Conserver la trace du passage, afficher ses forces, ses faiblesses, sa douleur et sa violence. Revendiquer l'erreur, le non-fini et ouvrir la porte de l'incertitude. Révéler le confus pour mieux percevoir la lumière de la vie, saisir l'instant sans rien choisir que sa beauté.
Dans la continuité de son travail pictural centré sur l'homme (Boat People-Satis-Anonymes etc.) Marie-Claude Bohnenblust fait une recherche spontanée à l'aide du monotype. Elle suggère là encore des silhouettes à la limite de l'abstraction. Le trait, la tache, jouant entre ombre et lumière, sont appliqués sur la plaque de gravure. L'impression étire les formes, donnant force et nuances, elle révèle librement le sens.
"C'est ce que je fais qui m'apprend ce que je cherche"
SOULAGES
Etre le héros de notre espace intérieur, héros des fôrets profondes qui peuplent ce continent, inconscient et superbe.
"C'est ce que je fais, qui m'apprend ce que je cherche". Pierre Soulages
Alvaro Botez est né en juin 1944, à Lisbonne au Portugal. Il est de nationalités française et roumaine. Il vit et travaille à Paris depuis 1980. Depuis 1985, participation à 120 expositions de groupe, 10 expositions personnelles. Travaux de sculpture monumentale dans 5 symposiums internationaux
Curieuse de l’organique, atteinte de la nécessité de connaître l’intérieur des éléments, j’ai eu besoin de créer pour mieux extérioriser ces mystères. Ce premier travail, axé sur la terre, s’est transformé en découverte du verre. Passage d’un mystère à l’autre ... L’achat du premier four et c’est le mystère de la transformation du minéral, du processus de liquéfaction et solidification et des expériences hasardeuses, heureuses ou pas. Le verre, c’est en même temps, le dehors et le dedans, plus ou moins le reflet du visible, au gré de la lumière et de la trace ou de l’empreinte de ce visible et du travail à sa surface. Les jeux sont multiples, parfois inattendus, la démarche toujours passionnante , la création permanente.
Je suis une glaneuse, une ramasseuse...Avec la rigueur d'un ethnologue, je prélève fragments, résidus et déchets du travail d'atelier et les préserve précieusement. Ces trouvailles racontent chacune leur propre histoire. Elles sont comme des outils de recherche, à la fois répertoire de formes, études, archives, sources narratives... Autant d'éléments de vocabulaire plastique qui témoignent de ces moments de vie et de création que je restaure.
Je m'intéresse au passage et à la trace que l'on laisse derrière soi car c'est elle qui permet la transmission. Ma démarche est comparable à celle d'un ethnologue qui procède par des collectes pour comprendre une société. J'essaie de retenir le monde par ce qui est à la fois une collection, une accumulation et un inventaire. En gravure, ma recherche actuelle se traduit dans la série des "Pierres de rêves". Si les pierres semblent figées dans le temps, leurs strates sont le signe de leur évolution perpétuelle, constituant ainsi une sorte de mémoire vive de la planète. Entre croyance spirituelle ou magique et expérimentation scientifique, les "Pierres de rêves" relient l'inerte à l'organique et réinjecte du merveilleux et de la magie dans la banalité du quotidien.
Le projet peintures écrites a débuté il y a huit ans. Aux confins des arts plastiques et de la philosophie, il se résume en un geste : celui d’écrire, de recopier sur toiles des textes tirés du patrimoine de l’humanité.
Pris dans un mouvement plus vaste dans lequel l’image partout supplante le texte, ce dernier ne se sauve qu’en devenant à son tour objet de peinture comme ce fut le cas dans d’autres traditions. C’est alors que les mots, les phrases, les chapitres, les alinéas, les points de suspension prennent sens dans l’espace. Les uns montant, les autres descendant, dans le cercle, le carré, la courbe et la droite. Les textes tentent de sauver leur peau en prenant la pose, en jouant les paysages.
Geste artisanal qui s’inscrit dans une durée lente contre l’immédiateté du copier/coller. Geste héroïque contre la société du stockage de masse. Geste ironique contre la puissance de l’oubli. Geste ancestral qui nous ramène aux sources de l’homme, de l’écriture, révolte du manuscrit contre le tapuscrit.
Tous ces textes que je choisis de mettre en scène, je les ai d’abord eus en bouche avant que de les avoir en main. Professeur de philosophie, je conçois les peintures écrites comme la poursuite de mon enseignement, un acte philosophique tout autant qu’artistique.
