Virginie Amzallag
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2022
Le métal et l’acier sont une source d’inspiration qui l’immerge dans des défis et l’absorbe totalement. Elle plie, tord, assemble, soude des pièces d’acier. Sa recherche est celle d’un ensemble, vibrant, presque sonore. Dans un monde industrialisé, ses œuvres, posées au sol ou suspendues, tracent une écriture poétique dans l’espace. Le Soi « à Fleur de Peau ». L’être sensible, en relation avec lui-même, l’autre, l’Univers.
Un voyage singulier autour des abstractions calligraphiques, du signe et du geste écrit : peintures, dessins, gravures, livres d’artiste, éditions, happening, etc. Il place l’écriture comme l’élément fondateur de ses compositions.Exit le sens du texte, l’intérêt de la chose est à chercher ailleurs pour emporter le spectateur vers des horizons insoupçonnés. Il s’attache à la poétique du tracé calligraphique et à la musique d’une écriture empreinte de liberté lyrique et abstraite.
« J’utilise l’écriture comme élément originel et fondateur de mes compositions. C’est une écriture dénuée de contenu sémantique — sans texte lisible — il ne reste plus que son aspect abstrait. Il ne cesse d’imaginer et d’affiner une palette éclectique très personnelle : accumulations, superpositions, recherches de motifs et de rythmes, formes et contre formes, contraste. Ce qui importe c’est l’équilibre de la composition, la gestuelle, la force, le dynamisme et l’énergie du trait pour peindre des abstractions lyriques calligraphiques. »
Elle se dit peintre et potière, l'assume, et tend aussi vers la sculpture. Aujourd’hui experte reconnue dans la technique du Raku, elle fait passer à l’épreuve du feu ses sculptures, plumes et ailes, grenades ou fruits géants, grandes jarres montées au colombin, grandes coupes, empreintes de calebasses, ou estampées dans des vanneries ramenées d'Afrique qui laissent sur le flanc des bols et des coupes comme des reliefs de tressage.
La pratique d’Amélie Barthélemy donne à voir la tension qui habite le vivant, au cœur des apparences de la fragilité et des réalités de force. Souvent l’artiste se place au seuil. Ses productions explorent ensemble douceur et rugosité, persistance et éphémère dans un va et vient entre le papier, le linoléum et la terre. Ses œuvres semblent guetter une vie enfouie, et intense.
Son travail combine des recherches sur le papier, le linoléum, la terre. Elle compose un va et vient entre ces matériaux. Elle interroge des lieux précieux et fragiles, lieux de transformation, proches de l'éclosion, au seuil. Dans les estampes de la série Vivante qu’elle vient de réaliser (20 impressions à l’huile sur papier Wenzhou, épreuves uniques, 1mx1m) ce sont les mouvements associés à la poussée de la sève, déployés à la base du végétal, qui sont au cœur de sa recherche.
Attirée par les paysages, elle prend le temps de les observer, retenir l'essentiel et le traduire à travers différentes techniques: le dessin, l'encre, gravure au sucre et à l'aquatinte ou la taille d'épargne.
Par la gravure, Hélène Baumel donne une représentation du monde minéral et végétal qui présuppose une acuité, une observation, un souci du détail à celui de la représentation de l'infinitude du paysage.
Inspirée par le coté invisible de la nature, elle est à la recherche de nouvelles transparences et profondeurs avec de la peinture acrylique fortement diluée. Son processus de travail est extrêmement lent. Cette lenteur associée avec la répétition de formes et de mouvements peut la plonger dans un état de méditation. Ses œuvres ne représentent pas une réalité identifiable et gardent ainsi leur part de mystère, leur champ du possible, que chacun peut imaginer
Des fils pour recoudre la vie. Elle s'exprime en peinture depuis 1984. Le trait, les fils, se sont mêlés aux couleurs dans son travail artistique. Peints tout d’abord, ils ont pris corps. Leur fonction s'affirme, ils sont dans la réalité d'attacher, de réparer, de retenir s'il se peut. Elle coud ses toiles, elle réalise des objets en trois dimensions, juste de fils et de tissus : résultat du tissage entre vie et expression artistique. 
Le lien conduit son travail artistique. Elle garde toutes les chutes, elle tisse, tous les fils, elle amalgame. Ne rien jeter participe à l'élaboration de ses œuvres. Aujourd’hui elle coud ses toiles; les fils sont là pour retenir les éléments et les enserrer dans un cocon; Elle réalise des corsages de fils et de tissus, des robes allégoriques. La couture assemble, répare, retient. Les fils présents dans sa peinture depuis le début ont pris corps.
La série Erratica aborde les thèmes de la force et de la nature: le déplacement et l’ancrage, la dureté et la douceur, le mouvement et le calme intérieur, le familier et le nouveau. Céramiste-plasticienne, Angelika Berrod-Holzner s’inspire du monde organique et minéral. Intuitive, elle essaie de suggérer des émotions à travers ses formes tout en captant la nature à la limite de la représentation. Ses sculptures sont épurées pour capter le souffle de la terre dans la matière, la pensée, et le geste.
