Juliette Agabra
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2018
Elle utilise comme matériau toutes sortes de papiers imprimés et découpe des fragments d'images choisis pour leur couleur, leur forme, leur texture...
Elle crée ensuite, avec ces papiers pré-découpés, par petites touches des univers complexes, où les repères se dissolvent, à l’éclairage contrasté en jouant sur la couleur pour obtenir des effets de profondeur, d’instabilité, de mouvement.
Pierre de Lune et Rêve de pierre sont deux des gravures de la série des Pierres que l’on pourra voir plus en détail dans la section « Cabinet de curiosités « de mon site . Dans ce travail je me suis intéressée à explorer la matière de la pierre au plus près en me rapprochant de la surface. Naturellement on découvre que l’image obtenue peut aussi évoquer une vision macroscopique de l’univers. Dans le deux gravures ici présentées, la manière noire si lisse et douce est très proche de la douceur de l’agate , la pierre que j’ai essayé de décrire . Il en est sorti deux images étrangement oniriques qui m’ont raconté une nouvelle histoire plus personnelle que je n’imaginais pas au départ... Ce fut un voyage et pour le spectateur, j’espère, une invitation au voyage
Agrégation de manière intuitive d’éléments picturaux et graphiques qui peuvent paraître incompatibles mais qui associés, produisent des accords consonants ou dissonants. Ils sont cependant l’expression d’une émotion dans l’instant. L’image produite est unique et non reproductible. Association de travaux sur papier gravures, encres, dessins, monotypes.
Figures à la frontière de tout, au barrage de leurs propres corps.
Son inspiration première a été le corps humain. Travailler avec un modèle vivant. Partir du corps et zoomer de plus en plus. La peinture vient se mêler au charbon du fusain. Son émotion guide Son expression qui peut devenir plus ou moins abstraite. La peinture est liée à une certaine façon d'exister, les douleurs, les bonheurs, les absences, les silences. Aller vers l'essentiel dans l'urgence.
Avec la torche plasma, il faut reconnaître et saisir cet instant fugace de tous les possibles et décider par le geste d'orienter le sens. Elle aime ainsi ressentir la simplicité et la force d'une sculpture qui dit quelque chose une fois le calme retrouvé, après les découpes, les soudures, et les transformations finales.
J'achète à 10 ans mon premier bloc d'argile, et plutôt que d'étudier les Beaux Arts, j'ai choisi les sciences humaines et un parcours professionnel en organisation. Mais depuis toujours, je modèle, sculpte et apprends des autres, grâce à des stages (ENSBA) et dans plusieurs ateliers … Ainsi je découvre le métal en 2012 et l'état plasma de l'acier me fascine particulièrement. L'idée de l'objet préexiste, bien sûr à l'état d'esquisse, mais avec la torche, il faut reconnaître et saisir cet instant de tous les possibles et décider par le geste, d'orienter la destination, le sens. J'aime ainsi ressentir la simplicité, la force d'une sculpture qui dit quelque chose une fois le calme retrouvé, après les torsions et autres transformations subies.
Traduire poétiquement l'actuelle vision scientifique du vivant sur notre chère planète. Seules trois familles regroupent tous les êtres qui la peuplent : les bactéries, les archées et les eucaryotes, celle-ci comprenant les plantes, les algues, les champignons et les animaux, parmi lesquels, l'homme. Il me plaît de nous voir à notre juste place.Le petit œuf d'or symbolise l'essence de la Vie.
Son inspiration trace son chemin, en perpétuelle recherche de l’essence de l’être. Essence cachée sous l'écorce, métaphore du carcan qui nous protège et nous enferme à la fois.
Par la gravure, Hélène Baumel donne une représentation du monde minéral et végétal qui présuppose une acuité, une observation, un souci du détail à celui de la représentation de l'infinitude du paysage.
Ancienne élève de l'Ecole nationale supérieure des Beaux Arts de Paris, Hélène Baumel pratique la taille douce et la taille d'épargne dans l'atelier de gravure de Chaville et dans son atelier personnel à Orsay. Depuis 2014, elle donne des cours de gravure sur bois le samedi matin à l'Estampe de Chaville.
Graveur, Hélène Baumel est inspirée par la nature. Elle travaille essentiellement à l’aquatinte et au sucre. Elle réalise aussi des livres d’artiste en collaboration avec des poètes contemporains. Elle participe régulièrement à différents salons internationaux : le salon d’automne, la biennale de Chaville, Livres en mai, salon Pages, Livres à voir à Arras, triennale de gravures à Lisle sur Tarn.A obtenu plusieurs prix : prix du livre d’artiste au salon d’automne, prix de gravure au salon des artistes de la mairie de Paris, prix Jean Chieze en gravure sur bois.