Se poser au milieu de la place publique, dans les salons, les galeries, mais aussi étendre la trame des textes dans l’espace urbain, murs, immeubles, escaliers, comme cela fut fait en collaboration avec l’artiste JR pour le projet Épictète prend l’air.
Le but est toujours le même : donner à voir ce qui disparait, sous le flot tumultueux des images et des paroles qui s’annulent les unes les autres.
Guillaume Bourquin
"Le premier homme d'aprés le roman du même nom d'A. Camus" - Encres vernies sur toile - 70x93
Elémentale et frontale. C'est physique, c'est du concret. Dynamisme du corps aux prises avec la peinture. Les signes graphiques des éléments symboliques du Midi- ‐ souffle du Mistral, poussée des vignes, ancrage de la roche calcaire, le cyprès ou le pin qui s'élance ou s'étale - ‐ sont inscrits sur des formes colorées où taches et coulures sont opérées avec composition et hasard. Le motif est la montagne et ses contreforts, le sujet - ‐ en aplats, coulures et traits - ‐ interventions superposées des mouvements élémentaux et corporels, visibles ou invisibles, en tension sur la toile aux limites repoussées. J'ai une relation synesthésique à la nature. Entre abstraction et Biguration, mon travail est issu de l'inBluence de la roche de Giotto, de la Sainte- ‐ Victoire de Cézanne;de la touche délicate de Bazaine, et du mouvement de Pignon, de l'expressionnisme américain des années 50, contemporain de Sue Williams, John Hoyland ou Per Kirkeby et de cette plaine à l'est d'Aix-en-Provence, fouettée par le Mistral et écrasée par la Victoire, dans ce Midi rude où j'ai mes origines ancestrales.
Entre abstraction et figuration, mon travail est issu de l'influence expressionniste de la peinture américaine des années 50, de l'expressionnisme contemporain de Sue Williams, John Hoyland ou Per Kirkeby et de cette plaine à l'est d'Aix-en Provence, fouettée par le Mistral et écrasée par la Victoire, dans ce Midi rude où j'ai mes origines ancestrales.
Née en 1959 à Aix en Provence, vit et travaille à Paris et en Provence. Raphaëlle Boutié a toujours porté la peinture en bandoulière : maîtrise de Lettres classiques (Paris IV-Sorbonne), ateliers des Beaux Arts de la ville de Paris. Oeuvres présentes dans de nombreuses collections privées.
Au travers de sa sculpture, Isabelle Brault cherche à jeter un pont entre hier et aujourd'hui, nous faisant partager une émotion viscérale à l'égard des formes simples et puissantes, empruntes de l'histoire des hommes ou de nos propres souvenirs. Ses oeuvres, sur lesquelles l'usure du temps peut laisser harmonieusement sa trace en y ajoutant même une plus-value spirituelle, sont toutes imprégnées de valeurs ancestrales, avec en filigrane, un éloge de la lenteur et de la contemplation. Isabelle Brault a reçu plusieurs prix et expose réguliièrement depuis plus de 10 ans.
Né autour du lac Sebino en Italie, le vide plein du lac et des montagnes ont inspiré malgré moi ma démarche artistique de peinture et d'écriture.
Entre ombre et lumière l’œuvre du peintre de Bergame Gianbattista Bresciani héritier des Giorgio Morandi et de Bram Van Velde : œuvre d’un temps suspendu, du silence et du chant intime de la terre. Une quête entamée de l’enfance et qui n’en finit pas de creuser cet espace du dedans qui transcende avec une rigueur sans faille les formes qui pourraient distraire de la voie qui fait sens, nourrit l’homme et son œuvre. Une peinture à la fois sans concession et généreuse, qu’illumine une ferveur quasi monacale.
Florent Founès
Le graphisme vif et puissant, affirme l'importance capitale du mouvement qui anime ces femmes surprises dans la simplicité de leur vérité, dans l'intimité d'attitudes où les corps, libérés de fade pudeur et de toute pesanteur, semblent porteurs d'expressions chorégraphiques. Car c'est de passion qu'il s'agit, exprimée par une fulgurance vigueur et une talentueuse lucidité.
Variations sur l'eau ... L'eau peut être le prétexte à exprimer quelque chose d'invisible dans un mouvement intemporel, du temps, de l'infini. Rendre la sensation qu'on éprouve devant l'eau ... Ne pas la peindre mais la dépeindre.
