Isabelle Mignot
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2019
Les flots de l'âme et du coeur, au fil des jours ... Telle est sa principale source d'inspiration. Quels que soient les matériaux et supports utilisés pour ses peintures où se mêlent abstraction et figuration allusive, ne faire qu'une chose : ouvrir des fenêtres sur nos vies, nos envies, nos idées, nos amours, nos émois, en transparences, fusions, effusions, superpositions, couleurs et mouvements, caresses ou griffures, envols, débordements, musique et silences ; se dévoiler, nous dévoiler.
Le papier est au centre de sa démarche artistique. Dans son processus de création, deux actions se succèdent : l’accumulation puis la désagrégation du papier. 
La transformation de toutes sortes de papier est au cœur de la démarche artistique de Cécile Morin-Verdier. Utiliser cette matière à la fois fragile et résistante, pour exprimer le temps qui passe et la recherche des souvenirs qui s’estompent. Au-delà de ces métaphores, son travail -situé entre la peinture et la sculpture- a aussi pour objectif de redonner vie à des « papiers éphémères »
Le papier, matière à la fois fragile et puissante, est au centre de mes recherches. Il reste toujours une trace de son passé, mais la transformation est bien là. On entre-aperçoit ainsi les traces de couleurs ou d'écriture laissant libre-cours à notre imagination.
Utiliser du papier magazine pour représenter le temps qui passe et son impact sur notre mémoire. Situées entre la peinture et la sculpture, les réalisations de Cécile Morin-Verdier sont aussi un questionnement sur la transformation et l’aspect du papier et principalement celui de magazines. L’accumulation, le collage, la compression, la déchirure sont les gestes qui vont contribuer à cette métamorphose.
« Dans les peintures de Nicolas Nief, rien n’est tout à fait solide. L’espace y est flottant, fait d’interférences et de chevauchements de champs colorés, de limites qui s’additionnent et s’entrecroisent. L’ordonnancement géométrique de la surface, la matière et la lumière se combinent pour échafauder un mouvement de va-et-vient entre le plan du tableau et un horizon suggéré. Il se fait géologue en débusquant les strates de ses explorations, cartographe en inventant une grammaire de l'image.
«Dans sa peinture rien n’est tout à fait solide. L’espace y est flottant, fait d’interférences et de chevauchements de champs colorés. L’ordonnancement géométrique de la surface, la matière et la lumière se combinent pour échafauder un mouvement de va-et-vient entre le plan du tableau et un horizon suggéré. Chacun de ses tableaux résulte d’une succession d’opérations - transferts, arrachages, surimpressions - qui introduisent une part de jeu et de hasard. Il se fait géologue en débusquant les strates de ses explorations, cartographe en inventant une grammaire de l'image.
Sa recherche photographique fait partie intégrante de sa démarche artistique et picturale. Elle aime ce qu'il y a d'éphémère, d'unique dans chaque recherche. Elle ne retrouvera peut-être jamais la même lumière que celle qui lui a permis de réaliser ces photos.
« Attendre que le soleil tourne un peu et dévoile de nouvelles visions d'arabesques et de dentelles; Et puis essayer de les capter, d’en faire des tableaux aboutis, en prenant mon temps pour qu'ils soient bien cadrés, que les couleurs, la lumière, et les formes s’équilibrent, qu’il n’y ait rien à retoucher... »
Elle s’est toujours intéressée aux gens et a toujours aimé les observer. C’est pour elle une source inépuisable de plaisir et d’inspiration. Elle est particulièrement sensible à ceux auxquels on ne prête pas attention, comme par exemple les personnes âgées ou ceux qui expriment ce qu’il y a de fragile et de vulnérable en nous. En peinture et gravure, elle cherche à ne pas trop en dire, à laisser la place au flou, à l’ambigu, au mystère. J’aime aussi l’humour et raconter une histoire.
Nicole Parent est particulièrement sensible à ceux auxquels on ne prête pas attention, par exemple les personnes âgées ou ceux qui expriment ce qu’il y a de fragile et de vulnérable en nous. Elle cherche à ne pas trop en dire, aime l’humour, raconter une histoire. Elle aime l’idée que celui qui regarde y trouve du plaisir, s’y reconnaisse et soit à la fois intrigué et troublé.
Plus elle avance dans ses recherches, plus elle est bouleversée par le spectacle de la nature sous toutes ses formes. Celle-ci lui parle de la pesanteur et de la grâce, de la beauté aussi, de façon métaphorique, à l'heure où la réflexion sur l'écologie et l'avenir de notre terre est plus que jamais présente. C'est son engagement en tant que peintre. Le rapport de ses recherches picturales avec la poésie est de plus en plus essentiel.