Céramiste - plasticienne, elle s’inspire du monde organique et minéral. Intuitive, elle essaie de suggérer des émotions à travers ses formes tout en captant la nature à la limite de la représentation. Ces sculptures sont épurées pour capter le souffle de la terre dans la matière, la pensée et le geste. En installation, chaque pièce se regroupe dans un ensemble tout en gardant son individualité apparente.
La série Nowhere est avant tout une histoire urbaine. Une histoire souterraine où l'absence de repères nous amène à ressentir le vide qui s'installe progressivement entre nous. […] Ils constituent un lieu de passage, un lieu où se croisent et se décroisent des vies.
La série DarkSide est une démarche photographique proposant une vision parcellaire et dynamique du corps féminin. Ce travail repose sur la juxtaposition des fragments du corps et de l'obscurité. Ces fragments constituent la part révélée de cette géographie particulière alors que l'obscurité progressive nous conduit vers l'absence de détail. Cette part obscure amène notre regard à reconsidérer l'ensemble comme un nouvel espace où l'imagination et l'émotion sont la base du mystère féminin.
A travers ses séries photographiques, il cherche des réponses de plus en plus intimes. Sa démarche reste instinctive bien qu’il se décide à structurer son œuvre, tout en versant vers une certaine forme esthétique très épurée. Seule l'émotion le conduit, et c’est ainsi qu’il navigue de l’abstraction où il explore l’intimité, à la représentation très graphique afin de relier cet imaginaire à la réalité. Il laisse toujours planer une certaine incertitude invitant le public à une réinterprétation personnelle.
Son travail intuitif de recomposition se nourrit de l'observation du monde. Elle crée des petits mondes imbriqués, flottants, comme suspendus où se mêlent son histoire personnelle et une histoire plus collective. Elle dessine sur des papiers peints, découpés ou déchirés pour construire, déconstruire et reconstruire. La maison flèche, qui balise l'espace, indique les directions à suivre et tous les possibles, s’est invitée progressivement dans son travail. La maison devient paysage, le paysage devient maison.
Quand elle dessine, elle part en exploration de manière intuitive pour essayer de retranscrire ses sensations, de saisir la trace d’émotions présentes ou passées, révéler l’invisible et saisir ce qui lui échappe. Elle dessine un maillage qui est l’écho de ce voyage, de ses rêveries. Dans ses collages, elle construit, déconstruit à partir de papiers qu’elle peint, qu’elle déchire, où elle redessine pour recomposer de nouveaux paysages, ouvrir des portes sur de nouveaux territoires, créer de nouvelles constellations.
A l'émotion provoquée par la nature, elle cherche des équivalences plastiques. Et la montagne
Sainte-Victoire est pour elle le motif absolu, source de sa peinture. Il est le choc monumental. Tout ce qu’elle a peint ou qu’elle peindra s'y trouve déjà : sa masse ancrée et aérienne, ses contreforts, son calcaire et son végétal, tout en aplats, coulures, gouttes et traits.
Dans un monde de plus en plus complexe, son questionnement n’est pas « D’où viens –je, Qui suis-je, Où vais-je ? » pour paraphraser les philosophes antiques, mais plutôt « Quelle est ma place en ce monde, ici et maintenant? » Il dépeint dans ses constructions cet univers foisonnant où l’individu se trouve souvent en position d’étrangeté, seul face à ce questionnement, à l’image des personnages égarés de Jacques Tati. Rester dans sa boîte ou en sortir, tel est le dilemme.
Sculptures en assemblage de matériaux de récupération
Il crée des sculptures à taille humaine e élabore ses pièces à partir de récupération : ustensiles de cuisine, de jardinage, pièces mécaniques, conserves, plastique, verre, bois… Il essaye de préserver leur identité en leur donnant une nouvelle vie. Il est inspiré par les animaux, l’humain et les matériaux utilisés ainsi que par la bande dessinée, les années 80 et sa période punk. Il se sent proche de l’art brut, du mouvement dada et surréaliste et par la poésie de leurs univers oniriques et fantasmatiques
La gravure a une place importante dans son travail. Dans le procédé de peinture à l'acide, elle retrouve la même gestuelle qui lui permet de réaliser ses robes "Seconde peau" en latex.
Sa pratique pourrait s’apparenter à une mue, une métamorphose faisant écho à ses installations en latex, matériau vivant en constante évolution.
Telles des étoffes tissées de multiples fils, nos vies tricotées d'émotions et d'événements dessinent notre histoire. Sur ce qui est donné, solide brin de chaîne, l'immense champ des possibles prend appui. Au gré de l'aventure de la vie, nous déroulons, emmêlons, croisons les fils de nos projets et de l'imprévu. Rencontres, amours, épreuves se trament en ouvrage.
