cantonnées à un art dit mineur, suranné, esthétisant... Reflétant en cela une préoccupation féministe, elle remet en cause cette attitude sévère et conformiste du regardeur... et persiste avec les fleurs (portraits de femmes) et la nature. Après avoir abordé les extraverties, cette nouvelle série de fleur/portrait présente les introverties.
Dans ses sculptures, nourries de contemplation et de la proximité avec la Nature, elle souhaite transmettre la vitalité du mouvement dansé, l’attention à l’autre qu’il implique et le plaisir qu’il génère. Elle capte dans la danse l’élégance et la grâce que chacun peut porter en soi. Elle aime à les transcrire dans la matière pour donner à voir l’intensité de vie qui peut jaillir du fait d’être et de composer ensemble . Elle essaie de leur insuffler ses mouvements et sa force pacifiante.
Le trait constitue pourtant l'essentiel de l'écriture du peintre. Dans la nature elle le retrouve sous toutes ses formes, plein ou discontinu, large et puissant, fin, nerveux, directif, souple, léger ou vibrant; il imprime en elle une puissante énergie, une écriture sensitive qu’elle cherche à restituer, l'obligeant à définir un graphisme à travers des gestes empruntés au lexique du vivant.
Finalement peu à dire, juste regarder, voir les yeux fermés et peindre le trait au-delà du visible
Il travaille sur le thème de la maison.
Dans son travail de la gravure, il cherche plutôt à imaginer ses pensées.
Par son travail , il voudrait ressentir et exprimer les ambiguïtés des différents sens en approfondissant la question de la frontière entre l’intériorité et l'extériorité.
EL DUENDE. Elle n’a pas tout de suite saisi le caractère particulier de Séville. C'est au travers
de la danse flamenco que la révélation se fit à elle. Son regard sur la belle Andalouse prit une dimension sublimée. Elle était envoûtée par el cante (le chant), puis el baile (la danse) et enfin par el toque (la musique), cet ensemble formant le Duende. Ainsi, c'est avec une émotion troublante qu’elle photographiait Séville, imprégnée par tous ces éléments puissants et bouleversants.
Sa démarche tourne toujours autour du temps. Il y a la définition universelle du temps, mais
aussi la perception personnelle que nous en avons "Un homme pressé" donne à penser que cet homme , qui peut être, rentre chez lui, n'a pas conscience de sa vie chimérique et n'est pas encore à l'âge de la méditation. "l Errance ", beaucoup plus sombre, renvoie à une réalité cruelle, ne laissant de nous que des formes vouées à être absorbées par le temps.
Dans ses créations photographiques, il recherche la richesse des couleurs et l’originalité. Tel un peintre, il joue sur la disposition des diverses sources de lumière artificielle et utilise les réglages d’appareil d’une manière non conventionnelle. Ses séries de prédilection sont « Créations de Lumières » et « Imaginaire ». Dans celle-ci, les œuvres sont travaillées en négatif : les effets recherchés sont les contrastes de lumière et de couleur, à la fois réalistes, picturaux et réfléchissants.
Outre des scènes de vie, ce sont surtout les regards qui s'imposent dans sa peinture. Des regards vrais, saisissants et sans fard, qui l'emplissent d'émotion. Elle commence d'ailleurs, par construire le tableau par cet essentiel.
Elle pratique la céramique depuis 8 ans et le verre depuis 2 ans..
Dans un monde de plus en plus complexe, son questionnement n’est pas « D’où viens –je, Qui suis-je, Où vais-je ? » pour paraphraser les philosophes antiques, mais plutôt « Quelle est ma place en ce monde, ici et maintenant? » Il dépeint dans ses constructions cet univers foisonnant où l’individu se trouve souvent en position d’étrangeté, seul face à ce questionnement, à l’image des personnages égarés de Jacques Tati. Rester dans sa boîte ou en sortir, tel est le dilemme.
Nous portons tous en nous des paysages selon notre histoire, notre sensibilité. Son travail explore cette notion à travers différents médiums (peinture, estampe, collages, installations), traitant le paysage comme un « autre intérieur », sorte de cartographie intime dans laquelle se mêlent paysages vécus et imaginaires.
Elle puise son inspiration dans la nature, une nature qui lui transmet beaucoup d’émotions et la transporte.
Ce qui l’intéresse n’est pas de représenter fidèlement l’arbre mais de faire des choix dans ce que celui-ci propose et transmet. De plus, Il travaille en noir et blanc car c’est l’ombre et la lumière qui le préoccupe. Son travail s’approche d’un certain réalisme lyrique.
Les organiques est une expérimentation esthétique dans laquelle elle utilise deux procédés anciens de photographie: le photogramme et le cyanotype. L’image s’écrit à la lumière du soleil et se révèle dans l’eau. Cette l’interaction de l’eau et de la lumière existe autant dans la mise en œuvre de la technique que dans le résultat obtenu: des espaces liquides, flottants, mouvants, fluides, ouverts à l’interprétation de ceux qui les regardent.
En utilisant le médium photographique, elle poursuit une recherche sur la mémoire.
Ma démarche photographique c'est de trouver l'abstraction à travers des images figuratives ou composées que je présente de préférence sous forme d'installation pour conforter le sens que je souhaite donner à mon travail.
Lorsque la lumière est filtrée à travers les feuillages des arbres, la forme de la lumière se transforme en d'innombrables ronds sur les personnages, les surfaces, donnant vie et mouvement. 
Elle a toujours été fascinée par l’art de la lumière.
Brigitte Cabell s'est toujours adonnée à la peinture parallèlement à son métier de cardiologue. Elle a été, entre autre, l'élève d'Alfred Sarda.
A travers les différents strates de papier d'origines multiples, j'essaie de rendre la création d'une personnalité, bien que j'élude celle-ci afin que chacun puisse se retrouver dans ce travail.
Au-delà de la belle surface des choses, des couleurs luxuriantes des couleurs comme des brillances des verts végétaux, dans un va et vient, elle nous entrouvre les voies à emprunter vers un monde noué, caché, là où les respirations sont différentes des nôtres, là où ça tournicote, ça disparaît dans un brouillard, un fouillis, dans des imprécisions voulues qui ne sont en rien de l’inachevé. Solange Carvalho aime montrer ce qui lui échappe. Quand le motif disparaît, elle le poursuit, le reprend, le laisse encore partir. C’est là que la peinture nous emmène quelque part, dans les territoires des sensations. Natalie Mei, Area revues, novembre 2012
Le groupe humain, le tragique de la condition humaine, sa fragilité est un thème de travail exploré au travers de différentes matières : bronze, bois, plâtre, métal, pâte de verre.
Le groupe humain, le tragique de la nature humaine, la fragilité de l'humanité est un thème de travail exploré au travers de différentes matières : cire, bronze, plâtre, bois mais avec une prédilection pour le lent processus et l'aléatoire de la pâte de verre.
Pour explorer l'impalpable, la fragilité, le doute, les limites des certitudes de l'être humain, et sa résistance aussi : le verre. Ici, c'est de la pâte de verre moulée à la cire perdue, choisie pour son opacité et sa transparence, sa prédisposition à jouer avec la lumière et à l'accueillir. Rencontre-surprise récente, née d'un "pourquoi pas ?", rencontre-révélation, la pâte de verre est devenue matériau de prédilection avec son lent processus de fabrication.