« Je m’intéresse à la vulnérabilité de notre état d’humain et me risque à mettre à nu une part de ma propre vulnérabilité par le trait, le tracé, le geste créatif. Je griffe les supports comme pour une marque de résistance. La ligne parle d’elle-même, de la conscience de mon corps, de ma respiration, de mon souffle et donc de l’organisation de l’espace intérieur-extérieur. Une trace fragile et sensible telle une onde musicale, une musique intérieure vibrante, délicate et revendicatrice de sa propre existence.
Son travail est mixte : photos, dessins, impression sur aludibond puis gravure à la pointe sèche. Elle incise le support imprimé de lignes délicates et fines qui s'entremêlent par soustraction de la matière, une réappropriation du support, un geste contestataire qui donne à voir une nouvelle interprétation. Une libération par le geste.
La série DarkSide est une démarche photographique proposant une vision parcellaire et dynamique du corps féminin. Ce travail repose sur la juxtaposition des fragments du corps et de l'obscurité. Ces fragments constituent la part révélée de cette géographie particulière alors que l'obscurité progressive nous conduit vers l'absence de détail. Cette part obscure amène notre regard à reconsidérer l'ensemble comme un nouvel espace où l'imagination et l'émotion sont la base du mystère féminin.
A travers ses séries photographiques, il cherche des réponses de plus en plus intimes. Sa démarche reste instinctive bien qu’il se décide à structurer son œuvre, tout en versant vers une certaine forme esthétique très épurée. Seule l'émotion le conduit, et c’est ainsi qu’il navigue de l’abstraction où il explore l’intimité, à la représentation très graphique afin de relier cet imaginaire à la réalité. Il laisse toujours planer une certaine incertitude invitant le public à une réinterprétation personnelle.
Sa démarche consiste à éviter la représentation de quoi que ce soit.
Ses recherches s’appuient sur le souffle de vie au sein de la nature, végétale, minérale ou organique.
Dans la continuité de son travail pictural centré sur l'homme (Boat People-Satis-Anonymes etc.) Marie-Claude Bohnenblust fait une recherche spontanée à l'aide du monotype. Elle suggère là encore des silhouettes à la limite de l'abstraction. Le trait, la tache, jouant entre ombre et lumière, sont appliqués sur la plaque de gravure. L'impression étire les formes, donnant force et nuances, elle révèle librement le sens.
De la pierre, des blocs, hasards de l’extraction ou conséquences de l’érosion qu’il va chercher dans les carrières. 
De la pierre, des blocs, hasards de l’extraction ou conséquences de l’érosion que je vais chercher dans les carrières. Utiliser, détourner, explorer, transformer le volume brut. Mon travail est un mélange de confrontation et d’échange voire de connivence avec la matière qu’elle soit réelle avec le marbre ou depuis peu virtuelle avec la 3D.
De la pierre, des blocs, hasards de l'extraction ou conséquences de l'érosion que je vais chercher dans les carrières. Utiliser, détourner, explorer, transformer le volume brut. Mon travail est un mélange de confrontation et d'échange voire de connivence avec la matière qu'elle soit réelle avec le marbre ou depuis peu virtuelle avec la 3D.
De la pierre, des blocs, conséquences de l’érosion ou hasard de l’extraction dans les carrières. Utiliser, détourner, transformer ces volumes naturels. Le travail de Ch'ron est un mélange de confrontation et d’échange voire de connivence avec la matière brute naturelle.
De la pierre, des blocs, conséquences de l’érosion ou hasard de l’extraction dans les carrières. Utiliser, détourner, transformer ces volumes naturels. Le travail de Ch'ron est un mélange de confrontation et d’échange voire de connivence avec la matière brute naturelle.
Arpenter un chemin, faire un arrêt et se retourner...Poser un nouveau regard et imaginer un autre récit du parcours...Le processus de création se construit autour de cette intention. Le travail par séries lui permet de proposer plusieurs possibles et de trouver une cohérence. Se laisser surprendre par les monotypes, s'engager dans une écriture graphique improvisée et dans une sorte de lâcher-prise, tenter une libre expression gestuelle. Puis revenir au calme, à la recherche d'une rigueur ordonnée.