Lorsque la lumière est filtrée à travers les feuillages des arbres, la forme de la lumière se transforme en d'innombrables ronds sur les personnages, les surfaces, donnant vie et mouvement. 
Elle a toujours été fascinée par l’art de la lumière.
Dans ses créations photographiques, il recherche la richesse des couleurs et l’originalité. Tel un peintre, il joue sur la disposition des diverses sources de lumière artificielle et utilise les réglages d’appareil d’une manière non conventionnelle. Ses séries de prédilection sont « Créations de Lumières » et « Imaginaire ». Dans celle-ci, les œuvres sont travaillées en négatif : les effets recherchés sont les contrastes de lumière et de couleur, à la fois réalistes, picturaux et réfléchissants.
Les organiques est une expérimentation esthétique dans laquelle elle utilise deux procédés anciens de photographie: le photogramme et le cyanotype. L’image s’écrit à la lumière du soleil et se révèle dans l’eau. Cette l’interaction de l’eau et de la lumière existe autant dans la mise en œuvre de la technique que dans le résultat obtenu: des espaces liquides, flottants, mouvants, fluides, ouverts à l’interprétation de ceux qui les regardent.
En utilisant le médium photographique, elle poursuit une recherche sur la mémoire.
Ma démarche photographique c'est de trouver l'abstraction à travers des images figuratives ou composées que je présente de préférence sous forme d'installation pour conforter le sens que je souhaite donner à mon travail.
Le trait constitue pourtant l'essentiel de l'écriture du peintre. Dans la nature elle le retrouve sous toutes ses formes, plein ou discontinu, large et puissant, fin, nerveux, directif, souple, léger ou vibrant; il imprime en elle une puissante énergie, une écriture sensitive qu’elle cherche à restituer, l'obligeant à définir un graphisme à travers des gestes empruntés au lexique du vivant.
Finalement peu à dire, juste regarder, voir les yeux fermés et peindre le trait au-delà du visible
EL DUENDE. Elle n’a pas tout de suite saisi le caractère particulier de Séville. C'est au travers
de la danse flamenco que la révélation se fit à elle. Son regard sur la belle Andalouse prit une dimension sublimée. Elle était envoûtée par el cante (le chant), puis el baile (la danse) et enfin par el toque (la musique), cet ensemble formant le Duende. Ainsi, c'est avec une émotion troublante qu’elle photographiait Séville, imprégnée par tous ces éléments puissants et bouleversants.
Sa démarche tourne toujours autour du temps. Il y a la définition universelle du temps, mais
aussi la perception personnelle que nous en avons "Un homme pressé" donne à penser que cet homme , qui peut être, rentre chez lui, n'a pas conscience de sa vie chimérique et n'est pas encore à l'âge de la méditation. "l Errance ", beaucoup plus sombre, renvoie à une réalité cruelle, ne laissant de nous que des formes vouées à être absorbées par le temps.
Il oscille entre une expression dite lyrique ou gestuelle, une construction plus radicale dite »géométrique ». C’est toujours pour lui cette question posée ; où s’arrêter, comment lier le geste courbe à la ligne droite? La découverte ou la fabrication de nouveaux outils ou médium (encre, fusain, craie …) est importante pour lui. Cela fait repartir cette recherche et l’enrichit à chaque fois.
Photographe, adepte du traitement numérique, Dellavilla a abordé la sculpture en 2007 car, pense-t-il depuis lors :"Un artiste souhaitant traduire toutes ses idées en objets ne saurait rester otage d'un médium unique». Il a créé et dirige K-droz un association soutenant les artistes en arts plastiques
Cette sculpture fait partie d'une série de plus de 12 œuvres s'inspirant de motifs préhistoriques.
Son travail est un pont entre recyclage et matière-bois, il renvoie au cycle de vie arbre-papier et aux actuels questionnements environnementaux.
Le carton lui offre un large jeu de potentialité plastiques du fait de sa légèreté et de sa rigidité dont la forte polyvalence rend sa manipulation passionnante.
Née en 1963, diplômée des Beaux-Arts de Paris en 1989. Mon travail est basé sur la matière inédite du carton recyclé, il me permet un travail de recherches qui inclut à la fois le volume et la notion de lumière-couleur. Je lui redonne vie par des techniques diverses de pliages, d'assemblages qui me sont propres. Les racines, les écorces sont les bases de mon inspiration.
Après des études à l' U. C. A. D Paris et à l' Académie Charpentier, elle s' intéresse plus précisément au croquis en mouvement puis à la sculpture, à la recherche des corps, en mouvement ou dans la détente.
Après des études à l,Union centrale des Arts Décoratifs à Paris, a été animatrice d' ateliers de dessin et de sculpture à la Maison Pour Tous de Ville d'Avray. S' intéresse plus particulièrement au dessin de modèles vivants en mouvement et à la taille directe