Formation aux Arts décoratifs. Carrière d'enseignante de peinture au lycée Sainte Genevière (classes préparatoires aux Grandes Ecoles) de Versailles. Expositions personelles et de groupe, depuis le début des année 80. Présente dans des collections privées en France, en Allemagne, en Belgique, aux Etats Unis, au Japon et en Suisse.
Le graphisme vif et puissant, affirme l'importance capitale du mouvement qui anime ces femmes surprises dans la simplicité de leur vérité, dans l'intimité d'attitudes où les corps, libérés de fade pudeur et de toute pesanteur, semblent porteurs d'expressions chorégraphiques. Car c'est de passion qu'il s'agit, exprimée par une fulgurance vigueur et une talentueuse lucidité.
Nourritures divines ou terrestres, les sculptures organiques de Denise Brimson nous entraînent dans un univers gorgé de vie et de désir. Exubérance maîtrisée par un peu de dérision, beaucoup d’humour et de poésie. C’est avec ces épices essentielles, à travers des formes voluptueuses de « fruits » mûrs ou racornis, desséchés par le temps, que ses oeuvres expriment, au rythme des saisons, le cheminement fragile de cette petite graine porteuse de vie et d’espoir.
Vit et travaille à Paris, son atelier est situé à Fontenay sous Bois. Depuis de nombreuses années, elle s'est fait reconnaître dans le monde de la création de mode par ses créations. Ses sources d'inspirations ont toujours privilégié la recherche de formes simples colorées. Depuis quelques années, son travail de création s'est ouvert au domaine du dessin. La technique employée ici, est le pastel gras sur papier.
Vit et travaille à Paris, son atelier est situé à Fontenay sous Bois. Depuis de nombreuses années, elle s'est fait reconnaître dans le monde de la création de mode par ses créations. Ses sources d'inspirations ont toujours privilégié la recherche de formes simples colorées. Depuis quelques années, son travail de création s'est ouvert au domaine du dessin. La technique employée ici, est le pastel gras sur papier.
Les végétaux que je prélève dans la nature conservent des traces de vie, d'élans, de blessures. J'en épure les formes pour trouver le mouvement premier. Je les enroule dans des fils de soie, réinvente les couleurs, les lumières, les transparences qu'ils ont perdues.Exprimer ainsi la vie intérieure de chaque être et le mouvement perpétuel du monde où vie et mort se rejoignent.
Le végétal est au centre de mon travail. Je prélève dans la nature des branches qui constituent la matière de mes sculptures. Les végétaux conservent des traces de vie d'élans, de blessures. Vent, soleil, pluie, gel, sécheresse. Douceur et violence. J'en épure les formes pour retrouver le mouvement premier, les enroule dans des fils de soie, réinvente les couleurs, les lumières, les transparences qu'ils ont perdues. Exprimer ainsi la vie intérieure de tout être, et le mouvement perpétuel du monde, où vie et mort se rejoignent.
Corinne Burgorgue vit et travaille à Saint Nom la Bretèche. Elle travaillait principalement la terre, mais depuis que son four a rendu l'âme, elle s'est lancée dans le "paperclay", la ferraille, le plâtre et "récup" ; enfin tout ce qui lui tombe sous la main. Plutôt animalier et très concernée par le regard de ses bêtes elle donne à chacune de ses créations un nom en jouant avec les mots.
Brigitte Cabell s'est toujours adonnée à la peinture parallèlement à son métier de cardiologue. Elle a été, entre autre, l'élève d'Alfred Sarda.
A travers les différents strates de papier d'origines multiples, j'essaie de rendre la création d'une personnalité, bien que j'élude celle-ci afin que chacun puisse se retrouver dans ce travail.
Au-delà de la belle surface des choses, des couleurs luxuriantes des couleurs comme des brillances des verts végétaux, dans un va et vient, elle nous entrouvre les voies à emprunter vers un monde noué, caché, là où les respirations sont différentes des nôtres, là où ça tournicote, ça disparaît dans un brouillard, un fouillis, dans des imprécisions voulues qui ne sont en rien de l’inachevé. Solange Carvalho aime montrer ce qui lui échappe. Quand le motif disparaît, elle le poursuit, le reprend, le laisse encore partir. C’est là que la peinture nous emmène quelque part, dans les territoires des sensations. Natalie Mei, Area revues, novembre 2012
Le groupe humain, le tragique de la condition humaine, sa fragilité est un thème de travail exploré au travers de différentes matières : bronze, bois, plâtre, métal, pâte de verre.