Sa démarche s'inscrit dans l'imaginaire et trouve son expression sur la ligne de partage entre abstraction et figuration. Son travail actuel s'attache à traduire l'expression de son ressenti face au végétal mais plus particulièrement en présence des arbres (isolés ou en groupe), de leur langage qu'il lui semble comprendre, des frémissements de lumière, des respirations qui les animent... Cette façon d'être de l'arbre, ce tutoiement qu'il lui impose." Moments de Forêt de Douce " est une série en référence au texte d' Erri De Luca : " Visite à un Arbre " dans Le Poids du Papillon Ed. Gallimard
Elémentale et frontale. C'est physique, c'est du concret. Dynamisme du corps aux prises avec la peinture. Les signes graphiques des éléments symboliques du Midi- ‐ souffle du Mistral, poussée des vignes, ancrage de la roche calcaire, le cyprès ou le pin qui s'élance ou s'étale - ‐ sont inscrits sur des formes colorées où taches et coulures sont opérées avec composition et hasard. Le motif est la montagne et ses contreforts, le sujet - ‐ en aplats, coulures et traits - ‐ interventions superposées des mouvements élémentaux et corporels, visibles ou invisibles, en tension sur la toile aux limites repoussées. J'ai une relation synesthésique à la nature. Entre abstraction et Biguration, mon travail est issu de l'inBluence de la roche de Giotto, de la Sainte- ‐ Victoire de Cézanne;de la touche délicate de Bazaine, et du mouvement de Pignon, de l'expressionnisme américain des années 50, contemporain de Sue Williams, John Hoyland ou Per Kirkeby et de cette plaine à l'est d'Aix-en-Provence, fouettée par le Mistral et écrasée par la Victoire, dans ce Midi rude où j'ai mes origines ancestrales. 
Entre abstraction et figuration, mon travail est issu de l'influence expressionniste de la peinture américaine des années 50, de l'expressionnisme contemporain de Sue Williams, John Hoyland ou Per Kirkeby et de cette plaine à l'est d'Aix-en Provence, fouettée par le Mistral et écrasée par la Victoire, dans ce Midi rude où j'ai mes origines ancestrales.
Née en 1959 à Aix en Provence, vit et travaille à Paris et en Provence. Raphaëlle Boutié a toujours porté la peinture en bandoulière : maîtrise de Lettres classiques (Paris IV-Sorbonne), ateliers des Beaux Arts de la ville de Paris. Oeuvres présentes dans de nombreuses collections privées.
Né autour du lac Sebino en Italie, le vide plein du lac et des montagnes ont inspiré malgré moi ma démarche artistique de peinture et d'écriture.
Entre ombre et lumière l’œuvre du peintre de Bergame Gianbattista Bresciani héritier des Giorgio Morandi et de Bram Van Velde : œuvre d’un temps suspendu, du silence et du chant intime de la terre. Une quête entamée de l’enfance et qui n’en finit pas de creuser cet espace du dedans qui transcende avec une rigueur sans faille les formes qui pourraient distraire de la voie qui fait sens, nourrit l’homme et son œuvre. Une peinture à la fois sans concession et généreuse, qu’illumine une ferveur quasi monacale. 
Le graphisme vif et puissant, affirme l'importance capitale du mouvement qui anime ces femmes surprises dans la simplicité de leur vérité, dans l'intimité d'attitudes où les corps, libérés de fade pudeur et de toute pesanteur, semblent porteurs d'expressions chorégraphiques. Car c'est de passion qu'il s'agit, exprimée par une fulgurance vigueur et une talentueuse lucidité.
Variations sur l'eau ... L'eau peut être le prétexte à exprimer quelque chose d'invisible dans un mouvement intemporel, du temps, de l'infini. Rendre la sensation qu'on éprouve devant l'eau ... Ne pas la peindre mais la dépeindre.
Ses sculptures prennent leur origine dans ses longues marches en montagne et sur les sentiers côtiers. Elle y prélève des végétaux dont les formes l'interpellent. Traces de vie, de blessures, douceur et violence. Elle en épure les formes, les assemble, ouvrant d'autres espaces où, peut-être, vie et mort se rejoignent.
Les végétaux que je prélève dans la nature conservent des traces de vie, d'élans, de blessures. J'en épure les formes pour trouver le mouvement premier. Je les enroule dans des fils de soie, réinvente les couleurs, les lumières, les transparences qu'ils ont perdues.Exprimer ainsi la vie intérieure de chaque être et le mouvement perpétuel du monde où vie et mort se rejoignent.
Le végétal est au centre de mon travail. Je prélève dans la nature des branches qui constituent la matière de mes sculptures. Les végétaux conservent des traces de vie d'élans, de blessures. Vent, soleil, pluie, gel, sécheresse. Douceur et violence. J'en épure les formes pour retrouver le mouvement premier, les enroule dans des fils de soie, réinvente les couleurs, les lumières, les transparences qu'ils ont perdues. Exprimer ainsi la vie intérieure de tout être, et le mouvement perpétuel du monde, où vie et mort se rejoignent.