Elle est fascinée par les liens, les lignes et les connexions qui sont ses sources d’inspiration. Les formes qu’elle peint sont douces et ovales, souvent par deux, elles sont comme des conversations. Le maillage auquel elles sont reliées laisse entendre une possible continuité, un assemblage infini, ainsi qu'une délicatesse qu’elle met en évidence en travaillant sur un nouveau support, la Tarlatane. L’irrégularité du tissage ainsi que sa transparence, laissent entrevoir sa légèreté, sa finesse .
“Françoise Peslherbe pratique le photomontage avec un humour corrosif et dévastateur, ce qui n’exclut pas des pages d’attendrissement et de sentimentalisme. Elle observe ses semblables et leur environnement, saisit des expressions, des éclairages, des détails invisibles du plus grand nombre, les détourne et leur donne un tout autre sens. Chacune de ses compositions est un fragment d’une étude sociétale qui remet en cause les habitudes et la façon d’appréhender notre quotidien(…) 
La curiosité l’anime chaque jour davantage pour explorer de nouvelles matières qui l'entraînent vers de nouveaux sujets.
Curieuse de tout ce qui est matière, elle se passionne pour de nouvelles techniques qui la font sortir de sa "zone de confort" pour exprimer sa créativité en 3 dimensions. Ce qui la passionne aujourd'hui c'est le grillage...
Elle livre des tableaux sous forme de scénettes colorées, denses, calmes, presque enfantines pour témoigner, comme un arrêt sur image, des maux de notre société, de nous-mêmes, d’elle-même.
Le travail de peintre, illusion du volume dans l’espace, l’a attiré vers l’expression d’une matérialité et poussé vers l’aspiration à mettre en réel ces volumes. Sa sculpture va vers une dématérialisation de l’objet pour traduire dans l'espace la trace laissée par ses mouvements. Le mouvement qui nous rapproche de l’origine de la matière. Le vide est essentiel, comme dans l’espace, pour nous projeter vers la contemplation. Le désir de s’échapper de la pesanteur le conduit dans l’atelier.
De l'ombre à la lumière sur la surface
Intime-Extime. 
Les transparences de l'encre et de l'acrylique traduisent sur le papier la légèreté et l'informel de ses compositions.
Intuitions et émotions sont les seuls guides de son élan créatif. Intime/Extime. C'est l'intérieur qui s'exprime - qui se laisse regarder, l'intérieur qui prend la parole. L'encre exprime la fluidité du ressenti obligeant la main au lâcher-prise.
Faisant écho aux œuvres de Paul Klee, Mark Rothko, Cy Twombly, Nicolas de Staël voire même Lukas Kandl, les tableaux tant abstraits que figuratifs de Chantal Spender oscillent entre l'aléatoire et le construit avec une pléthore d'écritures plastiques et de contrastes de couleurs pour traduire "les traces émotionnelles" de sa mémoire.
Faisant écho aux œuvres de Paul Klee, Mark Rothko, Cy Twombly, Nicolas de Staël voire même Lukas Kandl, les tableaux tant abstraits que figuratifs de l'artiste Chantal Spender oscillent entre l'aléatoire et le construit avec une pléthore d'écritures plastiques et de contrastes de couleurs pour traduire "les traces émotionnelles" de sa mémoire. Sarah Noteman, critique d'art
Née à Paris, ingénieur en aménagement urbain, puis consultante en communication institutionnelle, je me consacre totalement à la peinture depuis 2002. Je vis maintenant dans le Nord de la France. Je ne m'impose pas de programme stylistique particulier. D'une toile à l'autre, je passe de la figuration à l'abstraction. Je m'en tiens aux impulsions de mon inspiration et aux exigences de mon œil. Dans l'agencement des couleurs et des espaces, je cherche à atteindre l'équilibre. Une maxime : le rêve comme la peinture, la peinture comme le rêve.
On cherchant tout ce que constitue le dessin, elle s’est aperçu que les repentirs dévoilent autant l’esprit de l'artiste que l’œuvre fini. On peut voir les étapes de la pensée, l'hésitation, la fragilité, la force.Donc elle ne cache plus les étapes, elle s'en délecte.
L’instantané du photographe, le moment précis où il passe à l’acte, où il franchit la ligne, où on prend une décision…que la marée change.
Je propose un travail sur les terrils et des mines de charbon du nord d'angleterre à côté duquel je suis née. Les terrils sont construisent avec tous les résidus de la mine - le charbon, l'anthracite, le graphite, le goudron et c'est avec ces matériaux que j'ai fait mes dessins. Les terrils sont d'un noir satiné métallique et le damage au bulldozer marque les côtes de dessins au reflets changeante comme un tissus damassé au fils d' argent.
Je travaille beaucoup avec le graphite sur zinc ou comme cette année sur papier. Le sujet est des paysages autour des mines de charbon. La brillance du charbon et ses refets, sa couleur noir avec la lumière blanche, en hiver la neige à côté des murs noirs ou le bonhomme de neige qui n'est jamais blanc ou les herbes qui absorbent la suie. Les gestes essentiels dans le dessin pour sentir l'environnement ; de près, les marques au sol sur les terrils ou de loin les collines des corons.