Ce travail a donné lieu à plusieurs séries dont la série "Humanité". Marie-France Casellas a été élève de Léopold Kretz à l'Ecole nationale supérieure des Beaux Arts de Paris et travaille actuellement à l'atelier de Paul Flury à Montreuil.
Le groupe humain, le tragique de la nature humaine, la fragilité de l'humanité est un thème de travail exploré au travers de différentes matières : cire, bronze, plâtre, bois mais avec une prédilection pour le lent processus et l'aléatoire de la pâte de verre.
Pour explorer l'impalpable, la fragilité, le doute, les limites des certitudes de l'être humain, et sa résistance aussi : le verre. Ici, c'est de la pâte de verre moulée à la cire perdue, choisie pour son opacité et sa transparence, sa prédisposition à jouer avec la lumière et à l'accueillir. Rencontre-surprise récente, née d'un "pourquoi pas ?", rencontre-révélation, la pâte de verre est devenue matériau de prédilection avec son lent processus de fabrication.
La fragilité de l'humain que Catherine Cayla recueille lui crée une émotion telle, qu'elle a besoin de ressortir, de se matérialiser. En triturant la matière, la faisant exister dans toutes ses nuances et ses limites, elle sent qu'elle s' approche de cette émotion. Des corps et des fragments de corps se font, se défont et finissent par affronter le vide.
CHRISTIN, fascinée depuis toujours par ce qui éclaire : soleil, lumières, facettes, miroirs, reflets, vitraux, mandalas, magie, théâtre…, voyage dans un autre monde, comme Alice de Lewis Caroll traverse le miroir.
C’est un mouvement hallucinatoire qui traverse son œuvre, propre à évoquer le spectacle des lieux utopiques et labyrinthes perpétuels dans une confusion de reflets. Les effets d’optique déplacent notre attention dans un temps onirique fait de mirages colorés. L’interaction harmonique des couleurs affecte l’espace qui semble tantôt surgir tantôt être absorbé dans l’infini de la matière. Raison et déraison, sens et non-sens sont évacués d’un univers qui semble en constante formation. Elle réalise ses photographies manuellement à partir de ses peintures manipulées avec miroirs et objets. Tout s’imbrique et se complète pour attraper et emporter au loin.
Pour tenter de comprendre la méthode de travail de Claude Cerf il faut réaliser qu'il ne fait qu’un avec la matière durant toute la période de gestation jusqu’à ce que l’œuvre lui échappe, et que la matière prenne le relais de sa parole et de son subconscient. Alors surgissent des formes douces ou arrachées, des volumes pleins ou vides, nous rendant visible un monde nouveau, une pensée très personnelle, le tout empreint d’un grand symbolisme.
Il fait preuve dans son travail, d’une grande liberté, refusant de se soumettre à des lois extérieures. Il trace son chemin avec la simple volonté de transcendance.
Il nous fait partager son univers de rêve, de beauté, d’émotion; avec lui nous nous évadons du quotidien, il nous permet de sortir de nous-mêmes, ses œuvres nous interrogent, c’est à nous de répondre.
Il a participé depuis de nombreuses années à des expositions, le plus souvent personnelles, ou en partageant avec des amis peintres, sculpteurs ou photographes lorsqu’il estimait que leur travail était en résonance avec le sien.
On peut trouver des œuvres de Claude Cerf dans plus de 250 collections particulières
De la pierre, des blocs, hasards de l’extraction ou conséquences de l’érosion que je vais chercher dans les carrières. Utiliser, détourner, explorer, transformer le volume brut. Mon travail est un mélange de confrontation et d’échange voire de connivence avec la matière qu’elle soit réelle avec le marbre ou depuis peu virtuelle avec la 3D.
De la pierre, des blocs, hasards de l'extraction ou conséquences de l'érosion que je vais chercher dans les carrières. Utiliser, détourner, explorer, transformer le volume brut. Mon travail est un mélange de confrontation et d'échange voire de connivence avec la matière qu'elle soit réelle avec le marbre ou depuis peu virtuelle avec la 3D.
De la pierre, des blocs, conséquences de l’érosion ou hasard de l’extraction dans les carrières. Utiliser, détourner, transformer ces volumes naturels. Le travail de Ch'ron est un mélange de confrontation et d’échange voire de connivence avec la matière brute naturelle.
De la pierre, des blocs, conséquences de l’érosion ou hasard de l’extraction dans les carrières. Utiliser, détourner, transformer ces volumes naturels. Le travail de Ch'ron est un mélange de confrontation et d’échange voire de connivence avec la matière brute naturelle.