Il crée des sculptures à taille humaine et élabore ses pièces à partir de récupération comme des ustensiles de cuisine, de jardinage, des pièces mécaniques, des conserves, du plastique, du verre, du bois, etc…Il essaye de préserver leur identité en leur donnant une nouvelle vie, une nouvelle réalité.
Il crée des sculptures à taille humaine et élabore ses pièces à partir de récupération : ustensiles de cuisine, de jardinage, des pièces mécaniques, du plastique, du verre, du bois. Il est inspiré par les animaux, l’humain et les matériaux qu’il utilise ainsi que par la bande dessinée, les années 80 et la période punk de ces années.
Je crée des sculptures à taille humaine. J'élabore mes pièces à partir de récupération comme des ustentiles de cuisine, de jardinage, des pièces mécaniques, des conserves, du plastique, du verre, du bois etc. J'essaye de préserver leur identité en leur donnant une nouvelle vie, une nouvelle réalité.
Né en 1962. Ateliers de la ville de Paris et Ecole nationale supérieure des Beaux Arts. Quelques expositions personnelles et participation régulière à des expositions collectives, notamment les salons d'Automne, de Garches et Art Saint Cloud.
Dans ce travail, elle poursuit sa recherche sur le corps et sa relation au monde qui l’entoure.
« Dans un mouvement cyclique, j'avance, je recule, les plis libèrent et accompagnent le mouvement. Plusieurs chemins s'ouvrent, chacun a sa part de mystère.
Le vêtement intimement lié à la personne témoigne de son existence. Il exprime la personne et la prolonge même.
Mon travail part d’une réflexion sur la peau. Elle est vivante. Elle est mémoire, puisqu’elle garde par ses plis, par sa couleur, la marque du temps qui passe, d’une histoire. Elle est lieu de manifestation des émotions. Les mues de certaines peaux sont le signe d’un renouvellement.
Les multiplex de la lumière scintillent, bougent, se rassemblent, se dispersent et donne ainsi un résultat assez joyeux, onirique comme une éclosion de la lumière lors de sa fusion avec la nature.
Les multiplex de la lumière scintillent, bougent, se rassemblent, se dispersent et donne ainsi un résultat assez joyeux, onirique comme l’éclosion de la lumière lors de sa fusion avec la nature.
En utilisant le médium photographique, elle poursuit une recherche sur la mémoire.
Ma démarche photographique c'est de trouver l'abstraction à travers des images figuratives ou composées que je présente de préférence sous forme d'installation pour conforter le sens que je souhaite donner à mon travail.
La peinture est un langage qui échappe aux mots. L'observation du monde qui l'entoure, les façades de béton, les terrains vagues nourrissent son imaginaire. 
Voyages, réflexion et simple observation du quotidien aiguisent ma perception de l'imaginaire pour composer, suggérer sans imposer, éviter l'anecdote, pour permettre ainsi le vagabondage...et le lâcher-prise. "La nouveauté est dans l'esprit qui crée, et non dans la nature qui est peinte" (Delacroix). Mon travail se situe entre abstraction et figuration, techniques mixtes et acrylique sur toile ou papier marouflé, et collages.
L'observation de la nature et ses éléments m'apporte de multiples sources d'inspiration, minérales, végétales ou même climatiques, mais aussi les voyages, les villes et les horizons que j'ai parcourus depuis mon enfance. Des images s'impriment naturellement dans ma mémoire, et je commence chaque toile au gré des harmonies colorées qui m'habitent et qui nourrissent mon univers de peintre. "Regardez la nature et tournez-lui le dos" a dit Raoul Dufy. La toile est alors achevée lorsque l'œuvre rencontre ma sensibilité. Et comme une autre aventure, l'œuvre suivante se profile inévitablement. L'art est une recherche perpétuelle …
La création, c'est une autre vie à côté de la vie... où le doute est toujours présent.
Créer : "c'est la liberté d'inventer ce qui n'existe pas."
Une formation très classique aux Beaux Arts de Paris. Depuis c'est une évolution pour aller toujours plus loin et trouver de plus en plus de liberté devant la toile, sans concession ; à la recherche de l'essentiel avec une palette de couleurs restreintes où les gris, les blancs, les noirs ont toujours une grande attirance dans mon travail. La gravure sur plexi apprise en Italie est une vrai passion.
Devant sa toile on ne sait rien ;
Organiser le désordre
Ce qui l’intéresse n’est pas de représenter fidèlement l’arbre mais de faire des choix dans ce que celui-ci propose et transmet. De plus, Il travaille en noir et blanc car c’est l’ombre et la lumière qui le préoccupe. Son travail s’approche d’un certain réalisme lyrique.
Elle puise son inspiration dans la nature, une nature qui lui transmet beaucoup d’émotions et la transporte.