Cette année, Christine Sutton s'est concentrée sur ses bases de dessin. Elle est revenue sur ses origines au petit village dans le Yorkshire et les paysages des mines de charbon. Les gestes essentiels dans le dessin pour sentir l'environnement - de près les marques au sol sur les terrils ou de loin les collines des corons - de près les changements de brillance du charbon de loin les nuages de suie mate .
Assemblés, pliés, collés, enfouis, les messages fossilisés entrent en contiguïté. Vestiges d'une activité débridée, la phrase, le texte se dressent silencieux, impossible à déchiffrer. Peu importe, il ne s'agit plus de lire, de feuilleter mais de regarder un quotidien pétrifié, d'imaginer une "vie dans les plis". La nature a pris les mots, il te reste spectateur-promeneur que du bois et des feuilles. Veritas 
Le collage n’est jamais pour Isthme un art mineur mais un travail d’exploration de la peinture et de la couleur sous d’autres formats et supports. Peignant sur papier des mêmes pinceaux et des mêmes tons que ses toiles du moment, elle les fragmente ensuite d’un seul geste aléatoire. Là, chaque élément à sa place dans l’ensemble, et le plus minuscule morceau révèle la plénitude du tout. Le résultat est inattendu mais extrêmement précis et l’œil d’Isthme est un étalon secret qui sait la mesure.
Longtemps les oeuvres d'Isthme ont eu un rapport étroit avec l'eau, l'estuaire, la mer et les traversées de l'océan que l'artiste a effectué plusieurs fois. Ses toiles où les vagues nous attirent, ses dessins où les roseaux se penchent, où les vagues, encore, deviennent graphisme, en sont les témoins. Isthme a repris cette idée de paysage dans ses oeuvres récentes. Le paysage est plus que quelques éléments identifiables, un horizon, des collines à perte de vue, quelques arbres. Le paysage devient couleur, lumière, formes qui s'ouvrent composées à nos yeux. Ici, Isthme nous transporte dans un paysage urbain nocturne.
Son travail commence avec les prises de vue « in situ », ici la forêt domaniale de Bellême. Les photos sont cadrées de telle façon que le ciel et la terre restent invisibles, les arbres forment une masse où seule la lumière pénètre et vient se réfléchir sur les feuilles . Le direction et l’orientation des feuillages, des troncs et branches sont imprécis, on peut regarder les photos dans plusieurs sens sans altérer la logique de l’image. Elle passe ensuite à la peinture à l’huile sur toiles de grandes tailles et d’après les photos.
Il crée des livres d'artistes et des livres objets. Livres sculptures, livres d'art brut ou livres inspirés des civilisations anciennes. Chaque création est pensée comme une œuvre originale. De formes abstraites, ses livres sont conçus avec un maximum de simplification afin d'obtenir un résultat dépouillé et équilibré en adéquation avec le texte. Pour l'élaboration de pièces uniques, il lui arrive de détourner la forme, le vieillissement, les défauts ou le contenu de livres déjà existants.
Dans l’esthétique japonaise, l’accent est mis sur l’asymétrie plutôt que sur la symétrie et l’espace n’est pas considéré comme un vide à combler mais comme un élément d’équilibre. On retrouve cette idée dans une œuvre musicale où les silences font aussi partie de la musique. 
Gabrielle Buffet, militante du dadaïsme, avait donné une définition pertinente sur le regard que l'on peut avoir sur une œuvre : "L'œuvre existe, sa seule raison d'être est d'exister. Elle ne représente rien que le désir du cerveau qui l'a conçue. Les inventions de la nature nous charment sans qu'il soit question devant elles, de raisonnement ou de raison d'être. Il faut (les œuvres) les regarder comme l'on regarde un arbre, un ciel, un paysage".
Dans l'esthétique japonaise, l'accent est mis sur l'asymétrie plutôt que sur la symétrie et l'espace n'est pas considéré comme un vide à combler mais comme un élément d'équilibre. On retrouve cette idée dans une œuvre musicale où les silences font aussi partie de la musique. Partant de ces principes, le travail de plasticien de Marc Vernier, inspiré des jardins japonais et du Bauhaus, est une recherche d'harmonie avec des jeux de matières (bois, métal, ardoise, papier) et une juste répartition de différentes intensités de noirs, de bruns, de blancs.
La complexité se construit sur des structures simples. Le travail de plasticien, graveur et créateur de livres objets est basé sur la dualité des formes, des textures et des matériaux : blanc/noir, mat/brillant, abstraction gestuelle/géométrique, surface lisse/surface rugueuse. L'artiste recherche l’équilibre et l’esthétique par l’emploi de moyens simples, associé à l’usage de matériaux accessibles : ardoise, sable, bois, papier, métal ... L’art des jardins japonais et le Bauhaus sont pour lui des sources d’inspiration.